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Llibertat presos polítics.

Stevie Wonder
Songs in the key of life 
1976
Stevie Wonder uno de los grandes genios 
de la música llega a lo más alto en la 
década de los 70, y sobre todo con su 
Songs in the key of life, un disco 
Produced, Arranged, Written and 
Composed by Stevie Wonder en 1976.

Stevie Wonder que ya estaba a tope desde 
1968, y dejó claro con este disco doble 
que los 70 estaban en sus manos. Temas 
como Pastime Paradise, I Wish, IsnŽt She 
Lovely (la canción del recién nacido), 
As, o Summer's Soft. Canciones que han 
contado con innumerables versiones, como 
el Gangsta's paradise de Coolio.

Stevie WonderLos discos dobles siempre 
han estado en el punto de mira de los 
críticos, a veces se pueden hacer largos 
si no son lo suficientemente buenos. En 
este caso no hay nada que reprochar, 
sino todo lo contrario.

Un disco positivo, alentador, con música 
funky, soul, pop... un álbum redondo, 
que acaparó tres de los premios Grammy 
más importantes en 1976: mejor disco, 
mejor producción y mejor cantante.

Supertramp
Breakfast in America 1979
Breakfast in America es uno de los 
discos más importantes que han visto 
la luz a finales de los 70, y por 
supuesto de la productiva carrera 
discográfica de Supertramp, además 
de significar un importante boom 
comercial que trajo consigo algunos 
inconvenientes, ya que probablemente 
se trate del último gran álbum de la 
banda, pues todo lo que vino después 
supuso una decepción.

Quizás este álbum no consigue llegar 
a la excelencia compositiva mostrada 
en Crime of the Century, pero se le 
acerca, aunque de forma distinta, pues 
aquel estaba más cerca del Rock 
progresivo, y el que nos ocupa se 
queda en un Pop progresivo muy 
elaborado con un montón de matices y 
texturas preciosistas, mucho más 
cercano al llamado "Piano Rock".

Una colección de 10 temas en total, 
muchos de ellos clásicos 
imperecederos del grupo y de la 
música en su totalidad. Nada más 
comenzar el álbum nos espera un plato 
fuerte, titulado Gone Hollywood, 
corte de más de 5 minutos con 
momentos de calma elegante y sobria, 
y otros más elaborados y exigentes al 
oído. Le sigue un clásico, la inmortal 
The Logical Song, de líneas vocales 
magistrales, coros fantásticos y 
estribillos sumamente preciosistas. 
Excelentes los aportes de la sección 
de viento, que dotan de mayor empaque 
a la composición. Goodbye Stranger una 
composición apasionante, de buen gusto 
por la calidad que se ve injustamente 
eclipsada por estar rodeada de clásicos, 
ya que el corte que llega después es la 
homónima Breakfast in America, 
mostrando quizás la cara más accesible 
de Supertramp, creando una canción de 
fácil asimilación y de enorme gancho 
melódico.

Oh Darling mantiene el nivel óptimo del 
álbum y allana el camino para que Take 
the long way home se acomode 
plácidamente en tus oídos, y disfrutes 
plenamente de esta maravillosa pieza 
musical.

Lord is it mine es todo calma, 
tranquilidad, siendo guiada por 
deliciosos y delicados pianos, lo que 
contrasta con Just another nervous 
wreck y su dinamismo y agilidad musical.

Casual conversations es una composición 
corta, quizás la menos relevante del 
álbum, aunque de una calidad 
indiscutible, y para el final, como 
despedida y broche de oro a un álbum 
maravilloso, nos llega la oportunidad 
de escuchar Child of Vision, la 
composición más larga del álbum, con 
una segunda mitad de canción donde los 
músicos ponen toda su destreza al 
servicio de los instrumentos.

Breakfast in America es un trabajo 
sobresaliente, con cuidadas 
composiciones de mucha calidad, 
siendo a su vez uno de los álbumes 
de Supertramp más asequibles a la 
hora de escuchar, de ahí las grandes 
ventas del disco. 

Suzi Quatro
If You Knew Suzi… 1978
Casi todas las mujeres que han 
triunfado en el rock han sido 
teclistas, guitarristas o cantantes; 
baterías y percusionistas ha habido 
menos, y algo parecido sucede con las 
bajistas. 

Suzi Quatro ha sido una de las 
primeras bajistas que ha 
destacado en el mundo del rock, 
aunque también hay que reconocer 
que gran parte de su éxito se debió 
a su aspecto, a su estética ligada 
al cuero y a su faceta como cantante. 

Nacida en Detroit (EE.UU.), ya 
tocaba los bongos en el grupo de 
jazz de su padre. Estudió piano, 
aunque pronto se inclinaría por el 
rock creando, junto a sus hermanas 
Patti y Nancy, el grupo femenino 
The Pleasure Seekers; en opinión de 
la amiga Marta (We Are Rock), “una 
de las garage bands más importantes 
por el valor técnico de la banda y 
por la influencia que tuvo en 
artistas posteriores como Patti Smith, 
Chrysse Hynde o Joan Jett”. Editaron 
su primer single en 1964, años 
después el grupo acabaría 
rebautizándose como Craddel, ya con 
un sonido algo más agresivo. 
A comienzos de los setenta Suzie 
abandonó Craddle para iniciar su 
carrera en solitario. Publicó su 
primer álbum en 1972 (“Suzie Quatro”) 
y en los años siguientes saldrían al 
mercado otros trabajos de hard rock 
melódico que tuvieron un cierto s
eguimiento; sin embargo, el éxito 
definitivo llegaría con 
“If you Knew Suzi …” (1978), un 
álbum menos rockero y más cercano 
al pop-rock en el que se incluyeron 
algunas versiones como 
“Tired of Waiting” -de los Kinks-, 
“Rock and Roll, Hoochie Koo” -de 
Rick Derringer, grabado por primera 
vez por Johnny Winter– o “Breakdown” -
de Tom Petty-, además de temas 
compuestos por el productor Mike 
Champman y el compositor Nicky Chinn, 
y los debidos a la propia Suzi Quatro 
y al guitarrista Len Tuckey, que 
acabaría siendo el primer marido de 
la bajista. El disco comenzaba con 
dos de las canciones más exitosas de 
Suzi Quatro: “If you can’t me love” 
y “Stumblin’In“, esta segunda 
interpretada a dúo con Chris Norman, 
cantante de la banda Smokie. 
A mediados de los ochenta su carrera
musical ya estaba en decadencia, 
aunque entonces empezó a trabajar 
como actriz y a aparecer en reality 
shows. Aún continúa en activo, 
reviviendo sus tiempos de gloria y, 
según tengo entendido, presentando 
semanalmente un programa en la BBC 
Radio2.

The Beatles
Rubber Soul 1965
Rubber Soul de The Beatles cumple durante 
este año 2005 su 40 aniversario. Aparece 
con los comienzos del sonido psicódelico 
inglés (Beatles, Kinks, Who...). Pese a 
ser el segundo disco del grupo en 1965, 
tuvieron tiempo para experimentar en el 
estudio, y el resultado fueron algunos de 
sus mejores temas, sobre todo uno de los 
grandes de su carrera In my life.

Es difícil entender como haciendo tantas 
canciones no se perdiera en parte la 
calidad de las mismas, pero eran los 
Beatles... y las canciones fluían de una 
forma inimaginable. Así, después de editar 
Help! en Junio del 65, a mediados de 
Octubre se metieron con prisas en el 
estudio para en un mes grabar las 
canciones de Rubber Soul, que se editaría 
en Diciembre.

Poco tiempo, pero un gran cambio. Después 
del sonido puro pop, y más yeyé, de las 
primeras canciones de los Beatles, hasta 
Help!, empezaban a vislumbrarse el lado 
más experimental que mostrarían en 
Revolver (1966). Algo influiría el que 
John Lennon y George Harrison comenzaran 
a meterse en el mundo del consumo de LSD.

The Beatles Con Rubber Soul comenzaron a 
presentarse los mejores Beatles, el grupo 
más influyente de la música contemporánea. 
Así su productor George Martin comentó: 
El primer album que presentó a unos nuevos 
y crecientes Beatles al mundo. Por primera 
vez empezamos a pensar en los álbumes como 
entidades completas, como arte en si mismos.

In My Life es un tema de Lennon con ayuda 
de McCartney en la parte central de la 
canción, en la que John habla de sus amigos, 
de los que seguían y de los que ya no 
estaban. Experimentando, se incluye un 
piano a doble velocidad de George Martin. 
¡Fantástica!. Así lo reconocen algunos de 
los mejores compositores.

Otros de los temas estrella es Norwegian 
Wood (This Bird Has Flown) en el siguen 
innovando: por primera vez en un disco 
occidental aparece el sonido de un sitar.

Drive My Car, Nowhere Man, Michelle, Girl... 
son otras de las canciones que se incluyen 
en este disco y que han llevado a los 
Beatles a ser un grupo de leyenda.

The Cranberries
Everybody else is doing it, 
so Why can't We? 1993
The Cranberries se forma en 
Mayo de 1990, y después de 
publicar un EP llamado 
Uncertain publican su disco 
de debut, Everybody Else Is 
Doing It So Why Can?t We? 
(1993).

The cranberries Su disco 
debut ha vendido 
aproximadamente 8 millones 
de copias en todo el mundo, 
y aunque no llega a los 17 
millones de su sucesor No 
need to argue, podemos 
considerar que gran parte 
de las ventas de este último 
se deben al gran sabor de boca 
que dejó Everybody Else Is....

Los comienzos no suelen ser 
fáciles, y The Cranberries no 
son la excepción. La salida del 
disco pasa un tanto indiferente, 
pero su publicación en Estados 
Unidos un año más tarde 
acompañada de una exitosa gira 
teloneando a grupos, relanza el 
disco que logra encabezar las 
listas también en el Reino Unido. 

El disco ya tenía larga vida, 
y sonaban temas sensacionales 
como Linger, repleta de geniales 
arreglos de cuerda, Dreams, un 
tema positivo, que combina la 
carga y la tensión de la melodía 
y Pretty.

El guitarrista Noel Hogan 
co-escribió todas las canciones, 
excepto tres, junto a Dolores 
O'Riordan, mostrando una 
asombrosa economía a la hora de 
tocar, que gracias a la 
producción de Stephen Street 
consiguió gran proyección y unos 
aires delicados de ritmos 
tranquilos.

The cranberries O'Riordan nos 
ofrece letras llenas de 
reflexiones románticas y deja 
bien claro que tiene una 
habilidad vocal que muchas 
cantantes de opera quisieran 
para sí, acomodando 
perfectamente la línea vocal 
con la instrumental.

The Cranberries sorprendió 
desde un principio al mundo 
de la música por navegar 
contra la corriente en una 
década en la que el grunge, 
el hip-hop y la música 
electrónica dominaban los 
primeros lugares de los 
rankings. 
La receta: sonidos de 
guitarras propios del 
post punk y del rock indie,
elementos del folclore 
celta, y una potente y 
conmovedora voz

The Cure
Disintegration 1989
Disintegration, una obra maestra 
que devolvió a The Cure a sus 
raíces más oscuras: Plainsong, 
Disintegration, Prayers for Rain; 
y les acercó igualmente a un 
público mayoritario entre los que 
me incluyo: Lullaby, Lovesong, 
Pictures of you, Fascination 
Street.

The Cure Después de mucho 
pensárselo, debido a su larga 
amistad, el líder de la banda, 
Robert Smith decidió sustiyuir 
a Tolhurst en febrero de 1989, 
justo antes de la publicación 
de Disintegration. Para muchos 
el mejor disco de Smith & Co, y 
sin duda su trabajo más 
importante desde Pornography, 
aunque el sello lo consideraba 
como algo casi invendible. O, 
en palabras de Smith, "Yo 
pensaba que era nuestra obra 
maestra, y ellos creían que 
era una mierda".

El público estaba de acuerdo con 
Smith. Al publicarse en Mayo de 
1989, Disintegration, desbancó 
los anteriores éxitos de The 
Cure, al colocarse en el Nº3 en 
el Reino Unido y entrando en el 
Top 20 americano por primera vez, 
allí ganó el disco de platino. 

Ya, con una banda estable en la 
cumbre, podían trasladar con 
facilidad sus actuaciones al 
escenario de los estadios más 
importantes y grandes de América. 
El segundo single de este álbum, 
Lovesong, personalmente mi canción 
favorita del grupo y una de la 
mejores de la historia, les colocó 
directamente en el Nº2 del 
Billboard. Sencillez y calidad por 
los cuatro costados: "por lejos 
que estés / siempre te amaré / 
por lejos que permanezca / siempre 
te amaré / cualquieras sean mis 
palabras / siempre te amaré".

En Estados Unidos el primer single 
elegido para presentar el disco 
fue Fascination Street. Lullaby, 
la canción que seguramente más 
gente recordará de The Cure, todo 
un himno, fue el primer single en 
otros lugares como el Reino Unido, 
y a Estados Unidos llegaría más 
tarde. 
Lullaby es una canción de cuna 
con unos sensacionales arreglos 
de cuerda y la voz inquietante 
de Smith. El tema estaba apoyado 
por un muy buen vídeo, que fue 
también reconocido como el 
"Mejor Vídeo" en los Premios Brit.

El disco, lanzado a a través de 
Elektra, estaba producido por 
el propio Robert Smith y David M. 
Allen, y fue frabado en Outside 
Studios, Berkshire. Las letras s
on de Robert Smith, y la música 
de Smith, Gallup, Williams, 
Thompson, OŽdonnell y Tolhurst.

The Doors
The Doors 1967
Enero de 1967, la discográfica 
Electra/Asylum Records edita el 
primer trabajo de este desconocido 
joven grupo californiano, que no 
dejará indiferente a nadie. 
The Doors lo formaban James Douglas 
Morrison (voz), Ray Daniel Manzarek 
(teclado), Robby Krieger (guitarra) 
y John Densmore (batería). 
Se reunían en esta banda diferentes 
preferencias musicales en un 
coherente y atractivo, a la vez que 
corrosivo, sonido. 

El grupo se formó a mediados de los 
'60, por Jim Morrison y Ray Daniel 
Manzarek quienes estudiaban en la 
University of California, Los Angeles 
(UCLA). Morrison era estudiante de 
cine y teatro, lo cual se refleja en 
la visualidad de sus canciones, 
surrealismo y teatralidad. Manzarek 
estudiaba leyes e influenciado por el 
blues y la música electrónica ya había 
formado su propio grupo, Rick and the 
Ravens. 

Ambos se unieron en un proyecto común, 
crear un grupo diferente con el que 
ganarían millones y serían famosos.

Como ya es bien conocido, el nombre del 
grupo lo adoptaron inspirándose en uno 
de los poemas de William Blake 
(1757-1827), " 

Si se purifican las puertas de la 
percepción, todas las cosas 
resultarían infinitas para el 
hombre...". Blake fue uno de los 
artistas -fue poeta, pintor y 
grabador- más incorformistas y 
librepensadores de su tiempo. Era 
defensor de la imaginación frente 
a la razón, consideraba que las 
formas ideales debían construirse 
a partir de las visiones interiores. 

El espíritu humano frente a la razón.

The doors En éste el primer trabajo 
The Doors se incluyen la mayoría de 
sus mejores piezas y coexisten 
perfectamente diferentes estilos 
para crear un sonido único, el sonido 
The Doors. Encontramos blues en Back 
Door Man, música de cariz más popular 
con Alabama Song (whisky Bar), puro 
rock&roll con Break on Through o Light 
My Fire e incluso música llena de 
misticismo, oscura, casi hipnótica en 
The End. El jazz también se deja 
escuchar en sus trabajos 
(especialmente en el teclado de 
Manzarek). Parece como si estos cuatro 
chicos "jugasen" con la audiciencia a 
cambios de color, a intercambios de 
ánimos músicales. 
Contrastes aparentes.

