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Llibertat presos polítics.

Al Stewart 
Year Of The Cat 1976
Con Alan Parson como ingeniero 
de sonido, Al Stewart se embarca 
en este trabajo que sería lanzado 
en 1976. Nueve temas con el 
sonido típico de este músico 
escocés que fue promocionado con 
los singles “Year of the cat” y 
“On the border”. El tema central 
“Year of the cat” fue compuesto 
junto con el músico inglés Peter 
Wood. Quien también participa con 
los teclados en el disco. En 2004 
saldría una edición especial 
remasterizada con tres temas de 
regalo; “On the Border”, grabado 
en vivo, “Belsize 
Blues” y “Story of the Songs”. 
Stewart se acompaña por un 
conjunto de músicos de entre 
los que podríamos nombrar a 
Peter White, Tim Renwick, Bobby 
Bruce, Marion Driscoll, George 
Ford, Phil Kenzie o Graham Smith 
entre otros tantos. El álbum entro 
en listas americanas en el 76 
colocándose rápidamente en los 
primeros puestos, concretamente en 
el quinto lugar de la lista.Al 
Stewart estaba entonces considerado 
como un músico de ambientes Folk y 
Rock. Con este disco sin embargo no 
refleja ningún estilo o genero en 
concreto, Al consigue crear un 
contenido único y diferente, difícil 
de catalogar dentro de cualquier 
gremio musical. “Year of the cat” 
suena a algo irrepetible. La letra 
del tema principal habla de una mujer 
que enamora a un turista al que hace 
perder su viaje de regreso debido a 
una noche apasionada. Stewart puso en 
su carrera el listón bastante alto con 
este trabajo del 76 pero ha seguido 
trabajando y creando. En 2008 edito y 
lanzo su álbum “Sparks of Ancient 
Light”, el número 16 en su vida 
artística. Un año después, en 2009 
sacaría su tercer disco con grabaciones 
en directos. Esta vez con el músico 
Dave Nachmanoff. El álbum fue titulado 
“Uncorked”.RS/2015

Eagles
Hotel California 1976
A finales de 1976 ‘Hotel California’ 
irrumpió en el saturado mercado 
norteamericano causando un gran impacto, 
gracias al talento de los maravillosos 
músicos que componían aquella banda 
llamada Eagles, fundada cinco años atrás.
Este álbum era el quinto larga duración 
del combo y su reputación, por aquel 
entonces, ya era bastante notable. 
Gracias a éste disco las águilas 
alcanzaron sus cotas más altas de 
popularidad llegando a vender más de 
dieciséis millones de copias en los USA 
y treinta y dos millones a nivel mundial.
Es el disco más famoso del grupo y a la 
postre, por el que serán recordados. Puro 
y elegante Rock que recurre a pegadizas 
melodías y una ejecución limpia y magistral. 
Su precursor, Don Henley, lo define como una 
visión agridulce de la sociedad 
estadounidense y su principal himno -el 
corte que da título al plástico- nos habla 
acerca del lado oscuro del sueño americano 
y sus excesos, detalle que contrasta sobre 
su leyenda de corte satánico.
Fue producido por Bill Szymczyk (B.B. King , 
Joe Walsh, The James Gang, Santana, The Who,…) 
y contiene piezas tan reconocidas como 
‘New Kid in Town, ‘Hotel California’, 
‘The Last Resort’ y ‘Victim of Love’.
Un clásico de la música contemporánea que 
retrata muy bien la época en la que fue 
concebido y que invita al uso y disfrute de 
nueve grandes canciones, cuyo ejemplo se ve 
ahora reflejado en su legado impreso en un 
buen número de bandas que mezclan el Blues y 
el Rock de manera más que acertada.