Si algo destaca en este trabajo es la 
fuerza y energía del primer corte Break 
on Through, una de las mejores entradas 
de álbum jamás hechas. El resto de 
canciones parece contagiarse de la 
fuerza de esta primera y continúa con 
el que fue su primer y más rotundo 
éxito, Light My Fire. Sensuales y 
evocativos. Del mismo modo, el último 
corte, The End, con más de once minutos 
de duración, se presta a la locura, a 
romper barreras, al teatro -en muchas 
de sus canciones, sobre todo en directo, 
y ésta en especial, se busca llegar a 
la catarsis para despertar, para 
provocar; confluyen el rock y el drama. 
The doorsLa letra de esta canción evoca,
en una atmósfera delirante y sensual, 
los deseos edípicos de asesinar a su
padre y follar a su madre. 

Se dice que Jim Morrison escribió y 
grabó esta canción bajo los efectos de 
ciertos alucinógenos muy propios de una 
época especialmente convulsiva y abierta 
a nuevas experiencias. Las letras de los 
The Doors, ante todo provocadoras, 
fueron su mejor baza junto a la imagen 
de un cantante carismático e irreverente. 

Para unos exhibicionista, tóxico, profano 
y peligroso, para otros poeta y
predicador, visionario; espíritu libre y 
sufrido, Jim Morrison no dejó a nadie 
indiferente.

En los '60, daba su fruto el llamado 
Baby Boom de los prósperos últimos años 
40 y una población joven e inconformista
despertaba de repente del gran sueño 
americano. Los The Doors se descubren 
como el reflejo, la voz de ese malestar. 

Miles de jóvenes se identificaban, y 
siguen identificándose, con ese tono 
trágico de lucha generacional. Hay una 
época en nuestras vidas, en la que la 
música que compusieron estos jóvenes 
californianos nos llegó muy adentro y 
que tocó aquella parte de rebeldía y 
libertad que todos pretendemos alcanzar 
más o menos explícitamente.

Los siguientes trabajos de los The Doors
continúan la línea temática ya trazada 
en su primer disco, el desengaño, el 
rechazo de lo establecido, frustación y 
violencia social vivida de forma trágica, 
el descontento y la sexualidad libre.

The Rolling Stones
Exile On Main Street 1972
Después de haber publicado discos como 
Beggar's Banquet y Let It Bleed a 
finales de los 60, y tras el impacto 
de Sticky Fingers (1971), en 1972 los 
Rolling Stones editan Exile On Main 
Street (Exilio en la calle principal), 
donde el grupo demostró su admiración 
por el blues, soul y rock'n'roll.

The Rolling Stones Para algunos es el 
último gran disco de los Stones, un 
álbum doble (reeditado en un solo CD), 
grabado en condiciones de drogas, 
alcohol, orgias, disputas, pasotismo..., 
y quizá no uno de los más conocidos. 
Incluye pocos éxitos o temas más famosos, 
quizá Tumbling Dice, sea el más 
reconocido por el gran público. Un disco 
por descubrir...

El grupo se metió, cada uno a su bola, 
en una decadente mansión de la Riviera 
francesa, grabando de forma autónoma y 
casera el álbum, disfrutando de total 
libertad a la hora de componer, entre 
fiesta y fiesta. Y así crean una 
grabación diferente, ruidosa, sucia, 
caótica, Exile On Main Street, con 
canciones blues, rock'n'roll, soul, 
country e incluso gospel.

The Rolling Stones La mayor parte de 
los temas no fueron escritos, solo 
improvisados. Sweet Virginia y Tumbling 
Dice, realmente fueron canciones que no 
dió tiempo a introducir en Sticky 
Fingers y que fueron recuperadas para 
este álbum.

El quinteto: Mick Jagger, Keith Richards, 
Mick Taylor, Bill Wyman y Charlie Watts; 
se encuentra acompañado por nombres 
habituales como Ian Stewart, Nicky 
Hopkins, Bobby Keyes, Billy Preston o 
Jim Price, entre otros.

Beach Boys
Pet Sounds 1966
Brian Wilson hace una verdadera obra 
de arte en producción, que le valió el 
reconocimiento mundial de otros genios, 
como Paul McCartney: "Me encanta el 
disco. Compre a mis chicos uno para 
cada uno para que les sirva de 
educación en la vida. Pienso que nadie 
está educado musicalmente hasta que 
escucha el disco. Me encanta la 
orquesta, los arreglos. He tocado el 
disco a menudo y he llorado."

Beach Boys con los animales "Pet Sounds" 
fue y es una avanzada idea de lo que s
ignifica el concepto de álbum, algo en 
lo que meses después también los Beatles 
hicieron muy bien con "Sgt. Pepper's 
Lonely Hearts Club Band". Paul McCarney:
"Se lo toqué tantas veces a John que 
sería muy difícil escapar de su 
influencia. 
Creo que es la gran influencia que tuve 
a la hora de hacer Sgt. Peppers."

Brian Wilson confesó que su motivación 
para crear el disco fue el Rubber Soul 
de los Beatles: "Fue un cambio 
definitivo para mi. Vi que cada tema 
era artísticamente estimulante e 
interesante y me motivó para trabajar 
en Pet Sounds."

Wilson sentía que necesitaba competir 
con los Beatles. Hay que tener en 
cuenta que boom europeo de los beatles 
era similar al americano de los Beach 
Boys, aunque los beatles tenían más 
éxito en USA que los chicos de la 
playa en Europa.

Beach Boys en la tele Nombró a Tony 
Asher como colaborador y con él pasó 
dos meses trabajando. Sus dotes de 
letrista se adaptaban bien a Brian, 
que estaba obsesionado con explicar 
como me sentía interiomente, era 
genial para él poder expresarse a 
través de la música.

La calidad de las composiciones y 
en como todas se enlazaban formando 
una unidad en la que fondo y forma 
son homogéneos, e innovando en el 
estilo, que se puede considerar de 
lo más original para la época.

A Brian Wilson lo tildaron de loco a 
la hora de presentar el proyecto en 
el edificio Brill (Capitol Records), 
siendo la idea considerada de locura. 
Además estaban sus problemas 
psicológicos, que ya empezaron a 
emerger por entonces, y ello ayudó 
a la desconfianza mostrada por los 
mandatarios de Capitol.

Beach Boys en la playa Pero quien le 
ha visto y quien le ve, ahora es 
considerado (ya lo decía McCarney) 
uno de los grandes clásicos de la 
música, y recientes noticias hablan 
de su relanzamiento por parte de 
Capitol, para hacer justicia y darle 
el valor que no se le debió dar en 
aquel momento (alcanzó el puesto 10 
como mejor posición en las listas 
americanas).

Según David Leaf, uno de los 
co-productores de este relanzamiento 
e importante miembro de la corte 
Wilson, en 1966 McCartney llamó a 
"God Only Knows" "the best song ever 
written".

Los especiales televisivos y de radio 
que a veces se ocupan de "Pet Sounds" 
insisten en hablar, en concordancia 
con las opiniones de Brian Wilson, de 
influencias de Bach, de coros 
celestiales, de nuevas percusiones y 
sonidos inéditos para la tradición de 
la música popular, de búsquedas 
místicas y amores sagrados.

Portada del God only knows Quince
canciones dan vida a "Pet Sounds", 
grandes melodías quizá limitadas en 
cuanto a su ejecución rítmica. Tiene 
un acompañamiento musical basado en la 
diversidad tímbrica: la mandolina 
siguiendo un sencillo trémolo en el 
puente final de "Wouldn't it be nice", 
las bocinas de bicicleta y los vientos, 
junto a las bellas armonías de órgano y 
el enternecido aire de villancico de 
"You still believe in me", el intenso 
diálogo del bajo eléctrico y el arreglo 
de cuerdas en "Don't talk", los abruptos 
cambios de ritmo y los solos de flauta y 
oboe en "I'm waiting for the day", el 
uso de la orquesta en la pieza 
instrumental "Let's go away for a while" 
(con violines, piano, saxos, vibráfono, 
oboe, guitarra, percusión,etc.), la 
hermosa confluencia de las voces a 
destiempo, el corno francés, el 
clavicordio y las cuerdas en la 
monumental "God only knows", las 
graciosas armónicas de "I know there's
an answer", sumado a todo esto las 
notables intervenciones vocales de los 
miembros del grupo para las distintas 
interpretaciones, el uso del Theremin, 
luego nuevamente utilizado para el hit 
"Good Vibrations".

En definitiva, un disco especial para 
la historia de la música. Unos podrán 
decir que en su momento no le dieron la 
suficiente importancia, otros que ahora 
se puede sobredimensionar con el 
proyecto de relanzamiento, pero de lo 
que no cabe duda es de que debe tener 
un tratamiento de histórico.

Beck
Odelay 1996
Su verdadero nombre es Beck David 
Campbell, adoptando el apellido 
materno cuando sus padres se 
separaron, siendo conocido como 
Beck Hansen.

Beck Hansen Después del éxito de 
Loser (..soy un perdedor...), Beck 
volvió al estudio de grabación para 
crear la continuación de Mellow Gold. 
Producido por el propio Beck, Mike 
Simpson, John King, Tom Rothrock, 
Rob Schnapf, Mario Caldato Jr y Brian 
Paulson. John King y Michael Simpson 
son los Dust Brothers (mundialmente 
famosos por llevar a la cumbre a los 
Beastie Boys en el Paul's Boutique).

Inicialmente proyectado para llamarse 
Robot Jazz y luego reformado a Orale 
(típica exclamación mexicana, 
reproducida por sus amigos en 
California), un descuido del ingeniero 
de sonido en los estudios de Silver 
Lake Hills, donde se grabó el disco, 
produjo una deformación hacia «O-de-lay», 
y bajo ese nombre fue sellado el disco.

Beck experimental Odelay fue un tributo 
a los barrios latinos que quedaban 
cerca del vecindario que le vió crecer. 
Además de contener el sonido de los 90, 
y llevar a nuevos niveles su personal 
fusión de estilos que iban desde el blues 
al indie, pasando por el country y el hip 
hop, respeta la música tradicional, con 
un toque de folk, que presagiaba la 
aparición de un nuevo Bob Dylan. Una 
buena mezcla que dió un gran resultado.

El álbum se convierte en un gran éxito. 

Galardonado en los MTV. Los singles 
'Where it's At', 'Devil's Haircut' y 
sus respectivos vídeos, llevaron a Beck 
al superestrellato definitivo. Se llevó 
el Brit award destinado al mejor músico 
extranjero. Odelay fue alabado por la 
crítica y proclamado álbum del año por 
las revistas Rolling Stone, Spin, y 
Village Voice, entre otras, New musical 
express. El álbum también le proporcionó 
dos premios Grammy a la mejor 
interpretación alternativa y mejor 
interpretación de artista masculino. 

Todo un éxito a los dos lados del Atlántico.

Beck sobre el escenario "Cada canción de 
Beck es un experimento de creatividad", 
escribe la prensa especializada 
norteamericana. "Es una celebración de 
la diversidad y la universalidad de la 
música, y por eso es que grandes músicos 
invisibles acompañan su brillante banda".

"Beck no es una mosca pasajera por la 
noche de los 90, que un día está y al 
otro desaparece", concluye la crítica. 
"Es un verdadero músico en todo el 
sentido de la palabra y su marca 
registrada de género ha hecho una mella 
en el siglo 20 como uno de los grandes 
maestros de su tiempo".

Coincidiendo con el lanzamiento del álbum, 
Beck comenzó una agotadora gira que le 
mantuvo en la carretera con una banda 
completa ganando al tiempo su reputación 
como formidable artista en directo.

Björk
Debut 1993
Björk, islandesa nacida en 1965, 
siempre ha estado muy ligada al 
mundo de la música, y grabó varios 
discos en distintos grupos 
(The Sugarcubes) antes de lanzarse 
mundialmente en solitario con su famoso 
Debut.

Tras la separación de su marido, Björk 
y su hijo se mudaron a Londres en 1993. 

El cambio le permitió trabajar con 
productores de la escena británica de 
música dance y fue uno de los mejores, 
Nellee Hooper, quien impulsó su primer 
álbum como solista, "Debut".

Björk Publicado en Julio 1993, supuso el 
lanzamiento definitivo, con un éxito 
total de público y crítica y unas ventas 
que ya estarán cerca de los cuatro 
millones de copias en todo el mundo, y 
la establecieron como una estrella en 
Estados Unidos. Björk se había convertido 
en una auténtica estrella con un disco de 
pop electrónico que mezclaba canciones 
introspectivas y liberadoras con una 
producción de auténtico lujo a cargo de 
Nellee Hooper.

Llevado al límite de la euforia por un 
corte impresionante, "Human Behaviour", 
"Debut" recibió críticas para todos los 
gustos: fue aplastado por la revista 
Rolling Stone pero admirado por muchos 
otros. 

Otros singles fueron Venus is a Boy, 
una nana futurista cuya influencia 
seguramente fue su infancia en Islandia; 
Big Time Sensuality, Violently Happy.

Björk Björk, siendo una cantante que se 
sale de las normas de la comercialidad 
con este álbum consiguió llegar a un 
público más variado, que quizás con sus 
siguientes discos.

Como curiosidades en la portada de Debut, 
Björk aparece en un gran jersey de 
angorina de Mondino. El tema "There's 
More To Life Than This" fue grabado en 
directo en lo servicios del Milk Bar.

Sin duda uno de los grandes discos de 
la década de los 90.

Bob Dylan
Blonde On Blonde 1966
En Blonde On Blonde, Bob Dylan intenta 
sintetizar lo que ha sido su carrera y 
auna de manera magistral los estilos por 
los que ha pasado su música, el folk, el 
pop, el blues... con su increible poesía.

Bob Dylan, fumando Considerada 
universalmente como la obra maestra de 
Bob Dylan, Blonde on Blonde es el primer 
álbum doble de la historia del rock. Bob 
Dylan cuenta con el respaldo del embrión 
del grupo The Band, anteriormente 
conocidos como The Hawks al acompañar a 
Ronnie Hawkins (Robbie Robertson, Rick 
Danko y Garth Hudson) y de otros destacados 
músicos como Al Kooper, Charlie McCoy o 
Wayne Moss para facturar este enorme disco 
donde a la habitual riqueza visión lírica 
del genio de Minnessota hay que añadir una 
variada e igualmente pudiente musicalidad 
palpable ya en la sorprendente "Rainy day 
women #12 & 35", donde se atreve incluso 
a incorporar una sección de metal.

Bob Dylan El blues es la base de otros 
extraordinarios temas como "Pledging my 
time", "Leopard-skin pill-box hat", 
"Temporary like Achilles" y "Obviusly 5 
believers". Por su parte, la maravillosa 
"I want you" es un ejemplo claro de pop s
encillo y desenfadado y por supuesto en su 
imaginería da rienda suelta a su esencial 
folk-rock, estilo en el que Dylan había 
penetrado tras electrificar sus propuestas 
influido por los Beatles y especialmente 
por los Byrds.

Bob Dylan, Blonde On Blonde El folk es el 
fundamento básico de la mayor parte del 
doble álbum, piezas magistrales como "One 
of us must know (sooner or later"), "Just 
like a woman" (versionada con éxito por 
los británicos Manfred Mann), "Most likely 
you go your way and I'll go mine", 
"Abolutely Sweet Marie", "4th time around" 
(inspirada en "Norwegian wood" de los 
Beatles) y la extensas e intensas "Visions 
of Johanna", "Stuck inside of mobile with 
the Memphis blues again" y "Sad eyed lady 
of the lawlands" (primera canción del rock 
que ocupó toda una cara de un vinilo), 
canciones rebosantes de la categoría y 
talento de uno de los más grandes, 
influyentes y admirados hombres en la 
música de la segunda mitad del siglo XX.

Bob Marley
Kaya 1978
Kaya es una colección de canciones de 
amor y homenaje a la filosofia Rasta, 
celebraciones al poder de la marihuana, 
que coincidió con la primera gira 
mundial de Bob Marley and The Wailers.
 Kaya se presentaba más comercial que 
sus anteriores trabajos y preparaba el 
camino para sus siguientes discos.

Bob Marley, marihuana La sucesión de Kaya, 
"Is This Love" (3) y "Sun Is Shining" (4) 
merece los mayores elogios hacia el rey 
de la "ganja", que también demostró aquí 
su destreza para los ambientales y 
narcóticos efluvios del "dub".

Como Bob explicó "Kaya quiere decir hierba. 
Esto es una contraseña que emplean los 
hermanos de Jamaica. Los temas de Kaya 
tratan de la unión de los pueblos, de 
la humanidad, de la paz, porque la paz 
está viajando continuamente a lo ancho y 
alto del globo. Rastaman... y Exodus 
eran incendiarios, ahora Kaya tenía que 
ser tranquilizador".

Bob Marley tocando "Kaya", alcanzó el 
cuarto lugar en Inglaterra a la semana 
siguiente de su lanzamiento. Del álbum 
fueron extraídos dos singles: "Satisfy 
My Soul" y "Is This Love".

En Abril de 1978 Bob vuelve a Jamaica 
(Marley tuvo que salir en 1976 después 
del disparo que casi le costó la vida) 
para el concierto "One Love", que sería 
el 24 de Abril de 1978, Bob fue el último 
acto en un concierto de 8 horas en el 
Estadio Nacional. Durante el final 
triunfante, llama al escenario al Primer 
Ministro Michael Manley y al líder de la 
oposición Edward Seaga y consigue que se 
diesen las manos en el escenario frente 
a 100000 personas. Fue entonces invitado 
para ir a la sede de las Naciones Unidas, 
en Nueva York, para recibir la Medalla de 
la Paz.

Bob Marley en concierto La gira de Kaya le 
llevó a Europa, América, África, Japón, 
Australia, y dió como resultado su segundo 
álbum en vivo: "Babylon By Bus".

Kaya es probablemente el disco de Bob 
Marley más variado, y junto al Exodus 
forman sus dos mayores obras de arte. 

La oportuna aparición de los temas del Kaya 
en infinitud de antologías no puede quitarle 
un valor único e indivisible a clásicos como 
éste. Esencial para los seguidores del 
reggae.

David Bowie
The Rise And Fall Of 
Ziggy Stardust 1972
David Bowie posiblemente el rey del glam, 
uno de esos grandes músicos que aparecen 
de cuando en cuando. Apodado de diferentes 
fomras: El duque blanco, el camaleón, por 
su facilidad de cambiar de aspecto, sin 
duda alguna un vanguardista.

En 1972, año en el que el disco vió la 
luz, David Bowie era ya un artista 
reconocido por su creación de tendencias 
e inovación constante. Sobre sus 
espaldas cargaba ya con varios trabajos, 
tres de ellos de bastante importancia en 
su evolución particular: Hunky Dory, 
The Man Who Sold The World y David Bowie 
(reeditado después, en su versión 
americana, como Space Oddity). En ellos, 
la inspiración de Bowie bailaba entre la 
ciencia ficción, la teoría de un 
apocalipsis anunciado, la impotencia del 
hombre ante las causas y los problemas del 
futuro y, cubriendo todo esto, una 
palpitante androginia, que acarreaba una 
estética rompedora, polémica, y, para 
muchos retrógrados, peligrosa. Todo esto 
nos lleva a esta obra maestra.

David Bowie The rise and fall of Ziggy 
Stardust and the spiders from Mars (El auge 
y declive de Ziggy Stardust y las Arañas de 
Marte), es su mejor disco. Lanzado en 1972 
en una época muy prolífica de su carrera. 
El disco es la historia de Ziggy Stardust, 
sugerente alien de ambigua sexualidad y 
ansias de rock star, introductor y 
protagonista de la sensual y galáctica 
materia con destino apocalíptico.

Para algunos el mejor disco del siglo XX, no 
se puede escapar de entre los discos más 
importantes jamás creados, la obra cumbre 
del glam de Bowie. Es oro de esos discos 
conceptuales de los 70, en los que se cuenta 
una historia, y en el que cada canción se 
asimila a un capítulo de un libro.

Desde la emocionante Five Years (dramática, 
sólo cinco años le quedan al planeta antes 
de su destrucción), pasando por La 
ciencia-ficción de "Starman" en la que da 
a conocer los grandes dotes de Bowie como 
compositor y recreador, hasta su punto 
final Rock and roll Suicide (el deseo de 
Ziggy de escapar y buscar nuevos horizontes) 
en la como curiosidad hay un coro de amigos 
borrachos y que se alegran de verse.

A lo largo de sus canciones se va desgranando 
la historia de una estrella del rock, el 
extraterreste Ziggy Stardust (alter ego de 
David Bowie), y de su grupo The Spiders from 
Mars. La historia es la siguiente: Ziggy 
aterriza en pleno centro de Londres 
(Heddon St., tal y como muestra la portada 
del disco) y canta su mensaje de destrucción: 
a nuestra querida Tierra tan sólo le quedan 
5 años de existencia. Su mensaje 
apocalíptico es tan celebrado que 
inmediatamente es ascendido como si fuera 
un mesías al firmamento del pop junto con 
su grupo, The Spiders from Mars. Sin embargo, 
algo se tuerce, la fama se le sube a la 
cabeza ("making love with his ego") y 
finalmente Ziggy acaba siendo asesinado 
por sus propios fans.

David Bowie Este disco se convierte en un 
objeto pop de culto. Da lugar a películas, 
shows musicales que parecen representaciones 
teatrales, múltiples interpretaciones sobre 
su significado real, reminiscencias en 
trabajos posteriores de Bowie. Se habla de 
quién es realmente Ziggy Stardust, barajándose 
como posibilidades estrellas de los 60 ya 
fallecidas e incluidas en la mitología del 
pop, como Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis 
Joplin o Brian Jones. También se encuentran 
referencias a otras estrellas del glam rock, 
como Marc Bolan, a quien se dice que dedicó 
Lady Stardust.

Sonidos guitarreros, letras ambiguas, 
efectos de sintetizador y mucha 
extravagancia. David Bowie cuenta una 
vez más con la compañía del guitarrista 
Mick Ronson, que ya tocó con el discos 
anteriores como The man who sold the World 
y que colaboró posteriormente con Lou Reed 
en Transformer (1973). Se entremezclan, 
sonidos futuristas, visionarios, con 
otros de corte clásico; sintetizadores y 
extraños efectos con espectaculares 
arreglos de cuerda y viento; guitarras 
rasgadas con relajantes temas en piano de 
cola; y todo ello iluminado con la voz de 
Bowie/Ziggy, que se adapta a cualquier 
registro. Retoma y redefine estilos ya 
vigentes, como el acid-rock o el pop en 
su estado más puro.

Existen varias remasterizaciones del álbum. 
En alguna se incluyen dos caras B: John, I'm 
only Dancing y Velvet Goldmine.

Earth Wind & Fire
The eternat dance 1992
The Eternal Dance es un álbum recopilatorio 
del grupo estadounidense de R & B Earth, 
Wind & Fire. Fue lanzado el 8 de septiembre 
de 1992 por Columbia / Legacy

Publicada en 1992, “The eternal dance” es 
la gran antología que esperaban los 
seguidores del grupo, un documento 
imprescindible para acercarse a las claves 
de un género arrebatador, que encontró en 
la música de Earth, Wind & Fire una de sus 
cimas indiscutibles. Además del habitual 
libreto con fotos de las portadas originales, 
artículos de opinión, discografía y 
créditos de las piezas compiladas, este 
cofre agrupa en tres volúmenes cincuenta y 
cinco temas del período 1971-87, con especial 
atención a los álbumes clásicos de la banda y 
presencia de un numeroso grupo de piezas 
inéditas, entre ellas la deliciosa ‘Ponta da 
Areia-Brazilian rhyme’, original de Milton 
Nascimento.

Fleetwood Mac
Rumours 1977
Fleet Wood Mac, longeva formación 
nacida en la década de los sesenta 
en Gran Bretaña que ha atravesado con 
el paso de los años un importante 
camino desde el blues-rock primerizo 
hasta el último pop totalmente 
comercial establecido cuando la banda 
se asentó en tierras californianas.

El cambio principal de la banda se 
produjo en 1975, que se convirtió en 
una máquina de vender discos. 

El compositor Bob Welch dejó la banda 
y ésta se trasladó a EEUU al mismo 
tiempo que incorporaba a dos personajes 
que serían básicos en el desarrollo 
comercial del grupo, Stevie Nicks (nacida 
el 26 de mayo de 1948 en Phoenix) y 
Lindsey Buckingham.

En 1976 en Sausalito, la banda graba once 
canciones que formaron el álbum Rumores 
(Rumours), salido en febrero de 1977. 

En el escenario La voz de Stevie Nicks y 
la inspiración de Lindsey Buckingham 
basada en los Beatles y los Beach Boys, 
logró que Fleetwood Mac modificara su 
sonido y cosechara sus más grandes éxitos. 

Gracias a este cambio "Rumours", su disco 
de 1977, se convirtió en uno de los álbumes 
más vendidos de todos los tiempos.

Rompió todos los récords habidos y todavía es 
uno de los álbumes con mejores ventas de 
todos los tiempos; a mediados de 1998 se 
habían contabilizado solo en USA 18 millones 
de discos vendidos. Ganó el Grammy de 1977 
para el Álbum del Año, Rumours, el premio de 
la revista Rolling Stone para Artista del Año, 
Mejor Album, Mejor Sencillo, "Dreams", número 
uno en las listas de Billboard durante seis 
meses y muchos otros premios en el mundo.

Hay varias canciones esquisitas en el disco, 
de las que recomiendo principalmente "Dreams" 
y "Don't stop". Aunque para gustos no hay 
nada escrito, grandes músicos más recientes 
han elegido entre sus favoritas varias 
canciones distintas de este álbum. Sin duda, 
uno de los grandes de los setenta, Rumours.

Genesis
Selling England By the 
Pound 1973
Vendiendo Inglaterra por su peso" o 
tambièn conocido como "Vendiendo 
Inglaterra por una libra" de Genesis. 
Esta placa es una gema del rock 
sinfònico/progresivo y del rock clàsico 
de todos los tiempos.Un rock sinfónico 
que iba a marcar caminos y que iba a 
hacer escuela, influenciando al llamado 
"neosinfònico" en los años 80`s y 90`s.
Es el quinto trabajo de estudio de la 
banda grabado en el año 1973. 

Su elenco fuè el màs glorioso y destacado 
sin duda alguna: Peter Gabriel voz y 
vientos, Tony Banks teclados y guitarra de 
12 cuerdas, Steve Hackett guitarras, 
Mike Rutherford bajo, guitarras y coros
y Phil Collins batería, percusión y voz. 

Asimismo fuè su mayor èxito comercial 
(sobre todo en Italia), llegando a ser 
disco de oro en EE. UU. en 1990.

George Michael
Faith 1987
Nacido el 25 de junio de 1963, cerca 
de North London, George Michael 
creció escuchando Soul americano y 
discos antiguos, música de baile en 
los clubs y también el Ska, procedente 
de las Indias occidentales, que invadió 
el Reino Unido. Se enamoró de la música 
de la Motown, pero también de la de 
Elton John y la de Queen.

George Michael, guitarra Comenzó su 
carrera musical junto a Andrew Ridgeley, 
formando el grupo Wham!, logrando grandes 
éxitos, pero con un pop más juvenil que 
maduro.

Faith es su debut en solitario, y s
eguramente el mejor disco que ha hecho, 
y que hará. Escribió y produjo todas las 
canciones, "Faith" se colocó en el Nº1 y 
permaneció en el primer lugar durante 
nada más y nada menos que 12 semanas 
(hoy en día parece casi imposible lograrlo), 
permaneciendo en las listas durante un año 
y medio. Ocho veces platino, hasta ahora, 
en Estados Unidos, las ventas de "Faith" 
se aproximan a 16 millones de copias 
vendidas en todo el mundo.

George Michael, pendiente El adelanto 
al disco fue la polémica "I want your 
sex", número 3 en las listas británicas, 
que sin duda llamó la atención no solo 
musicalmente. La letra abiertamente 
sexual de "I Want Your Sex", sobre las 
ansiedades del amor romántico, trajo a
 la vez controversia y alabanzas de la 
crítica. "I Want Your Sex" fue prohíbida 
en una tercera parte de las emisoras de 
radio de Estados Unidos, y en Gran 
Bretaña sólo se permitió radiarla a partir 
de las tardes. Sin embargo, "I Want Your 
Sex" llegó al Nº1 en USA y vendió más de 
un millón de sencillos. La canción también 
se escuchó en la banda sonora de la 
película "Beverly Hills Cop II".

Despues del éxito de I Want Your Sex, 
George lanza su segundo single "Faith", 
la canción que da título al álbum, y que 
tanto se ha podido escuchar 
(aún se escucha) en las canchas de 
baloncesto de la NBA, la liga profesional 
de baloncesto más importante del mundo.

George Michael, Faith El Faith es un 
compendio de Grandes Éxitos en un álbum 
que no lo es. Muchos singles y todos de 
calidad, "Faith", "Father Figure", "One 
More Try" y "Monkey" fueron todos Nº1. 
"Faith" y "One More Try" alcanzaron el 
Disco de Oro; éste último consiguiendo 
la triple corona: Nº1 en las listas Pop, 
R&B y Adulto Contemporáneo. "Father 
Figure" fue también Top 10 en R&B y 
consiguió una nominación al Grammy 
como Mejor Interpretación Vocal Pop. 

Todavía otro sencillo, "Kissing A Fool", 
alcazó el Nº 5 en las listas Pop y Nº1 en 
las de Adulto Contemporáneo. FAITH fue el 
primer álbum de un cantante solista blanco 
en la historia en llegar al Nº1 de las 
listas de R&B de la revista Billboard, un 
logro que George Michael llamó "lo más 
destacado de mi carrera".

Faith consiguió el Grammy al Mejor Álbum. 
En abril de 1989, George Michael ganó por 
segunda vez el premio Novello al Compositor 
del Año en Gran Bretaña. Durante este 
tiempo se realizó el "Faith Tour", que fue 
un éxito mundial.

Guns n' Roses
Use Your Illusion I y II
(1991)
Guns N' Roses comienzan a trabajar en la 
continuación de "Appetite" a finales de 
1990. Cuando las sesiones de grabación 
estuvieron finalizadas, el nuevo album 
se convirtió en dos nuevos álbumes. En 
junio de 1991 aparece el single You 
Could Be Mine, que también es la banda 
sonora de la película Terminator II que 
protagoniza Arnold Schwarzenegger.

En agosto de 1991 dan el concierto de 
presentación en el estadio de Wembley en 
Londres (con Skid Row como teloneros).
Poco después Izzy Stradlin' abandona la 
formación, está cansado de la extensas 
giras y su relación con Axl no funciona. 

Tienen muchas diferencias musicales y 
personales, por lo tanto decide dejar el 
grupo, a pesar de ser el compositor de 
muchos de los éxitos de Guns N' Roses.

Después del retraso de casi un año, los 
álbumes "Use Your Illusion I" y "Use Your 
Illusion II" fueron lanzados en otoño de 
1991 en medio de una gran expectación.

Calabera Guns N' Roses Los discos 
llevaron a la banda a una ambiciosa gira, 
con un gran número de conocidos rockeros, 
guitarras acústicas, secciones de viento, 
coro femenino, canciones que superaban los 
diez minutos de duración, y un buen número 
de letras provenientes de canciones que 
marcaron su juventud. Una gira que tendría 
por otra parte un gran éxito entre el 
público.

Tras tomarse casi tres años para completar 
el disco, la grabación resultó realmente 
difícil, y las tensiones entre Slash, Izzy
Stradlin y Axl eran más que evidentes. 

Los dos guitarristas, particularmente 
Stradlin, trataban de mantener el grupo 
cercano a sus raíces de hard rock, pero 
Axl deseaba ser una mezcla de Queen y 
Elton John. Una solución razonable era haber 
dividido de manera clara estas ambiciones en 
los discos, pero en lugar de ésto, se mezclan 
en ambos, es una simple coincidencia que 
el "1" suene mas hard rock que el "2". 
Stradlin tiene una presencia más fuerte en 
el primero, contribuyendo con tres de los 
mejores temas, "Dust N' Bones", "You Ain't 
the First" y "Double Talkin' Jive", 
ayudando a mantener el álbum en el 
territorio de Rolling Stones o Aerosmith.