Lenny Kravitz
Mama Said 1991
Lenny Kravitz es seguramente el último gran 
genio musical del siglo XX. Su carrera había 
comenzado unos años antes con un buen disco 
debut Let love rule, pero en Mama said (1991) 
empezamos a ver al mejor Kravitz. El disco 
suena con claras influencias de los más 
grandes, la fantástica guitarra a lo Jimi 
Hendrix que deja pantente ya en el primer 
tema Fields of Joy, el talento compositivo de 
John Lennon, y la puesta en escena y talento 
musical de Prince. Muy cuidado en la 
producción Mama Said es música del momento 
con sonido del rock clásico característico de 
sus primeros discos.
Lenny Kravitz El disco comienza despacio Fields
of Joy que nos va metiendo en el mundo de Lenny
y poco a poco va soltando esas guitarras. Con 
riffs de guitarra sensacionales aparece Always 
on the run, un tema cuya música Kravitz compone 
junto a uno de los fenómenos de la guitarra 
Slash, y que ambos ponen en escena de forma 
espectacular.
El tercer tema del disco es Stand by my woman,
empieza a verse seguramente el poso de John 
Lennon en una balada fantástica ".... 'Cause 
baby I am so in love with you", con una gran 
melodía y un saxo y arreglos de cuerda de 
mucha calidad.
El comienzo es frenético y se concentran los 
mejores temas del disco. Uno de los grandes 
temas en la carrera de Lenny Kravitz es It 
Ain't Over 'Til It's Over, un tema con fondo y 
uno de los mejores arreglos de cuerda que he 
escuchado en un tema de pop-rock moderno; con 
un aire más pop de lo habitual en Lenny.
El disco continúa con otras buenas canciones, 
en las que podemos ver influencias como la 
comentada de Hendrix en The difference is why, 
Stop draggin' around, When the morning turns 
to night...
Lenny KravitzFlowers for Zoë es una dedicatoria
a su hija, fruto de la relación que tuvo con 
Lisa Bonet.
All I ever wanted en el que en la parte musical 
tiene la colaboración de Sean Ono Lennon 
(que también toca el piano). Es uno de los temas 
más completos del disco, sin tener gran carga 
musical es un tema desgarrador sobre todo en su 
final, al estilo del I want you incluido en el 
Purple rain de Prince.
El fin de fiesta lo ponen un muy interesante 
What the fuck are we saying? (de nuevo con un 
muy buen arreglo de cuerdas y el apoyo del saxo) 
y Butterfly.

Alanis Morissette
Jagged Little Pill 1995
Jagged Little Pill es el tercer disco 
de Alanis Morissette, el primero como 
adulta; un disco que desde el primer 
momento impresionó, y detrás del que 
estaba Madonna y su recién estrenado 
sello Maverick.
Alanis Morissette Alanis no disfraza 
su rabia, muestra su ira tal y como la 
siente, con unas letras directas y 
emocionantes; el rock agresivo de este 
disco la convirtieron en la referencia 
del rock alternativo femenino de 
mediados de los 90.
El disco contiene temas sensacionales, 
sobre todo You Oughta Know e Ironic, y
otros muy buenos como Hand In My Pocket 
y You Learn. El disco mantuvo a Alanis 
en la carretera durante una gira de 18 
meses por todo el mundo, en una serie 
de conciertos que comenzó en pequeñas 
salas en 1995 y terminó en 1996 en 
grandes estadios.
Las canciones del disco son historias 
que hablan de una mujer joven decidida a 
abrirse un camino propio, a inventarse a 
sí misma dejando atrás la educación de la 
infancia, a los amantes manipuladores, a 
los insulsos compañeros de profesión, 
dejando atrás incluso su propia inseguridad.
Alanis MorissetteYou oughta know está 
dedicada a un ex-novio, y en ella muestra 
su rabia por el compartamiento de su ex, 
que rápidamente la olvidó y se fue con otra. 
"Sabe ella que me dijiste que me abrazarias 
hasta que murieras? pues todavia estas vivo".