"Use Your Illusion 2" es más serio y 
ambicioso que la primera parte, pero 
es también más pretencioso. Con más de 
cuatro canciones de más de seis minutos, 
el "2" suena a heavy épico, si bien está 
cargado de metal funk en el tema 
"Locomotive" o de antimilitarismo en 
"Civil War". "14 Years" puede tener 
ciertos aires hacia los ritmos de los 
Stones.

La expectación fue total ante el nuevo 
trabajo de Guns N' Roses, consiguieron 
ser número 1 a la vez en USA y UK, nadie 
lo había conseguido antes.

Grabados en los estudios A&M de Hollywood 
y producido por Mike Clink, en total 30 
canciones. El primer single fue "You 
Could Be Mine" que fue la banda sonora 
de la película "Terminator 2 El día del 
juicio final", que llegó a ser número uno 
al igual que "Don't Cry" y "November Rain". 
Además "Let And Let Die" alcanzó el puesto 
33 y con el vídeo November Rain ganaron 
3 premio de la MTV mejor efectos especiales, 
mejor edición y mejor cinematografía.

Pistolas Guns N' Roses Hacía ya tiempo que 
ninguna banda elaboraba con tanta 
desesperación la bandera "sexo, drogas y 
rock n' roll". En el rock de los '90, 
lleno de conformismo, tópicos y tibieza, 
ellos se convirtieron en un auténtico 
vendaval que amenazaba con arrasarlo todo.

Iron Maiden
The Number of the Beast 
1982
No cabe lugar a dudas de que el 
simbolismo y el encaje temporal que 
tiene “The Number of the Beast” en 
la historia de Iron Maiden y del 
propio heavy metal es lo que hace 
que sea el disco más importante y el 
mejor de toda su carrera. Aún con 
Clive Burr como baterista, “The Number 
of the Beast” es un disco que muestra 
la épica incipiente (“Halloweed Be Thy 
Name”, “Children of the Damned”) y la 
inmediatez de los inicios (“Run to the 
Hills”, “The Number of the Beast”, 
“Invaders”) con un equilibrio casi 
perfecto. 

Evidentemente, es el disco en el que 
Bruce Dickinson le muestra al mundo 
aquello de lo que es capaz, así pues 
la significación de este aspecto es 
más que importante. Si una queja se 
puede achacar a este disco es no haber 
incluido jamás en su listado original 
el clásico “Total Eclipse”, que quedó 
relegado a una cara B y que siempre 
debería haber formado parte de la 
edición original del disco.

Si hay un disco de Iron Maiden que 
permite entender el heavy metal a 
quien no lo haya seguido jamás, 
“The Number of the Beast” es ese 
disco.

Jimi Hendrix
Are You Experienced? 1967
Posiblemente Jimi Hendrix sea el mejor 
guitarrista que haya dado la historia 
del rock, y aún hoy, más de 30 años 
después de su muerte nos queda la duda 
de adonde hubiera llegado, y que grandes 
sonidos de guitarra hubiéramos podido 
escuchar. De todas formas su legado 
está ahí, y que mejor que su mejor 
disco para recordarlo, Are You 
Experienced?, su ópera prima.

Jimi Hendrix La historia de Jimi no 
empezó fácilmente; en sus comienzos 
debió sufrir los prejuicios por su 
color de piel y tras un breve paso 
por el ejército comenzó a tocar con 
algunas bandas menores por Estados 
Unidos. En ese momento apareció Chas 
Chandler, bajista de The Animals, y 
lo convenció de viajar al Reino Unido, 
donde formaría una de las agrupaciones 
más clásicas en la historia del rock 
& roll, The Jimi Hendrix Experience, 
junto al bajista Noel Redding y el 
baterista Mitch Mitchell.

El disco salió al mercado en Mayo de 
1967 en Gran Bretaña y en Agosto en 
Estados Unidos. Muestra una fusión 
de distintos estilos, con un 
denominador común que es el rock, a 
veces más guitarrero y en otros 
momentos más melódico, con mucho del 
blues y algunos finos toques 
jazzísticos. 

Según la edición del disco, la 
estadounidense o la británica, las 
canciones difieren en el orden, 
pero no en su contenido.

Jimi Hendrix grupo El rey del "feedback" 
y la distorsión realizó uno de los 
debuts más sobresalientes que se 
recuerdan. No tardaría en elevar el 
techo de grandes guitarristas como 
Jeff Beck o Pete Townshend. "Foxy Lady", 
"Purple Haze", "Hey Joe", "Fire". 
Impresionante!!!.

El disco recoge todo lo recorrido por 
Hendrix en sus últimos cinco años hasta 
llegar a éste 1967, composiciones 
sensacionales y técnica inigualable 
con la producción de Chas Chandler. 
Retrata a la perfección su destreza 
innovadora y creciente de su guitarra. 
Algunas veces audaz y otras lírico, 
Hendrix abrió nuevas perspectivas a todos 
los estilos que tocó, tanto Blues como 
Pop, o música psicodélica.

"Are you experienced?" incluye una amplia 
gama de material al que Noel Redding 
(bajo) y Mitch Mitchell (percusión) le 
proporcionan el toque ideal para la 
magia del guitarrista.

Así veía Jimi la composición: "Cuando 
el aire se llena continuamente de ruidos
y agresividad, la música que se haga 
será así. Si el aire está en paz y 
armonía, la música tendrá esa forma. 
Siempre va a existir, se llame rock o de 
cualquier manera y va a influir 
totalmente en la mente de las personas, 
porque ahora forma parte de tu religión".

Jimi Hendrix Uno de los grandes músicos 
contemporáneos, el neoyorkino Lenny 
Kravitz, reconoce la influencia que ha 
causado Jimi en él: "sus manos estaban 
conectadas con su alma, su manera de 
tocar era muy emocional... podías
sentir el fuego, el blues, la tristeza... 
era increíble". Kirk Hammet, el 
guitarrista de Metallica, también 
reconoce su influencia.
Podía conseguirlo todo con su guitarra".

Pete Townshend le dijo a Eric Clapton 
después de ver por primera vez a Jimi 
en escena: "estamos acabados. Sólo nos 
queda dejar la música".

Las presiones de las giras y las 
actuaciones llevaron a Jimi Hendrix 
a utilizar drogas y estimulantes para 
mantener su nivel en los conciertos. 
EL 18 de septiembre de 1970 murió 
víctima de una sobredosis de heroína.

Kansas
Point of Know Return 1977
Lanzado en 1977, fue el quinto álbum 
de estudio del grupo. Alcanzó el éxito 
de forma inmediata, vendiendo hasta la 
actualidad más de cuatro millones de 
copias, gracias sobre todo a canciones 
como “Dust in the Wind”, una de las 
mejores baladas en acústico de todos 
los tiempos que hoy en día es ya todo 
un himno del rock.

Aunque la mencionada “Dust in the Wind” 
es con toda seguridad la canción más 
conocida de la banda no tiene nada que 
ver con el resto de canciones del disco 
(más bien es una pequeña pausa en el 
camino), pues los temas que componen el 
álbum son en general muy progresivos, 
enrevesados y veloces. Una auténtica 
delicia para los que somos amantes del 
rock progresivo.

Kansas siempre se ha caracterizado por 
su variada e inusual instrumentación 
para un grupo de rock, que incluye 
vibráfono, celesta, clavinet, distintas 
percusiones o instrumentos de cuerda 
clásicos como el violín o el cello. 
Todo esto no hace más que enriquecer y 
engrandecer su música, hacerla más 
interesante para el oyente atento.

Uno de los mejores discos de rock 
progresivo de los setenta, con pocos 
álbumes que superen el trabajo y 
calidad que llevó a cabo Kansas en su 
obra maestra. Resumiendo, Point of Know 
Return es un gran álbum lleno de 
canciones increíbles, pasajes 
instrumentales excelsos y unos músicos 
en estado de gracia. Un disco 
imprescindible si uno es amante del 
rock de los setenta. 

Kiss
Destroyer 1976
Cuarto álbum en estudio de esta 
importante banda de hard y glam rock 
gestada en NYC. Gracias al éxito 
considerable que supuso el doble 
en directo "Alive!" de 1975 (clásico 
de entre los clásicos entre los 
directos de la historia del rock). 
La banda comenzó a sentirse que ya 
estaba para producciones serias. 
Producido por el importante Bob Ezrin, 
productor de varios discos de Alice 
Cooper y de Pink Floyd ("The Wall", "
A Momentary Lapse of Reason", "The 
Division Bell"), entre otros. Ezrin 
aportaría sus conocimientos de 
productor y llegando a aparecer en 
gran parte de los créditos de las 
composiciones. También sometería a la 
banda un arduo e intensivo 
entrenamiento musical. "Destroyer" 
es uno de los álbumes mas elaborados 
de Kiss en la década del 70. Cuentan 
por primera vez con la participación 
de músicos invitados y una importante 
colaboración de la "New York 
Philharmonic-Symphony Orchestra". 
Álbum que influenciaría mucho a bandas 
venideras con su buen hard rock con 
toques de heavy metal.

Independientemente a lo que el común 
de la gente piense sobre Kiss, (que 
es seguramente un concepto erróneo) 
la banda no es solo maquillajes y 
estrafalarias vestimentas. Tampoco es 
una maquina de hacer  hits ("I Was Made 
for Lovin' You" o "Rock and Roll all 
Nite"), con "Destroyer" demuestran un 
buen compromiso con la música y las 
composiciones. Buen ejemplo de esto es 
el duro comienzo del disco "Detrot Rock 
City" donde las guitarras de Stanley y 
Ace Frehley suenan como nunca antes, 
pero aquí la linea del bajo de Simmons 
sobresale por encima de estos. 
Una canción que con el correr de los 
años se transformo en un clásico de 
la banda y muchas veces la obertura de 
sus recitales. La letra esta inspirada 
en un fan de Kiss que murió cuando se 
aproximaba a un recital de la banda en 
un accidente, de ahí los sonidos de la 
radio  del comienzo y  de "Crash"  en 
el final. El rock potente prosigue con 
"King of the Night Time World" todo un 
himno al "rock fiestero" 

Uno de los discos mas recomendables e 
importantes de Kiss en los 70´s. El 
arrasador éxito de "Destroyer" y de su 
antecesor "Alive!" obtuvo como 
resultado la primer gira por Europa de 
la banda. La portada presenta por 
primera vez a Kiss como personajes de 
historietas y fue realizada por Ken 
Kelly, que había dibujado el cómic 
"Conan el Bárbaro" y que más tarde 
trabajaría con bandas como Rainbow y 
Manowar. En un principio las ventas del 
LP iban en incremento e inclusive logro 
el oro, pero luego decayó. Solo con la 
repercusión radial de "Beth" como la 
cara B del sencillo "Detroit Rock City", 
el álbum volvió a entrar en las 
principales listas y logra el disco 
de platino a finales de 1976.

Lenny Kravitz
Are you gonna go my way
1993
El año en el que acabó su matrimonio 
de 6 años con la actriz Lisa Bonet,
Lenny lanzó el disco que lo lanzaría 
enteramente al estrellato mundial, 
"Are you gonna go my way", el cual 
también contenía obviamente la 
canción del mismo nombre. 

Lenny Nos situamos entonces, en el 
mejor disco del último gran genio 
de la música de nuestro tiempo. 
"Are you gonna go my way" nace en 
un momento en el que Lenny todavía 
tiene muy presente la música de 
finales de los los 60's y principios 
de los 70's. Hay que tener en cuenta 
que en sus primeros discos (este es 
el tercero), pretende sonar como 
los viejos reyes de los 60's, y para 
la grabación de sus discos utiliza 
tecnología analógica. Lo que sale por 
un altavoz suena muy distinto de lo 
que suena por el otro. 

Lenny en el estudio de grabación El 
título del disco y la foto de la 
carátula ya lo dice todo "¿Estas 
preparado para hacerlo a mi manera?". 
Con un diseño de portada con Kravitz 
enfundado en ropa hippie, exhibiéndose 
ante el fotógrafo, se muestra rebelde 
hacia la cultura de los sex-simbol.

Tomando las riendas al 100% en el 
aspecto de composición y producción, 
Kravitz consigue llegar a su cima 
artística. En esta época, Hendrix 
era su principal influencia musical, 
sobre todo respecto a la parte 
guitarrística como en "Are you gonna 
go my way" o "Is there any love in 
your heart". En cuanto a la letra su 
referente es John Lennon, canciones 
como "Believe" (una de sus mejores 
baladas) o "Heaven Help". Para Lenny, 
hay dos tipos de canciones: las 
guitarreras y las baladas.

Vídeo del 'Are you gonna go my way' 
Aparte de ser su mejor disco, 
probablemente "Are you gonna go my 
way" sea su mejor canción junto a 
"It ain't over 'till it's over" 
(del Mama said). En el vídeo aparece 
con un modelito rojo, su guitarra y 
su gran melena de entonces haciendo 
disfrutar a la gente en una sala de 
música. Esta canción fue versionada 
por Tom Jones, que dijo de ella que 
era una de las mejores canciones de 
rock que se habían escrito jamás. 

Led Zeppelin
Led Zeppelin I (1969)
Led Zeppelin, la banda estaba formada 
por James Patrick Page (guitarra), 
Robert Plant (voz), John Paul Jones 
(bajo y teclados) y John Bonham 
(percusión).

En muchas ocasiones la ópera prima de 
una banda, de un músico..., es su mejor 
álbum, y pienso que en el caso de Led 
Zeppelin es así. El grupo que dió 
sentido al heavy-metal, y cuyo nombre 
(originario de dos de los componentes 
de The who) se refiere a que su música 
sería tan fuerte capaz de arrasar con 
un zeppelin (ver portada ardiendo).

Un debut a lo grande, grabado ¡sólo en 
30 horas! en los estudios Olympic de 
Londres en Octubre del 68. Da muestras 
evidentes de cuál va a ser su estilo 
personal: rock and roll impregnado de 
blues, con riffs virtuosos, folk e 
incluso influencias de la costa oeste 
americana. La mayoría de las canciones 
aparecen firmadas por Jimmy Page y el 
resto de miembros del grupo, salvo Plant, 
que estaba bajo contrato con la CBS.

Led Zeppelin Sobre la portada del disco, 
la foto del Zeppelin en llamas, que dió 
pie a una anécdota. Durante una gira por 
Holanda, el grupo se presentó como The 
Nobs, ya que la baronesa Eva Von 
Zeppelin, sobrina del inventor del 
dirigible, se negó a que "unos monos 
chillones" usaran su apellido. Y eso a 
pesar de que intentaran convencerla, 
como contaba Page: "La invitamos al 
estudio para que nos conociera y viese 
que éramos buenos chicos. Logramos 
calmarla, pero al salir del estudio, 
vio la foto del disco, con el Zeppelin 
ardiendo y montó en cólera."


El disco comienza con "Good Times Bad 
Times", rock clásico, con un riff 
pegadizo de Page y la sección rítmica 
Jones/Bonham empleándose a fondo. 
El tema fue lanzado como sencillo el 
10 de enero del 69, y llegó al puesto 
80 en las listas americanas.

"Babe I'm Gonna Leave You" era un tema
de Anne Bredon, una cantante folk de 
los 50 también conocida como Annie 
Briggs y que ya había versionado Joan 
Baez (no era pues un tema 
"tradicional" como indicaban los 
créditos originales del disco). 
Plant había interpretado la canción 
en uno de sus primeros encuentros 
con Jimmy Page en la casa de éste en 
Pangsbourn, y entre los dos adaptaron 
la versión de Joan Baez, aunque 
dándole un sonido mucho más duro, 
fusionando elementos acústicos y 
eléctricos.

"You Shook Me" había sido grabado por 
Willie Dixon y anteriormente por Muddy 
Waters. La canción tiene un tempo 
pronunciadamente lento, lo que hace 
destacar la ironía de la letra (con 
algunas líneas tomadas de la canción 
Stones In My Passway, de Robert Johnson: 
"I have a bird that whistles, and I 
have birds that sing"). En la parte 
músical, aparece por primera vez John 
Paul Jones tocando el órgano, así como 
la armónica de Plant. El final del tema 
es un diálogo entre Robert Plant y la 
guitarra de Page con efectos curiosos, 
como el eco que precede al sonido, un 
truco de estudio muy usado por Page 
(como en Ten Little Indians, grabada 
con los Yardbirds).

Led Zeppelin "Dazed And Confused" 
parece que tiene su origen en una 
canción acústica del cantante folk 
Jake Holmes, con el mismo título. 
"Your Time Is Gonna Come" tiene el 
protagonismo es para John Paul Jones, 
que toca el órgano. Por lo demás, la 
canción es un "medio tiempo" al 
estilo de las bandas californianas 
(la letra es típicamente blues). 
Un tema de Lynrd Skynrd, el famoso 
Sweet Home Alabama, comparte algo 
más que un par de acordes con esta 
canción.

"Black Mountain Side" es un tema 
instrumental de instrumental de Page, 
ayudado en la percusión (tabla hindú) 
por Viram Jasani. "Communication 
Breakdown" fue la cara B de Good 
Times Bad Times y es el rock más 
clásico del disco. Tiene algunas 
similitudes con Nervous Breakdown, 
de Eddie Cochran, aunque más como 
homenaje que como fuente directa. 
"I Can't Quit You Babe", blues donde 
Robert Plant, que pega unos gritos 
realmente asombrosos. "How Many More 
Times" es el fin de fiesta, una 
canción de ocho minutos y medio, 
una mezcla de muchos elementos


El disco se coloca a los primeros 
puestos de las listas de ventas con 
su libre, psicodélico y heavy estilo 
de rock. En este momento la banda 
comienza a ascender a su status de 
dioses. Un genio del estudio, Jimmy 
Page, integró a una banda de verdad 
con un desbordante Robert Plant en 
los "gemidos". Una banda histórica.

Madonna
Like a prayer 1989
En 1989 Madonna, después de un año 
de sequía musical, publicó la que 
muchos consideran su gran obra maestra. 
Like A Prayer fue la confirmación 
definitiva de que Madonna era una 
gran artista para a todos los niveles. 
Este álbum provocó reacciones muy 
diferenciadas en todo el mundo. Por 
una parte recibía el elogio unánime 
de la crítica especializada y era 
recibido con gran entusiasmo por todos 
los fans. Por otra parte, la sociedad 
conservadora y católica lo condenaba 
con dureza por considerarlo altamente 
irreverente.

Vídeo like a prayer Cada una de las 
11 canciones de este disco reflejan 
un aspecto de la propia vida de 
Madonna: sus miedos, sus experiencias 
y sus creencias. El LP contenía una 
funda interior impregnada con aroma 
de Patchouli que le daba al disco una 
personalidad única. El tema que da 
título al álbum es una gran canción 
pop-rock en la que Madonna canta sobre 
la atracción que ejerce sobre ella el 
mundo religioso, fruto de su marcada 
educación católica.

Like a Prayer, sobre todo el videoclip, 
fue intensamente criticado y vapuleado 
por las altas esferas de la Iglesia, 
influyendo de tal modo que incluso un 
anuncio de Pepsi fue retirado, y un 
comunicado del Vaticano aconsejó a los 
fieles no caer en las redes de semejante 
pecadora. Con toda esa divertida 
propaganda, Like a Prayer, una joya 
de canción escrita y producida junto 
a Patrick Leonard, permaneció varios 
meses en el número 1 de España y en 
las principales listas de éxitos de 
todo el mundo.

Vídeo Express Yourself El segundo 
single fue Express Yourself, una 
alucinante canción escrita y 
producida junto a Stephen Bray en la 
que Madonna alecciona sobre la 
libertad de expresión y la sinceridad. 
Madonna vuelve a ser rubia, se ponía 
los pantalones y se agarraba la 
entrepierna.

Cherish fue el tercer single, una canción 
ligera y divertida que recuerda bastante 
el estilo de True Blue. Y para el 
siguiente single Madonna se puso mucho
más seria y nos habló sobre lo dificil 
que resultó una infancia sin madre y con 
un padre demasiado estricto, en Oh Father,
una de sus mejores baladas. Seis años más 
tarde, Oh Father volvió a publicarse como 
single para el álbum recopilatorio 
Something To Remember.

Dear Jessie (single sólo en Europa) es 
una dulce canción en la que Madonna 
recuerda la inocencia de su infancia, y 
en Keep It Together (publicado sólo en 
América) Madonna nos habla sobre los 
importantes valores de la familia.

En este álbum se encuentra escondido 
uno de los mejores duetos que se han 
hecho jamás, que Madonna comparte con 
el músico más completo de la historia 
más reciente de la música: Prince. La 
canción, Love Song, fue escrita y 
producida también por el pequeño genio 
de Minneapolis.

Entre el resto de canciones destaca: 
Till Death Do Us Part, una bofetada en 
la cara de Sean Penn; Promise To Try, 
una triste y conmovedora balada sobre 
la muerte de su madre; y Pray for 
Spanish Eyes, una dulce melodía de 
aire latino.

El Like A Prayer es considerado 
actualmente el mejor disco de toda su 
carrera. El álbum superó récords de 
ventas en todo el mundo, fue ubicado 
en la lista de los 50 mejores discos 
de toda la historia y el tema que 
lleva el mismo nombre entre las 100 
mejores canciones.

Su cuarto disco de estudio, producido 
por ella misma y Patrick Leonard, fue 
número 1 por todo el mundo. El single 
que daba nombre al disco fue número 1 
tanto en las listas inglesa como las 
americanas y fue seguido por 4 nuevos 
éxitos en USA: "Express Yourself" 
(No. 2), "Cherish" (No. 2), "Oh 
Father" (No. 20) and "Keep It Together" 
(No. 8). "Dear Jessie" apareció en 
Europa y en Inglaterra fue número 5.

Pero eso no fue todo, los vídeos del 
disco tuvieron siete nominaciones a los 
MTV Video Music Award, incluyendo mejor 
vídeo del año ("Like A Prayer") y mejor 
vídeo femenino ("Express Yourself"). 
Express Yourself fue premiado con los 
MTV Video Awards: Mejor Dirección y 
Mejor Fotografía, perdió los premios 
Mejor Vídeo Femenino y al Mejor Montaje 
ante el "Straight Up" de la cantante y 
bailarina Paula Abdul. Like A Prayer 
no consiguió el premio, pero si el MTV 
Viewer's Choice Award. En 1990, el vídeo 
de "Oh Father," dirigido por David 
Fincher, ganó un Grammy.

"Like A Prayer" vendió más de cuatro 
millones de copias en USA, y otros 
siete millones en el resto del mundo.

Marvin Gaye
What's going on 1971
Marvin Gaye tiene una colección de 
grandes discos como el "Let?s Get 
It On" o "Here my Dear", pero este 
"Wahat's going on" tiene especial 
importancia. A pesar de que Berry 
Gordy Jr. (propiatario de Motown 
Records) no quería publicarlo, se 
convirtió en uno de los mayores 
éxitos de la Motown.

Marvin Gaye La Motown es una 
discográfica muy conocida dedicada 
exclusivamente al lanzamiento de 
música de color, que ha tenido entre 
sus filas a gente como: The Supremes, 
The Temptations, Stevie Wonder, The 
Jacksons 5 y por supuesto a Marvin 
Gaye.

Marvin Gaye desahogó su conciencia 
social en esta obra cumbre de la
música de color. Dobló su voz hasta 
el infinito y revolucionó el concepto 
artístico de la factoría con tres 
grandes canciones de soul como 
"Mercy Mercy Me", "WhatŽs Going On" e
 "Inner City Blues".

Marvin Gaye Del disco también cabe 
destacar la continuidad que las 
canciones tienen una con otra. 
Están enlazadas en lo que parece 
la línea argumental de una historia 
de denuncia y crítica social. 
Se adentra en la guerra de Vietnam, 
en el estilo de vida estadounidense, 
en su creencia en Dios; lo que a 
Berry Gordy Jr. no le convencía 
inicialmente porque no parecía nada 
comercial. 
Pero al final los resultados le 
dieron a la razón a Marvin; tanto 
que con este disco logró un contrato 
con el que tenía el total control 
sobre sus proyectos, convirtiéndose 
en su propio productor, algo que muy 
pocos artistas de la Motown podían 
conseguir.

Un ejemplo de la calidad, de la 
fuerza del disco, y de que el What's 
going on se ha convertido en un 
clásico, es que a finales de 2001, 
salió una versión (5 diferentes 
remixes) de su What's going on, en 
un disco beneficio de la lucha contra 
el SIDA y de los damnificados del 11 
de septiembre, para hacer una llamada 
a través de su letra al amor y a la 
compasión. Participaron artistas de 
la talla de Bono (U2), Christina 
Aguilera, Alicia Keys y Michael Stipe 
(REM), entre otros muchos.

Michael Jackson
Thriller 1982
Michael Jackson ya era conocido por 
haber formado parte del grupo familiar 
"The Jackson Five", pero con este 
trabajo llega a lo más alto que 
cualquier artista pudiera desear.

1982 es el año de "Thriller"; el 
disco marca un antes y un después, 
no sólo en la carrera musical de 
Jackson, sino en toda la historia 
de la música: vendió 45 millones 
de copias por lo que entró en el 
record Guiness. Pero eso no fue 
todo, con este trabajo ganó 8 premios 
Gramy, algo que solo ha conseguido 
igualar recientemente el músico 
mexicano Carlos Santana. Se convirtió 
en un fenómeno social en todo el mundo. 
Promocionó su disco con videoclips 
como "Billie Jean" o "Thriller" que 
se convirtieron en símbolos de la 
época. 

Sus coreografías impactantes y 
polémicas presagiaban un prometedor 
futuro para él. Por esas fechas 
comienzan a escucharse los rumores 
sobre sus operaciones quirúrgicas y 
el famoso aclarado de su piel. Su 
amor platónico por Diana Ross (a la 
que dicen que dedicó un tema en su 
siguiente disco "Bad" que se llamaba 
"Dirty Diana") y el romance con otra 
estrella precoz Brooke Shields hacen 
del artista un habitual en todo tipo 
de publicaciones ajenas al mundo 
musical.

El concepto de videoclip musical, tal y 
como lo es hoy en día, se puede decir 
que lo creo él. El "Thriller" es como 
un cortometraje de cine, pero musical 
y ¡vaya música!. Nunca nadie había 
realizado un vídeo semejante al 
"Thriller", tanto en duración (más de 
13 minutos), como en costes, como en 
calidad. 

El disco comienza con el "Wanna Be 
Startin' Somethin'", un tema positivo 
con el que ha abierto una gran parte 
de los multitudinarios conciertos que 
ha hecho por todo el mundo.

Vídeo Thriller En el álbum aparece un 
dueto que realizó con Paul McCartney 
en "The Girl is Mine". Michael, pese 
a su juventud, ya se había ganado el 
respecto de Paul. Michael siempre ha 
sido un admirador de McCarney y de la 
música de los Beatles; es más un 
artista que no se prodiga en las 
versiones, ya los versionaba en el 
final de la "película Moonwalker" con 
"Come together", que posteriormente 
fue incluido como uno de los cortes 
del "History". De todas formas, esa 
amistad duraría hasta aquel día en 
que el "rey del pop" adquirió por más 
de 300 millones de dólares, los 
derechos de casi la totalidad de las 
canciones de The Beatles en el catálogo
 "Northern Songs"; el valor de estos 
derechos se puede comparar al de los 
cuadros de Picasso o Van Gogh, por eso 
aún hoy en día existe polémica respecto 
a ellos.

Haciendo el Billie Jean "Thriller", el 
tema que da nombre al álbum, es junto 
al "Beat it", uno de los temas más 
rockeros del disco, y su clip musical 
ha pasado a la historia como el padre 
de los vídeos musicales.

Entre los puntos más altos del disco 
está "Billie Jean", seguramente la mejor 
y más famosa canción de Jackson. Se hizo 
famosa gracias al conocido "paso lunar
"de Michael caminando hacia atrás que 
aún sigue practicando en sus conciertos.

"Human nature", es un tema no tan 
conocido como los anteriores, pero 
un fantástico tema pop, que pone la 
guinda a uno de los mejores álbumes 
jamás realizado.

"Thriller" ha sido reeditado 
recientemente, en edición especial 
remasterizada, una gran oportunidad 
para aquellos que aún no tienen el 
álbum más vendido de la historia. 
Y si aún te queda alguna duda, 
¡escúchalo!

Nirvana
Nevermind 1991
Nirvana, el grupo del legendario 
Kurt Cobain, uno de esas bandas 
que abrieron nuevas puertas al 
mundo de la música. Producido por 
el gran Butch Vig (Garbage) y 
Nirvana, Nevermind, mezclado por 
Andy Wallace, fue grabado entre 
Mayo y Junio de 1991, en Sound 
City Studios en Van Nuys, 
California.

Nirvana Nevermind, el 2° trabajo 
de la banda formada por Kurt 
Cobain en guitarra y voz, Krist 
Novolselik en bajo y Dave Grohl 
en bateria y coros, fue publicado 
el 23 de Septiembre de 1991 en 
Europa y un día después en Estados
Unidos. Acababa de nacer el sonido 
Seattle, y el grunge. Todo un 
bombazo, con el single "Smells like 
teen spirit", el himno adolescente 
de los '90, hizo añicos la vuelta 
del "rey del pop", Michael Jackson 
y su Dangerous, que por aquel 
entonces era el mayor fenómeno de 
la industria del disco, desbáncandolo 
de las listas de éxito y ventas sobre 
todo en Estados Unidos.

Durante años atrás, la escena rock 
americana había desaparecido 
prácticamente, y se necesitaba algo 
nuevo que la levantara, y ahí 
apareció Kurt Cobain y su grupo, 
dando paso un nuevo sonido 
alternativo, el grunge, una 
combinación de punk, rock setentero 
y melodía pop. Así audaron a la 
aparición y/o éxito de grupos como 
Pearl Jam, Soundgarden, Alice In 
Chains y muchas otros, que sin 
Nirvana y su Nevermind lo hubieran 
tenido mucho más difícil.

Nirvana A "Smells like teen spirit", 
le acompañaron otras grandes canciones, 
sobre todo el "Come as you are"; 
después "Lithium" e "In Bloom".

Todas las canciones fueron escritas 
por Kurt Cobain y Nirvana. Kurt 
Cobain, luchaba contra la depresión, 
una enfermedad crónica del estómago y 
la adición a la heroína le llevaron 
al suicidio en 1994.

Peter Gabriel
So 1986
Peter Gabriel es uno de esos músicos a 
los que hay que venerar y que salen muy 
de cuando en cuando. Seguramente pueda 
incluirse en el grupo top 10, de los 
mejores artistas de la música 
contemporánea. 

Un genio de pies a cabeza: escritor, 
compositor, actor, mimo, productor, 
multi instrumentista, que en estos 
tiempos no es poco. Su carrera lo 
convierte en una de las figuras más 
innovadoras, ambiciosas y 
multifacéticas del pop-rock.

Gira So Varios de sus discos se pueden 
considerar históricos, pero sin duda So, 
ha sido el más completo, comercial y 
con calidad. Peter Gabriel lo publica 
en 1986, su segundo álbum de estudio en 
solitario bajo el sello Geffen. 

Destaca por una búsqueda rítmica, con 
fuertes toques de soul blanco. Nos 
deslumbró a base de soul 
("Sledgehammer") y nos introdujo al 
gran Youssou NŽDour ("In Your Eyes"). 

Kate Bush y él bailaron bien pegados 
("DonŽt Give Up") y el ex Genesis pasó 
a convertirse en ídolo de masas con 
brillantes espectáculos multicolor.