Hand in my pocket es un tema optimista en 
el que habla de sus contrastes, de los 
distintos estados de ánimo en los que se 
encuentra a lo largo del día.
You learn contiene un buen estribillo y 
una letra un tanto filosofica. Habla de 
la vida, sus obstáculos de lo que hay 
que aprender para no volver a meter la 
pata. "Ries y aprendes, rezas y aprendes, 
vives y aprendes.
Alanis MorissetteIronic es el tema más 
recordado del álbum, una especie de ley 
de Murphy. "Es como conocer al hombre de 
tu vida y luego conocer a su encantadora 
mujer". Toda una ironía no?
Head Over Feet es una canción tranquila 
con cambios de ritmo en el que hay otro 
solo de armónica.
En 1996 el disco fue premiado con cuatro 
premios Gramy: Mejor álbum, Mejor álbum 
de rock, Mejor interpretación femenina de 
rock y Mejor canción de rock por You oughta 
know, y se convierte merecidamente en uno 
de los discos "debut" más vendedores de la 
historia de la música.

Oasis (What's The Story) 
Morning Glory 1995
Oasis, sin duda, uno de los grupos de los 
'90. Encabezado por los hermanos Gallagher 
(Noel y Liam) y acompañados por Bonehead 
Arthurs, Guigsy McGuigan, y Alan White, 
una vez que salió este disco, y con la 
todavía reciente Whatever (de su ópera 
prima y que tenía un sensacional arreglo 
de cuerdas) fueron comparados con los 
Beatles. Pero, por desgracia, con el paso 
de los años no han podido superar sus dos 
primeros discos.
Oasis En Octubre de 1995, sale al mercado 
uno de los mejores discos de los '90, 
(What's the Story) Morning Glory?, aunque 
en un principio iba a llamarse "Flash in 
the pan". ¿El título? En palabra de Noel: 
Alguien dijo "What's the Story..." durante 
una conversación teléfonica... decidi que 
podría ser un buen jodido nombre para el 
álbum!"
En la portada se ven a dos personas a punto 
de cruzarse caminando en una calle, también 
bien atras al lado de una columna se ve a 
una persona parada, ¿os recuerda a alguna 
otra portada?, quizá al Abbey Road de los 
Beatles.
Todas las canciones fueron compuestas por 
Noel Gallagher, y las canta su hermano Liam, 
excepto el Don't look back in anger que lo 
canta el propio Noel. Producido por Owem 
Morris y Noel Gallagher, se grabo en los 
estudios, Rock Field Studios, Gwent, South 
Wales, de Mayo a Septiembre de 1995. En Abril 
del mismo año entra el nuevo baterista "Alan" 
al grupo en sustitución de Tony McCarrol. 
El disco fue sacando sencillos por todo el 
mundo: Some might say, Roll with it, 
Wonderwall, Don't look back in anger, 
Champagne Supernova. El disco vendió millones 
de copias, y fue número 1 en un montón de 
sitios.

Bob Dylan
John Wesley Harding 1967
Bob Dylan En otoño de 1967,firmó un nuevo 
contrato de larga duración con CBS Records. 
Las canciones en las que había trabajado 
durante su largo y forzoso descanso llegaron 
a las mesas de los editores de Nueva York y 
Londres.

John Wesley Harding es un disco conceptual 
que con una simple instrumentación de 
guitarra acústica, ármonica, bajo y batería 
(en ocasiones aparece un piano y una steel 
guitar), homenajea a inmigrantes, 
perdedores, bandidos, morosos, timadores y 
ladrones. En plena era psicodélica, Bob 
Dylan se desmarca de las tendencias de la 
época, con folk de primera categoría, con 
el que da un giro maestro.

Bob Dylan El disco comienza con el tema que 
le da nombre en el que narra la historia de 
John Wesley Harding (en realidad sin g), un 
delincuente que fue asesinado mientras 
estudiaba leyes en prisión.

Con influencias religiosas en temas como I 
Dreamed I Saw St. Agustine y The Ballad Of 
Frankie Lee And Judas Priest, quizá, el 
tema más importante del disco sea el All 
Along The Watchtower, al que Jimi Hendrix 
supo en su momento dar una vuelta de tuerca 
y llevar a lo más alto. También U2 lo 
versionaron e incluyeron en su Rattle and 
Hum en 1988.