Como ya he comentado el disco tiene 
colaboraciones de auténtico lujo. 
Colaboran Laurie Anderson en "This 
is the picture", el ex The Police 
Stewart Copeland en "Red Rain" y 
"Big Time", Jim Kerr y Youssou NŽDour 
en "In Your Eyes", además de los 
habituales de la banda de Gabriel como 
son Tony Levin, David Rhodes o Manu 
Katché. En "Don't give up" nos convence 
para no abandonar, en compañía de la 
cantante de las cumbres borrascosas, 
Kate Bush.

En esta época se convirtió en 
activista social y comenzó a colaborar 
con la organización Amnistía 
Internacional efectuando diversos 
conciertos en pro de la paz y el 
respeto a los derechos humanos.

Gira So Sólo en América, So llega a 
vender más de tres millones de copias, 
manteniéndose en el número dos de las 
listas de éxitos durante un tiempo 
considerable. Sledgehammer, llegó al 
número uno, Big Time, se incluiyó en 
la lista de los diez mejores éxitos 
del año. In Your Eyes se incluyó en 
la banda sonora de la película Say 
Anything. 

Peter Gabriel es nominado a los premios 
Grammy en la categoría de "Album del Año",
cantante de rock y canción del año por 
Sledgehammer. Además, el vídeo musical 
de Sledgehammer se conviertió en un 
clásico del género, asimismo merecedor 
de premio, al tiempo que la revista 
Rolling Stone lo clasifica como el número 
uno de "Los 100 Mejores vídeos Musicales 
de la Historia" en su edición de Octubre 
de 1993. Este mismo vídeo gana nueve 
premios MTV, superando así los premios 
ganados por cualquier otro vídeo musical, 
premios entre los que se incluye el de 
Mejor vídeo, así como el prestigioso vídeo 
Vanguard Award (Premio al vídeo de 
Vanguardia) por el éxito de su carrera 
en 1987.

Police
Synchronicity 1983
Police - Synchronicity 1983, para muchos 
el mejor grupo de la primera parte de los 
años 80, nos dejo como despedida uno de 
las mejores discos jamás hechos. Un disco 
en el que estuvieron trabajando Stewart 
Copeland, Andy Summers y Sting durante un 
año, y que obtuvo la recompensa tanto de 
los críticos como de la masa social.

Police - Synchronicity 1983 Police - 
Synchronicity 1983 se hicieron esperar 
dos años tras Ghost In The Machine. Esa 
larga espera, y los continuos rumores de 
separación que no llegó hasta después de 
este álbum y su gira posterior, hicieron 
que se desatase el fenómeno The Police 
con la aparición de Synchronicity.

Synchronicity viene del título de un 
libro del filósofo Carl Jung llamado 
"Synchronicity; An Acausal Connecting 
Principle". La canción Synchronicity II 
trata el tema.

Con Synchronicity, grabado en Cánada, 
The Police tiene la intención de cambiar 
su sonido porque muchos grupos sonaban 
como ellos. Se olvidan de secciones de 
viento, teclados y experimentan con 
nuevos sonidos.

Vídeo Synchronicity fue su disco más 
exitoso, con una producción espectacular, 
grandes video clips para aquel momento, y 
cuenta con cuatro o cinco de las mejores 
canciones de la banda, entre la que 
destaca sin duda alguna la balada Every 
Breath You Take, que ha sido incluida 
como sintonía en anuncios de televisión 
de medio mundo.

Junto a Every Breath You Take, Wrapped 
Around Your Finger, King of pain, Tea In 
The Sahara, Synchronicity, Walking In 
Your Footsteps.

The Police Son nº 1 en todo el mundo, 
la crítica los ensalza como los nuevos 
Beatles. Los 3 Grammys los coronan en 
casi todas las listas; el álbum fue 
número uno en Inglaterra y en Estados 
Unidos durante 17 semanas.

La gira mundial fue impresionante; batió 
récords de asistencia en varios estadios 
norteamericanos que tenían en su poder 
los Beatles. Acaban el Tour en Melbourne 
el 4 de marzo de 1984 con insistentes 
rumores de separación que Stewart 
Copeland desmiente con un "sólo es un 
descanso".

Desde entonces, The Police no han vuelto 
a reunirse para grabar. Cada miembro del 
grupo inició su propia carrera en 
solitario, cosechando éxitos a diferente 
nivel.

Prince
1999 (1982)
El fin del milenio como histérico motor 
para el caos. La perspectiva de un Prince 
sexualmente cargado que conjuró a sus 
Revolutions en una futurista revisión de 
la música de color y le convirtieron 
definitivamente en una figura legendaria.

Con "Dirty Mind" su tercer disco, Prince 
había establecido una fusión salvaje de 
funk, rock, new wave y soul que le marcó 
como artista original, innovador y de gran 
talento pero que no le remitió una gran 
audiencia.

Contraportada de 1999 Después de entregar 
"Controversy" con un sonido semejante, 
Prince decide renovar su sonido, para lo 
que se pone a componer este álbum titulado 
"1999". Mientras que sus primeros trabajos 
eran una fusión de sonidos electrónicos y 
sonidos "reales", "1999" fue construido 
casi en su totalidad por sintetizadores 
tocados por el propio Prince. Naturalmente, 
el efecto es más mecánico y robótico que en 
sus trabajos previos.

Con 1999 los sueños y fantasías de Prince 
se hicieron realidad. Como adelanto al disco 
salió el single homónimo, que daba una
 brillante idea al suculento bocado que le 
seguiría. Atrevido, fuerte, desvergonzado, 
rocky, y de un funk puro el single "1999" 
tenía todos los ingredientes necesarios 
para convertirse en éxito, y lo fue, un 
tema sin duda adelantado a su tiempo, 
posiblemente la primera canción del siglo 
XXI.

En el disco también aparecen otras grandes 
canciones, como el Little Red Corvette, con 
falsetes espectaculares es una canción 
esencialmente pop, y que para algunos 
críticos como Julían Ruiz es su mejor 
canción. También tenemos el Delirious un 
tema de música alegre; el Automatic, un 
tema largo en duración y de los que más le 
gustaba hacer al Genio en directo. Todas 
estas canciones convirtieron al álbum en la 
primera obra maestra de Prince.

Gira de 1999 La gira de 1999 fue igualmente 
impactante. Se asoció con dos grupos con los 
que había trabajado desde sus modestos 
comienzos y a quienes conocía bien, The 
time y Vanity 6. Este último era un 
exhibicionismo femenino puro, todo 
desplante y provocación. Actuaban con 
miembros de The Time haciendo de apoyo, 
hasta que The Time comenzó a producir una 
serie de efectos fantásticos. Eran el 
acompañamiento ideal para Prince.

"1999" obtuvo un enorme éxito en Estados 
Unidos. El disco y la gira convirtieron ya 
a Prince por aquella época en una figura de 
proporciones legendarias.

R.E.M.
Out Of Time 1991
R.E.M. nació en 1980 en Athens (Georgia, 
Estados Unidos). Su nombre proviene de 
las iniciales de Rapid Eye Movement, 
término con que los expertos denominan a 
un período concreto del sueño. Sus 
integrantes son: Michael Stipe (cantante), 
Peter Buck (guitarra), Mike Mills (bajo, 
teclados) y Bill Berry (batería, percusión).

En Marzo de 1991 da a la luz, su séptimo 
disco "Out of Time" producido por Scott Litt 
y R.E.M. "Out of time" fue el segundo trabajo 
para la casa Warner, y el que les elevó en 
alas de la fama mundial; en Estados Unidos 
ya tenían una fama reconocida, durante 1988, 
la revista Rolling Stone elige a R.E.M. como 
la mejor banda del país.

Se olvidan del sonido comercial de su primer 
disco con Warner, Green, para sorprender con 
un CD que es totalmente instantáneo, como 
hecho por instinto. Añaden a su ya tradicional 
instrumentación otros no tan convencionales 
como mandolinas e instrumentos de viento, y 
aderezan esta gran mezcla con unos estribillos 
pegadizos. El disco se convierte en número uno 
en varios países.

La canción mágica del álbum es "Losing My 
Religion", donde Stipe comunica su confusión. 
"Low" es oscura y ensoñadora y el sarcasmo 
está presente en "Shiny Happy People", un dúo 
con Kate Pierson, cantante de The B-52's, que 
también es un gran éxito en formato de 
sencillo. 

También hay lugar para la experimentación, 
como "Radio Song", junto al rapero KRS-One.

Se vendieron más de 12 millones de discos en 
todo el mundo, la mayor parte de ellos, con 
el impulso del "Losing my religion", de la 
que el propio Stipe dijo en una entrevista: 
Sí, la contradicción (although I've said too 
much - I haven't said enough) me parece muy 
emocionante. Es una gran canción, de esas 
que se te meten en la cabeza, lo que, 
combinado con un gran video, dió como 
resultado una cosa muy diferente de lo que 
había por aquella época.

"Losing My Religion" ganó seis "MTV Video 
Music Awards", y también los grammys al Mejor 
Álbum de Música Alternativa ("Out Of Time"), 
Mejor Vídeo ("Losing My Religion") y Mejor 
Interpretación Pop de un Dúo o Grupo 
("Losing My Religion").

Sin duda un álbum mágico.

Radiohead
OK Computer 1997
"OK Computer" supone el gran cambio para 
los Radiohead. Decidieron dirigir sus 
miradas a la experimentación tanto en lo 
que a música y letras se refiere. Su 
actitud menos épica y más moderada, así 
como que comienzan a ser considerados 
banda de culto, dan nuevos aires a los 
de Oxford. La multitud de influencias de 
la banda se ven reflejadas en el álbum, 
no solo el rock de sus primeros discos, 
realizando impresinantes composiciones, 
con una música más libre, sincera y 
emocionante. La electrónica deja de ser 
un complemento para convertirse en un 
instrumento más. Todo un ejercicio 
creatividad, una nueva sonoridad, para 
nuevas ideas e imágenes.

En OK Computer se mezcla la paranoia 
con la angustia y de ésta al sarcasmo 
más ácido pasando por la depresión. 
Todo un viaje de sensaciones y si no 
¿qué es pasar de la obsesiva y 
atormentada "Climbing Up The Walls" 
a la apacible "No Surprises"?

El grupo más triste y melancólico 
dentro del panorama musical nos 
transporta hacia sutiles atmósferas 
cargadas de emocionantes pasajes 
musicales siempre llevados de la mano 
de la fragilidad artística y creativa 
propia de Radiohead.

El primer single "Paranoid Android" es 
el gran anuncio del disco, una ecléctica 
canción de seis minutos en tres tiempos, 
mezcla de tonadas medievales y los 
distorsionados toques de guitarras de 
De O?Brien y Jon Greenwood. Tiene un 
arranque tranquilo y después acelera, 
al ritmo de una excelente ejecución de 
riffs. El vídeo es una visión metafísica 
en dibujos animados de las vivencias de 
Robin, un personaje cercano a Thom Yorke 
(cantante y líder de la banda).

En el verano de 1997, la banda sorprendió 
al mundo entero con una canción totalmente 
diferente a lo que estaban haciendo: "Karma 
Police", en la que ya hacían uso de máquinas 
secuenciadoras y loops. En un principio 
puedes adentrarte en el álbum con la 
escucha de las ya comentadas "Paranoid 
Android" o "Karma Police", para que 
finalmente acabes atrapado por temas como 
"No Surprises", otro single de este álbum.

Radiohead se convierte así en una de las 
mejores bandas de la década, siendo la reina 
de los festivales europeos como el de 
Glastonbury 97.

En el disco se habla de corrupción, de la 
bestia que se está convirtiendo el ser humano, 
de la desesperanza e intolerancia de algunos
países; en pocas palabras del reflejo de una 
sociedad en el fin de siglo.

Radiohead consigue ser disco de oro en Canada, 
Irlanda, USA y Nueva Zelanda. También ganaron 
un Grammy en la categoría Mejor Música 
Alternativa. Sus 4 millones de copias 
vendidas no dejan lugar a dudas que están en 
lo mas alto.

No fue casual que, en su momento, muchos 
hayan visto en Radiohead elementos comunes 
con Pink Floyd: los dos grupos coinciden en 
hacer una síntesis equilibrada de la 
vanguardia de su tiempo y, de alguna manera, 
desafían los límites.

Red Hot Chili Peppers
Blood Sugar Sex Magik 
1991
Red Hot Chili Peppers con Anthony Kiedis 
como solista, John Frusciante a la 
guitarra, Flea al bajo y Chad Smith a la 
batería crean su cuarto disco, un 
lanzamiento a escala mundial de estos 
cuatro locos angelinos.

Con este disco los Red Hot Chili Peppers 
consiguieron un toque mágico de funk rock 
y alcanzaron el punto más alto de su 
carrera musical. Con unas letras un tanto 
explícitas, destaca por su música rock 
con toques funk como en "Give It Away" y 
"The Power Of Equality", sin olvidar 
baladas melódicas como el impresionante 
"Under the bridge" o "Breaking The Girl".

Red Hot Chili Peppers El disco que 
contiene los mejores momentos de los 
Chili Peppers debe gran parte de su éxito 
a la producción de Rick Rubin, que 
consigue que la ruidosa guitarra de 
Frusciante deje de ser todopoderosa 
(tras la gira de presentación dejó el 
grupo) y así pueda aparecer el resto de 
la banda. Las letras siguen hablando de 
sexo y aparecen las primeras grandes 
baladas, aunque siguen siendo la banda 
más popular en el estilo llamado funk 
metal, resultante de la fusión del funk 
y el rock duro.

Se colaron en el Top 10 de muchas listas 
de éxito y ventas internacionales, 
vendiendo más de dos millones de copias. 

Un éxito debido también a su revolucionario 
sonido, y por otra parte a la evolución 
musical de sus componentes.

Terence Trent D'arby
Introducing The Hardline 
According to 1987
Terence Trent D'arby, neoyorkino al igual 
que otro de las grandes músicos negros de 
los últimos años, Lenny Kraviz, se le 
empezó a conocer como el Príncipe, con 
permiso por supuesto de Mr Prince Roger 
Nelson, que parece que no le sentaba 
demasiado bien. Junto a estos dos artistas 
conforman el trío de ases de finales del 
siglo XX y principios del XXI, respecto a 
ese estilo musical entre el rock, funk, 
R&B, pop y con un toque de sexualidad en 
sus temas.

Terence Trent D'arby Introducing The 
Hardline According to, es la ópera prima 
del artista, y vaya disco; ni siquiera los 
discos de debut de los anteriores (Prince 
y Lenny) se puede decir que estaban a la 
altura. Aunque para Terence el problema 
vendría después debido a la dificultad 
de mejorar un disco como éste.

En 1987 sale a la luz acompañado por una 
gran campaña publicitaria, con la mejor 
promoción y cobertura desde Sgt. Pepper de 
Beatles. El primer single que sale a la 
calle de D'Arby's es "If you let me stay" 
que, ascendió a los Top Ten de las listas, 
al igual que el disco.

El éxito en U.K. y otros países europeos 
no fue respaldado en EE.UU. hasta 1988, 
año en el que una de sus canciones más 
funkys "Wishing Well" alcanza el número 
uno. 

La balada "Sign Your Name" se coloca entre 
los cinco más vendidos.

Llegó a vender más de 12 millones de copias 
del disco en todo el mundo y, gracias a él, 
Terence ganó el Grammy a la mejor 
interpretación vocal masculina R&B en 1988. 
Fue el primer afroamericano que apareció en 
la portada de la revista Rolling Stone desde 
que lo hiciera, ni más ni menos que Jimi 
Hendrix.

Terence Trent D'arby Con el éxito del disco 
como aval Terence salió de gira mano a mano 
con el camaleónico David Bowie, que por 
aquella época lanzaba un disco recopilatorio 
de singles.

Se ponen en voca de Terence cosas como que 
este disco era mejor que cualquiera de los 
Beatles, o como que sentía que Prince hubiera 
nacido en el mismo siglo que él. Seguramente 
fuera más una cuestión de marketing que otra 
cosa, en mi opinión es un súper disco, sin 
duda uno de los mejores hechos jamás.

The Beatles
Abbey Road 1969
El 26 de septiembre de 1969, 
se lanzó uno de los álbumes de 
rock más aclamados de la 
historia: The Beatles ' 
Abbey Road.