Bob Dylan Como cierre, una balada con aires 
country I'll Be Your Baby Tonight, una muy 
buena canción que también han versionado 
otros compañeros de profesión, y el que más 
se aleja del sonido genérico del álbum.

John Wesley Harding fue un gran éxito 
artístico y comercial, llegando a alcanzar 
el número 2 en USA y el 1 en las listas 
Británicas.

Buffalo Springfield
Los Angeles 2011
Buffalo Springfield es una banda de rock 
popular que se formó en 1966 en Los 
Ángeles, California, Estados Unidos. 
La alineación original de la banda 
consistió en Neil Young (voz, guitarra), 
Stephen Stills (voz, guitarra), Richie 
Furay (voz, guitarra), Bruce Palmer (bajo) 
y Dewey Martin (batería). Palmer dejó la 
banda en 1968 y fue reemplazado por Jim 
Messina.

La mejor banda estadounidense de 
Folk-Rock de los años 60, Buffalo 
Springfield, mezcló influencias folk, 
country e invasión británica para producir 
algunos de los Rock más duraderos de 
California de la época. Con armonías 
brillantes y varios excelentes 
cantautores, fueron enormemente 
influyentes para un acto con un catálogo 
de solo tres álbumes. Además de establecer 
las carreras de Neil Young, Stephen Stills 
y Richie Furay, todos los cuales irían al 
éxito en otras bandas o como solistas, su 
híbrido de estilos inspiró numerosos actos 
Folk y Country-Rock durante los años 70.
Aunque la alineación cambió constantemente, 
los miembros principales durante sus tres 
años turbulentos fueron Stephen Stills 
(guitarra, voz), Neil Young (guitarra, voz), 
Richie Furay (guitarra, voz), Dewey Martin 
(batería), Bruce Palmer ( bajo) y Jim Messina 
(bajo). Furay y Stills trabajaron juntos en 
Au Go-Go Singers a mediados de los 60, donde 
conocieron a Young, quien en ese momento era 
solista, habiendo trabajado previamente con 
Palmer en The Mynah Birds. Furay y Stills se 
habían mudado a Los Ángeles para fundar una 
banda, y decidieron buscar al enigmático 
Young. 

El único sencillo Top 40 de la banda, 
"For What It's Worth", se lanzó en 1967. 
La banda se separó en 1968. A pesar de 
durar menos de 25 meses.

John Lennon
Imagine 1971
Sin duda, uno de los grandes genios de 
la historia de la música, John Lennon, 
llevaba poco tiempo fuera de los Beatles 
cuando creó, quizá su obra maestra en 
solitario, Imagine.

El mismo John Lennon, se vió azucarado en 
este disco, en el que sobresalen dos temas 
fantásticos, el que le da nombre Imagine, 
una de esas canciones inolvidables, y que 
suelen encontrarse en las primeras 
posiciones de las listas de las mejores 
canciones de la historia; un tema en el 
que sueña con un mundo idílico de unión, 
paz y solidaridad. Y por otra parte una 
de esas canciones de amor que te hacen 
levitar, la fantástica Jealous Guy, s
eguramente mi tema favorito de John Lennon, 
con lo que eso significa. Dos temas 
versionados por tantos y tan grande
artistas...

John Lennon El disco contiene también 
temas de protesta I Don't Wanna Be A 
Soldier, con influencias de Phil Spector 
(productor del disco), y más canciones de 
amor Lennon, como Oh My Love o How, sin 
descuidar a su musa Yoko Ono, en Oh Yoko!.

El disco también contiene rock como It's 
So Hard, e incluso una canción How Do You 
Sleep?, en la que Paul McCartney, no sale
muy bien parado...

Imagine, fue el gran éxito comercial y 
artístico de John Lennon fuera de los 
Beatles.

Manic Street Preachers
Everything Must Go 20 
1996
Las bibliotecas nos dieron el poder, 
después vino el trabajo y nos hizo 
libres, que precio debemos pagar ahora, 
por un pequeño trozo de dignidad", así 
empieza posiblemente la mejor canción 
de 1996, A design for life, contenida 
en uno de los mejores discos de los 90, 
el Everything Must Go de los Manic 
Street Preachers. Un tema emotivo y 
conmovedor que logró el premio de 
composición Ivor Novello, no era para 
menos.