La grandeza del álbum fue 
inmediatamente reconocida.

Y, a pesar de la mayoría de las 
canciones que tienen el crédito 
familiar de Lennon / McCartney, 
el álbum también fue el momento d
e brillar de George Harrison. 

La histórica portada
Cada 8 de agosto una multitud 
cruza el paso de cebra que 
atraviesa la calle londinense 
de Abbey Road hasta la esquina 
de Grove End Road. Hace ya casi 
35 años que John Lennon, 
Paul McCartney, George Harrison 
y Ringo Starr, la cruzaron en una 
sesión de fotos. 
La portada del Abbey Road puede 
ser la más famosa de cuantas 
acompañen a cualquier disco, 
una imagen para la historia.

The Rolling Stones
Beggar's Banquet 1968
Los Rolling Stones, junto a los Beatles 
y U2, los grupos más alabados de la 
música de nuestro tiempo. Aprovechando 
que su gira, 40 años después de su 
nacimiento, pasa por España, vamos a 
dedicar un capítulo más de los mejores 
discos que se han hecho a los Stones, y 
a Beggar's Banquet en particular. Para 
los críticos y seguidores de los Stones 
este es su mejor disco junto al Let it 
bleed.

The Rolling Stones El disco es adelantado 
por un single estrella: Jumping Jack Flash, 
múltiples pistas de guitarras (acústicas y 
eléctricas, con distintas afinaciones) y 
que no formó parte del álbum.

Beggar's Banquet apareció durante el otoño 
de 1968, tras ser retrasado por su singular 
carátula, censurada por su propia compañía. 

Al mismo tiempo que empezaba una nueva 
época para el grupo, también se cerraba 
un capítulo. Brian Jones tuvo una 
presencia en el disco testimonial, en la 
"Slide Guitar" de "No Expectations" y 
algún que otro adorno ocasional. Se 
mantuvo a un lado debido a su adicción a 
las drogas y al resentimiento por la 
posición dominante que adoptaban Jagger 
y Richards. Dejaría la banda el 9 de 
junio de 1969, por diferencias artísticas. 

El 3 de julio del mismo año fue 
encontrado muerto en su piscina.

The Rolling Stones Beggar's Banquet está 
formado por temas provocativos que 
hablaban de luchas, de sensualidad y 
recuerdan a la música negra. Temas como 
"Street Fighting Man", "Jig Saw Puzzle" o 
el más que excitante "Stray Cat Blues". 
El tema estrella del disco es el "Simpathy 
For the Devil", donde dejan paso a la 
psicodelia, que versionaran los Guns 
'N Roses a mediados de los noventa.

Sus satánicas majestades estaban en su 
momento musical más alto.

The Clash
London Calling 1979
The Clash, grupo inglés (1976-1985) 
formado por el recientemente 
desaparecido Joe Strummer (voz, 
guitarra eléctrica), Mick Jones 
(guitarra eléctrica, voz), Paul 
Simenon (bajo) y Nicky "Topper" Headon 
(batería).

The Clash London Calling contó con la 
ayuda del productor Guy Stevens, quien 
les hizo llegar al éxito mundial. El 
disco brilla con un montón de estilos, 
entre el punk, el rock, el pop, el 
reggae, el rockabilly, el blues, el ska 
e incluso algunas toques de jazz, con 
el trasfondo social que caracterizaba a 
los londinenses. The Clash pasa del 
sonido punk o un sonido más rock que 
influiría posteriormente en muchas 
bandas británicas.

El disco arranca con la canción que 
da título al álbum con las típicas 
guitarras machacantes tan 
características de sus primeros 
tiempos, para pasar a Brand New 
Cadillac un tema que se acerca al 
rockabilly-blues. Continúa con una 
canción bebop como Jimmy Jazz. Sigue 
Hateful, con un gran coro y un 
acordeón acompañando. Gracias a la 
influencia del bajista Paul Simonon, 
los Clash siempre tuvieron 
predilección por los ritmos 
jamaiquinos, y el primero del disco 
es Rudy can't fail. Spanish Bombs es 
un homenaje a las milicias republicanas 
de la guerra civil española, y al 
poeta español Federico García Lorca 
muerto durante esa guerra. Es una 
canción más pop, aunque no tanto como 
Lost in the supermarket cantada por 
Mick Jones. En el medio de las dos 
tenemos The right profile donde 
predomina la sección de vientos. 
Clamptdown es un clásico con esas 
guitarras estilo Clash y que en directo 
sonaba de lujo. El segundo reggae, esta 
vez compuesto y cantado por Paul Simonon 
es The guns of Brixton, con la famosa 
frase: "Cuando pateen a tu puerta, como 
vas a salir?, con las manos en la 
cabeza o con el dedo en el gatillo?...". 
En Wrong 'em Boyo aparece el ska, 
mientras que Death or glory es un tema 
pop-rock. Koka Kola es otro rock, que 
ironiza sobre los yuppies y la cocaína. 

En The card cheat cantada por Mick Jones, 
introducen pianos. Al final del disco 
aparece la revolución del rock, Revolution 
Rock, en donde vuelven los ritmos 
jamaiquinos y cierran con el ritmo 
bailable de Train in vain.

The Clash Muchas de las canciones de este 
disco han sido versionadas por otras bandas, 
o han aparecido en películas o series de 
televisión. Ejemplos son las versiones de 
Kortatu (Jimmy Jazz), Tijuana (Spanish 
bombs), Los Fabulosos Cadillacs (The guns 
of Brixton, Revolution rock).

La portada del disco es espectacular; en 
ella aparece el bajista Paul Simonon, 
destrozando su guitarra en el escenario. 

La imagen, tomada por Pennie Smith durante 
un concierto en el Palladium de Nueva York 
fue elegida como la mejor imagen del rock 
and roll de todos los tiempos por un sondeo 
realizado por la revista británica Q en la 
que participaron algunos de los mejores 
cronistas y fotógrafos del mundo. Trozos de 
la guitarra destrozada se encuentran ahora 
en exposición en el Museo del Salón de la 
Fama del Rock and Roll, en Cleveland, Ohio.

The Clash Un LP doble que ahora se puede 
encontrar en un solo CD a un precio 
superasequible (ya de salida los Clash 
pidieron que aunque el disco fuera doble 
se vendiera a precio de disco sencillo). 
Aunque algunos pro-punks criticaron el 
disco por lo ecléctico y alejarse algo del 
punk, no hay más que rendirse a su calidad, 
y así fue incluso en el mercado 
estadounidense donde por fin consiguieron 
triunfar.

El nombre del disco, le puso también nombre 
a un programa de la BBC que en su momento 
presentara el líder de la banda Joe Strummer, 
quien murió recientemente, el 22 de 
diciembre de 2002, en Somerset.

The Smashing Pumpkins
Mellon Collie and the 
Infinite Sadness 1995
Con "Mellon Collie and the Infinite Sadness", 
The Smashing Pumpkins se entrega totalmente 
para crear uno de los álbumes más ambiciosos 
de la historia, con una duración cercana a 
las dos horas y con 28 canciones, y un 
precio de disco sencillo.

The Smashing Pumpkins Grabado entre Marzo y 
Agosto de 1995, salió a la venta en 
Noviembre del mismo año. El hecho de que 
fuera doble sorprendió a la mayoría de la 
gente. En este disco comienza la incursión 
de nuevos instrumentos y prueba de sonidos 
que dirige el rumbo del grupo hacia un 
ámbito mas innovador. Cada uno de los 
discos lleva su propio nombre: Dawn to 
dusk y Twilight to starlight.

El alcance artístico del álbum es 
grandioso. Las composiciones de Corgan 
no tienen limitaciones, introducen 
sonidos metal en sus canciones, 
colocando una serie de estilos 
musicales como el rock, el pop, el folk, 
y la música clásica.

El primer disco (Dawn to dusk) se abre 
con la instrumental Mellon Collie And 
The Infinite Sadness seguida sin parar 
por Tonight, Tonight. Un principio 
impresionante que da cuenta de por donde 
irán los tiros a lo largo de estas 28 
composiciones de Corgan. Como curiosdidad, 
el tema con el que se abre el álbum, es 
un juego de pronunciación, ya que suena 
igual que "Melancholy and the Infinite 
Sadness", es decir, "Melancolía y la 
Infinita Tristeza.

El segundo disco (Twilight to starlight) 
tiene un ambiente más oscuro, y también 
juega a mezclar sentimientos y sonoridades. 
Enternecedor final con Farewell And 
Goodnight con los Pumpkins al completo y 
por turnos cantando una canción de cuna.

The Smashing Pumpkins De los 28 temas que 
incluye, salieron a la calle 6 singles 
que fueron: "Tonight, tonight", "Zero", 
"Thirty three", "Bullet with butterfly 
wings", "1979" y en el último momento 
"Muzzle", en Estados Unidos. 

Billy Corgan, líder de la banda: "Estoy 
orgulloso de las 28 canciones del doble. 
Todas ellas son mis bebés y, por tanto, 
no tengo ninguna favorita".

Corgan describe Mellon Collie como una 
antología de una trayectoria profesional 
de más de cinco años. Al iniciar el 
proyecto, el cantante pidió a sus 
compañeros que se lo tomaran como si se 
tratara del último disco que grabaría 
Smashing Pumpkins. "Fue una aproximación 
acertada porque suscitó entre nosotros la 
armonía necesaria para progresar 
musicalmente. No planteé esta estrategia 
porque nos lleváramos mal personalmente, 
sino porque deseaba avanzar en el plano 
profesional. Con Mellon Collie hemos 
completado un ciclo creativo".

El sencillo Bullet with butterfly wings 
se había gestado hacía dos años, cuando 
al cantante se le ocurrió la frase que 
abre el estribillo: "A pesar de mi rabia, 
tan sólo soy una rata en la jaula". "Ya 
no se puede afirmar que el rock and roll 
es un medio para expresar rebeldía. 
Existen tantos grupos que sólo tocan lo 
que la gente quiere escuchar y que ceden 
ante la industria que es imposible 
definirlos como acto de protesta", 
critica.

Durante el verano de 1996, en la gira 
de promoción de su disco doble, ocurre 
un hecho trascendental en la historia 
del grupo: Jimmy Chamberlin es 
encontrado en la habitación de un 
hotel junto a Johnatan Melvoin, 
teclista durante la gira, ambos con una 
sobredosis. La única diferencia es que 
Johnatan estaba muerto... El problema de 
Jimmy con las drogas venía de lejos, y 
aquello fue la gota que colmó el vaso. 
El batería fue expulsado a los pocos 
días del suceso.

The Velvet Underground
White Light/White Heat 
1968
Durante el mes de Marzo de 2002, la revista 
norteamericana Rolling Stone publicó un 
artículo en el que reconocía como disco más 
singular de siempre el "White Light/White 
Heat", de "The Velvet Underground". Los 
críticos de Rolling Stone destacaron como 
punto culminante del disco la apertura de 
"Sister Ray", 17 minutos de guitarras 
gritando hasta llegar al éxtasis.

The Velvet Underground Grabado en 
Septiembre de 1967 en los estudios Mayfair 
de Nueva York, y producido por Tom Wilson, 
en el disco se tratan temas como decadencia 
juvenil, marginalidad, sexo, homosexualidad, 
y drogadicción que impactan por la crudeza 
de su planteamiento en una época en la que 
los grupos no acostumbraban a hablar de la 
realidad en forma tan explícita. Esa forma 
de ver al rock fue lo que con el tiempo 
influiría a movimientos como el punk y el 
new wave, y convertiría a los Velvet en 
una banda de culto, innovadora, 
vanguardista, y visionaria. 

Contraportada del álbum En éste disco, 
Reed sigue con su particular universo, 
aunque cede protagonismo al genial John 
Cale, que impone su sello en "The Gift" 
y "Lady Godiva's Operation" Letra del '
Lady Godiva's Operation' en las que se 
palpa un clímax angustioso y oscuro. 
En "The Gift", la voz de John Cale 
salía por el canal izquierdo contando 
una historia de Reed, mientras el 
sonido psicodélico y funky de la banda 
lo hacía por la derecha. Dependiendo 
como ajustes tu equipo entonces 
tendrás una de las tres versiones 
posibles del tema.

En el tema que da título al LP "White 
Light/White Heat" Letra del 'White 
Light/White Heat', Reed compone un 
clásico surf-rock y lo transforma por 
completo en una repetición de acordes 
en los que todos los instrumentos 
parecen uno solo, llegando a un caos 
sonoro hipnótico que crece hasta el 
silencio final. En "I Heard Her Call 
My Name" la demencia llega hasta 
extremos peligrosos para el sistema 
neurológico. 

La banda El tema que marca la diferencia 
en este álbum es "Sister Ray" Letra del 
'Sister Ray'. La canción va evolucionando 
de una manera totalmente improvisada a 
medida que cada instrumentista cambia de 
estado de ánimo. Un auténtico duelo de 
titanes con un frenético caos sonoro como 
trasfondo. Cada músico expresa la música 
y su relación con el instrumento como lo 
siente en ese momento, dejando a un lado 
el tono y la melodía. Cuando el tema 
parece que va acabar, vuelve a dar un 
giro de tuerca en el que los cuatro 
instrumentistas vuelven a tocar con una 
perfecta y asombrosa conjunción dentro 
de la demencia general.

U2
Achtung Baby 1991
1991, y una de las grandes bandas de 
los 80 vuelve tras un parón de unos 
años, con un nuevo disco, una nueva 
idea, renovándose. U2 nos presenta el 
gran Achtung Baby.

U2 Después de esperar casi cuatro años 
por el nuevo disco de U2, "The Fly" 
apareció como primer single de Achtung 
Baby. Sin duda era un giro a lo que 
habían hecho antes, en principio difícil 
de asimilar acostumbrados a canciones 
como Pride, With or without you, Sunday 
bloody Sunday, pero con el tiempo se ha 
convertido en uno de los grandes discos 
de la historia. Un álbum con muchos 
singles y muchas grandes canciones.

La producción corre a cargo de 
Daniel Lanois y del polifacético 
Brian Eno, considerado por muchos 
como el quinto miembro del grupo, y 
que posteriormente colaboró con Bono 
y The Edge en el proyecto The 
Passengers (Miss Sarajevo).

U2 La evolución se confirma con la 
primera escucha. Achtung Baby 
comienza con "Zoo Station", quizá 
el tema más electrónico del disco. 
Continúa con otro de los singles 
"Even Better than the real Thing" 
(cuarto single), donde hacen un 
guiño al pasado, y en ese momento 
aparece "One" (tercer single). One 
es uno de esos temas que gustan 
incluso a los no seguidores de un 
músico o grupo, como el "Purple rain" 
de Prince. Una canción que por muchos 
años que pasen estará muy presente..., 
está considerada como una de las 
grandes baladas del Rock. REM, la otra 
gran banda de los 80 y 90, la versionó 
en alguna actuación en directo.

El disco vuelve a un sonido más 
electrónico con "Until The End Of The 
World" que sirvió de tema central a la 
pelicula de Wim Wenders "Hasta el fin 
del mundo". Continúa con "Who's Gonna 
Ride Your Wild Horses", quien diría que 
un tema tan increible como este pueda 
ser un quinto single de un disco; una 
canción que podría ser el primer single
de cualquier gran álbum y a la que no 
se ha dado la relevancia acorde a su 
calidad. "Mysterious Ways" fue el 
segundo single, y quizá a medio camino 
entre su anterior y su nuevo sonido.

El álbum acaba con grandes canciones, 
que aunque no fueran singles siemrpe 
estarán presentes en los fans: 
Ultraviolet, Acrobat y la romántica y 
sugerente Love is blindness.

U2 El sonido de la guitarra es una de 
las claves del disco. The Edge utilizaba 
una gama de matices mucho mayor y 
posibles influencias de The Pixies o los 
Happy Mondays. Quizá sea un disco más The 
Edge, aunque también la participación de 
la sección rítmica Clayton-Mullen creció.

La gira paralela a la promoción (aunque 
casi que no la necesitaba) fue 
impresionante; el Zoo TV. Bono aparecía 
en el escenario con las gafas de "La 
mosca" (The fly). U2 habían llegado a 
su mejor momento; al punto más alto de 
su carrera después del The Joshua Tree, 
Rattle & Hum y con la evolución del 
Achtung Baby. Una trilogía, sin duda, 
fantástica.

La portada del disco contiene fotos en 
distintos sitios del planeta y evocan 
una idea global del mundo.

Ufo
Lights Out 1977
UFO desde luego, no eran unos punk 
rockers furibundos. Tampoco eran, 
en términos de popularidad, una 
superbanda de las que llenaran 
estadios. Aunque eso sí, su estilo 
de vida, totalmente decadente y 
frenético, los emparentaba 
directamente con personajes como 
John Bonham o Keith Moon, que vivían 
las 24 horas en sus papeles de 
estrellas. Y para UFO, 1977 fue 
simple y llanamente el año que 
siguió a 1976 y que precedió a 1978. 

Es posible incluso que ni siquiera 
llegaran a ser conscientes del 
movimiento punk o de las llamadas a 
la anarquía de Rotten y compañía. 
Por aquel entonces Phil Mogg, Shenker, 
Pete Way y Andy Parker vivían en una 
espiral de alcohol, drogas, luchas 
internas (llegando a los puños entre 
ellos en ocasiones) y haciendo gala de 
un estilo de vida totalmente salvaje y 
kamikaze. 

El año anterior habían publicado No 
Heavy Petting ( Especial 40 aniversario: 
UFO – No Heavy Petting (1976) ) Para 
dicha obra, habían reclutado al teclista 
Danny Peyronel, que había hecho un gran 
trabajo en el estudio, pero que no pudo 
aguantar la rutina en la carretera al 
lado de aquellos personajes para los 
cuales cada día era casi una batalla.


Entre febrero y marzo se desarrollaron 
las sesiones de grabación y cuando el 
disco fue publicado prensa y fans se 
rindieron a la evidencia. En medio de 
una pujante oleada punk, ante la cual 
bandas como UFO representaban al enemigo 
a batir, el grupo parió uno de sus 
mejores discos.

The Rolling Stones
Let It Bleed 1969
En diciembre de 1969 apareció Let It 
Bleed, el único disco en el que 
participan Brian Jones y el 
ex-Bluesbreakers Mick Taylor. A pesar 
de la crisis interna, los Stones 
mantenían un altísimo nivel creativo. 
Beggars Banquet (junto al Let it bleed 
los mejores discos de los Rolling) 
había sido excelente, pero Let It Bleed 
estaba a la misma altura, con clásicos 
como Gimmie Shelter, Midnight Rambler 
y You canŽt Always Get What You Want.

Los Rolling todavía con Brian Jones 
Son tiempos de nuevos escándalos y 
drogas, que abonan todavía más el mito 
de los Rolling como chicos muy "malos". 
En 1969, Brian Jones (que estaba en el 
conjunto desde 1962) es encontrado 
muerto en su casa, víctima de una s
obredosis; los Rolling, sin embargo, 
publican, después del hecho, Let it 
Bleed (Déjale sangrar), descarada burla
del Let it Be (Déjale estar), de los 
Beatles; en un momento en que los 
"chicos de Liverpool" deshojaban la 
margarita de su separación como conjunto, 
este extraordinario álbum catapulta a los 
Stones a lo más alto del rock mundial.

Este disco es uno de los mas elaborados 
de los Stones, teniendo una muy buena 
producción. El disco suena muy americano, 
mezclando country, blues, soul y música 
en algunos casos progresiva. La 
influencia de Parson, amigo íntimo de 
Keith Richards está muy presente en el 
sonido de este disco. La tarea de 
producción corre, al igual que 
ocurriera en Beggars Banquet a cargo 
de Jimmy Miller quien dota de una 
mayor crudeza al sonido de los Stones.

Un disco en el que Jagger y compañía 
consiguen una mezcla totalmente 
equilibrada de entrega, pasión e 
inteligencia, y en el que cuentan con 
colaboraciones de lujo como las de Al 
Kooper, Ry Cooder o el eterno Nicky 
Hopkins.

La presencia de Brian Jones se diluye, 
estaba muy próximo su final y por el 
contrario la guitarra de Richard suena 
fenomenal, toca como nunca. El disco 
se abre con Gimme Shelter donde 
aparece como segunda voz la de una 
cantante soul de color, Mary Clayton. 

Hay una versión blues del clásico de 
Roberto Johnson, Love In Vain, 
juguetean con el country en Country 
Honk y en Let It Bleed. La segunda 
cara contiene tres grandes canciones 
como son: Midnight Rambler, un 
blues-rock acelerado, con excelentes 
sonidos de guitarras; You Got The 
Silver, que es un country blues de 
Keith, cantado por él, introduciendo 
un sonido de guitarra slide y 
finalmente otro clásico del grupo 
You CanŽt Always Get What You Want.

En Amsterdam en la gira europea 
posterior al lanzamiento del álbum 
Por esta época emprendieron una gira 
por los Estados Unidos que concluyó 
de la peor manera posible: habían 
planeado una fiesta, un gran recital 
gratuito; el personal de seguridad 
contratado fueron los Hells Angels, 
temibles bandas de motociclistas que 
ya habían desempeñado esa función sin 
problemas en Hyde Park. 

El 6 de diciembre de 1969 fue una de 
las jornadas más negras de la banda. 
Durante un show celebrado en Altamont, 
California, un joven negro llamado 
Meredith Hunter fue asesinado a 
puñaladas por los Hells Angels cuando 
se aproximaba al escenario con un 
revólver. Una gran gresca entre fans y 
los Hells Angels terminó con más de 100 
heridos y hubo, además, más de 700 
internados por ingestión de ácido 
lisérgico en mal estado.

La curiosa y criticada portada está 
diseñada por Robert Brownjohn.

De este álbum, en las últimas giras 
interpretan Live With Me, Monkey Man y 
Gimme Shelter. Como Honky Tonk Women ya 
era un superéxito en singles, en Let It 
Bleed se incluyó una versión alternativa, 
a la que se llamó Country Honk. 
Precisamente, Taylor tocaba en Country 
Honk y en Live with Me.

Prince
Purple Rain 1984
El álbum 'Purple Rain' vino acompañado 
de una película del mismo nombre, se 
puede decir que el álbum fue la banda 
sonora de la película.

En la película Prince encarnaba el 
papel de 'The Kid'. El guión de la 
película fue compuesto por el escritor 
William Blinn. Las intenciones de Blinn 
eran de permitir que Prince gozase de 
libertad artística, lo cual llevó a que 
se creasen problemas. 'Purple Rain' fue 
anunciada como una gran película del 
rock&roll por varios. Pero para ser 
honesto, no lo era. Se trataba de un 
buen melodrama, con algunos instantes 
de humor y unas escasas tomas que 
mostraban a Prince haciendo un papel de 
actor decente. Prince intentó darle un 
carácter autobiográfico, una 
retrospectiva emocionante de su vida 
anterior. Fue un éxito de taquilla, 
lo que le rentó mucho.

El álbum fue presentado el 25 de 
Junio de 1984 con sus fans temblando 
de ansiedad por el maravilloso debut 
de la pantalla de su ídolo. Purple 
Rain vendió un millón trescientas mil 
copias el primer día, para acabar 
superando los ocho millones tras el 
estreno de la película.

El álbum se encaminó con paso seguro 
a lo más alto de las listas y ocupó 
el número 1 en las listas de 
popularidad en sus primeras doce 
semanas.

Vídeo del Purple Rain Antes de la 
edición del álbum y de la película, 
vino el increíblemente exitoso single 
'When doves cry' que se encaramó 
hacia el número 1 en USA durante 5 
semanas. Fue el primer tema que se 
mantuvo como número 1 en USA durante 
4 semanas consecutivas.

Un álbum con nueve canciones 
increíbles. La primera canción del 
disco es 'LetŽs go crazy', una 
explosión rock, que fue el segundo 
single del disco, que como el primero 
alcanzó el número 1 en todas las 
listas. Pero eso no fue todo, con este 
tema consiguió que volvieran a entrar 
en Superventas discos anteriores: 
Controversy, Dirty Mind y 1999 
(otra de sus obras maestras).

Después viene el 'Take me with you', 
una gran canción pop, que tocaba 
siempre en sus conciertos. En el año 
1990 en el Estadio Vicente Calderón, 
del equipo de fútbol Atlético de 
Madrid, hizo una versión increíble de 
este tema junto a Rosie Gaines.

La tercera canción del disco es 'The 
beautiful ones', una canción de 
desencuentros amorosos, en la que 
brilla con luz propia los distintos 
tonos de voz que puede interpretar; 
con un final sorprendente!!!

El siguiente tema 'Computer Blue', no 
es que sea la más floja del álbum, 
porque es una gran canción, pero quizá 
sea la menos conocida. Acaba enlazando 
con Darling Nikki, una canción 
sexualmente explícita, que de forma 
contradictoria contiene un mensaje 
ubliminal, si giras el disco al revés 
dice: "Hola cómo estás, yo estoy bien 
porque se que el Señor está a punto de 
llegar".

'When doves cry' fue el adelanto al 
disco. Batió récords en su salida. De 
una sensibilidad sorprendente, este 
single fue la elección de un álbum de 
nueve canciones increíbles.

A continuación viene uno de los grandes 
éxitos del álbum 'I would die for you' 
(moriría por ti), que da paso sin pausa 
al porno acústico en 'Baby I'm a Star'.

Como última canción aparece, ¡cómo no!, 
la canción más famosa del genio de 
Minneapolis, y que da nombre al álbum y 
película 'Purple Rain'; tema que ha 
causado la admiración de incluso sus 
detractores.

Sin ninguna duda, Purple Rain fue el 
gran éxito de Prince, su gran coronación 
como artista. Llegó a ser número 1 
simultáneamente en cuatro listas 
distintas: listas de ventas LP's, lista 
de ventas singles, listas de ventas pop 
y listas de ventas soul.

Tour Purple Rain En definitiva, un álbum 
con sonidos de todo tipo, desde los más 
duros y agresivos ('Let's go crazy'), 
hasta las baladas más soberbias y 
románticas ('The beautiful ones'), 
pasando por la psicodelia, los punteos 
al más puro estilo rock ('When doves 
cry') y el pop más melódico ('Take me 
with you').

Por fin profeta en su tierra consiguió 
un montón de premios por este disco, 
entre los que destacan: el Oscar de 
Hollywood a la mejor banda sonora en 
1985, y tres premios Grammy que fue a 
recoger con, ¡cómo no! su capucha 
púrpura.

Un esfuerzo tan grande se ha visto 
recompensado con el tiempo convirtiendo 
este álbum en un histórico dentro de la 
música moderna y de la música en general. 
Muchos críticos lo han tachado como el 
álbum más emocionante que se haya 
escrito jamás. Y sinceramente... no es 
para menos.

Purple Rain fue la noticia en boca de 
todo el mundo, al igual que la 
subsiguiente gira, tras la que había 
recaudado alrededor de 22 millones de 
dólares!!!.

U2
The Joshua Tree 1987
'The Joshua Tree' es el quinto álbum 
de la carrera musical de la banda 
irlandesa. U2 y sus productores Brian 
Eno y Daniel Lanois se plantearon 
grabar este álbum como un experimento, 
usándolo como oportunidad para explorar 
sus ideas políticas, musicales y 
personales. 

El disco representó una afirmación vital 
de rechazo a la música popular sintética 
de los años que lo precedieron. Los 
antepasados legítimos del rock, los 
blues, la música evangélica popular, 
entre otros, fueron las fuentes del 
álbum, que desde el punto de vista 
lírico y acústico se creó para la 
década de l980 y se convirtió en un 
icono de la década. 

En un rincón de cada canción se puede 
oír el dinero caer. Millones y 
millones para un disco de ambiciones 
monstruosas y resultados imposibles. 
La primera cara es una sucesión de 
singles que ha aguantado bastante bien 
el paso del tiempo. La cara B es la 
que, al no estar tan desgastada por el 
uso, produce todavía, justo quince años 
después, mayor placer. "Exit", "One 
tree hill" o "Trip through your wires" 
son como el mejor vino, ganan con el 
tiempo y, a diferencia de la mayoría 
de discos de finales de los ochenta, 
no han perdido un ápice de su encanto.

U2 Cantan acerca de sus sentimientos 
contradictorios sobre Norteamérica, en 
temas como "Bullet The Blue Sky" y 
"In God's Country", en los cuales 
muestran imágenes bíblicas 
entremezcladas con su ideas acerca de 
la fe, la injusticia social, el 
terrorismo y la adicción a las drogas.

"Where the Streets Have no Name", se 
sitúa en la crisis de hambruna en 
Etiopía. Bono y su esposa Ali viajaron 
allí como voluntarios durante 6 semanas. 
Las tiendas de campaña que se levantaron 
para la gente únicamente estaban 
alineadas en filas, y así es donde esa 
gente vivía, por consiguiente eran 
calles sin nombre.

"One three hill" está dedicada a Greg 
Carroll, que fue compañero de Bono y 
nació en One Tree Hill, Nueva Zelanda 
y murió unos meses antes del lanzamiento 
del disco. En esta canción también hablan 
de Víctor Jara ("...Jara sang, his song 
a weapon, in the hands of love, You know 
his blood still cries from the ground... "), 
el famoso músico y cantante chileno de 
principios de los 70 cuyas canciones 
estaban llenas de crítica social e 
incitaba a la rebelión. Jara fue muy 
respetado entre los líderes 
intelectuales durante el gobierno 
socialista de Salvador Allende, pero no 
lo fue mucho cuando Augusto Pinochet 
tomó el poder con un golpe de estado. 
Se supo que Jara fue torturado, 
cortándole las manos y tirándole la 
guitarra a manera de burla para que la 
tocara. Jara, sangrando pero sin dudarlo 
un momento, tomó la guitarra como pudo, 
la volteó y empezó a tocarla como 
tambor con los muñones y a cantar. 
Después de eso lo mataron.

U2 "Red Hill Mining Town" iba a ser 
lanzada como sencillo. El vídeo fue 
filmado en Bodie, California (un pueblo 
fantasma) y dirigido por Neil Jordan. 
Pero mientras "With Or Without You" era 
obligatoria para los próximos conciertos 
de "The Joshua tree", durante los ensayos
el grupo descubrió que la canción estaba 
en un tono muy alto para que Bono la 
cantara todas las noches y podría 
ocasionar problemas con la garganta, así 
que no la incluyeron para la gira.

U2 en conciertoPremios y estadísticas
"The Joshua Tree", ganó la distinción de 
ser el álbum más rápidamente vendido en 
el Reino Unido, logrando su disco de 
platino a sólo 48 horas de haber salido 
a la venta. El sorprendente éxito del 
disco propulsado por éxitos como "With 
Or Without You", "I Still Haven't Found 
What I'm Looking For" y "Where The 
Streets Have No Name", excedería por 
lejos hasta las propias expectativas de 
la banda, llegando a ser número 1 en 
veintidós países, con ventas mundiales
 que llegaron a los quince millones de 
copias. Para 1987, premiado con Grammys 
por Álbum del Año y Mejor Grupo de Rock, 
ya era simplemente la banda de rock más 
grande del mundo.

"The Joshua Tree" fue el primer álbum 
irlandés que llegó a ocupar el primer 
lugar de la popularidad en Estados 
Unidos. Su éxito trasladó el centro 
musical del mundo desde Londres a Dublín, 
y a la vez provocó un cambio fundamental 
en el ambiente creativo de Irlanda.

Este grupo, considerado ampliamente por
los expertos como un derivado de los 
Beatles, se colocó por encima de la 
legendaria banda de Liverpool. Revolver, 
de los Beatles, obtuvo la octava plaza, 
a pesar de que parte de la crítica 
internacional piense que es el mejor 
disco que se ha hecho nunca. Y su disco 
más famoso, "Sgt. Pepper" ocupó la 
posición número nueve.

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