Manic Street Preachers El grupo galés 
es uno de las mejores bandas que ha 
dado la música británica, y en mi 
opinión no están suficientemente 
reconocidos. 

El disco contiene múcho más que una 
grandísima canción. En total cuatro 
temas alcanzaron el Top 10 en el 
Reino Unido, aunque incluso podían 
haber llegado más lejos, el disco lo 
vale.

Peter Gabriel
3 1980
Peter Gabriel, un genio, uno de los 
grandes, una debilidad para los oídos. 
Uno de los artistas más completos: 
escritor, compositor, actor, mimo, 
productor, multi instrumentista, hizo 
su primera obra maestra ya fuera de 
Genesis en 1980. Era su tercer disco 
en solitario, Peter Gabriel 3.
10 canciones fueron suficientes para 
demostrar de lo que era capaz, 
acompañado eso sí de un grupo de 
profesionales de primera. Produce 
Steve Lillywhite, que más adelante ha 
sido el productor posiblemente clave 
en la carrera de U2.

Peter Gabriel Más ejemplos de lo que 
hay detrás del álbum es su ex compañero 
en Genesis, Phil Collins, o Kate Bush 
haciendo coros en dos de los temas 
estrella del álbum: No Self Control y 
en la sensacional Games Without 
Frontiers, aún se me ponen los pelos 
de puntos al escucharla. También 
destacan temas como I Don't Remember y 
su primer gran guiño a África, Biko, 
extraordinaria tanto musical como 
sentimentalmente.

Más colaboraciones de peso: Paul Weller 
(ex The Jam y ex The Style Council) toca 
la guitarra en uno de los cortes And 
Through The Wire.

Los grandes no son solo grandes por lo 
que saben hacer, sino por saberse rodear 
de otros gigantes, y eso lo hizo de 
maravilla Peter Gabriel en este álbum.

Red Hot Chili Peppers
Californication 1999
“Californication”, 
séptimo trabajo del grupo 
Red Hot Chili Pepper.

Fue el 8 de junio de 1999 
que el cuarteto, guiado por 
el productor Rick Rubin, 
alcanzara uno de sus mayores 
éxitos, incluso antes de que 
el álbum saliera a la venta.

El disco, considerado como 
el mejor trabajo de la banda, 
está compuesto por 15 
canciones rebosantes de 
energía, entre ellas éxitos 
como “Scar Tissue”, 
“Californication” y “Around 
the world”, entre otras.

Este trabajo también supuso 
el regreso al grupo del 
guitarrista John Frusciante, 
quien en 1992 abandonó la 
formación en plena gira de 
Blood, Sugar, Sex, Magic.

Uno de los mejores discos de 
la historia del rock.

Alaska y Dinarama
Deseo carnal 1984
En el disco, desde la portada 
con chulazo incorporado (una 
de las creaciones más inspiradas, 
o menos horribles, del diseñador 
argentino Juan Gatti) hasta el 
despiece porcino y vacuno que 
animaba la funda interior, 
pasando por las canciones, 
resultaba un pasaporte hacia 
territorios inmencionables. 

Lanzado en septiembre de 1984, 
el segundo álbum de Alaska y 
Dinarama (o el primero, si se 
cuenta con que Canciones profanas 
había aparecido a nombre de 
Dinarama + Alaska)  fue la 
fanfarria con la que muchos 
españoles de entonces volvieron 
al colegio, la oficina o las 
labores domésticas tras el rigor 
del verano. Y, aunque muchos de 
esos oyentes no lo supieran, o 
aunque sólo lo intuyeran, aquel 
LP tan pulido, tan lleno de 
estribillos y tan aparentemente 
mainstream era, en realidad, una 
sucesión de goles por la escuadra 
contra la moral de su país y de 
su época.

Deseo carnal se gestó, se 
promocionó y se convirtió en 
parte de nuestra conciencia 
colectiva.

Alicia Keys
Songs In A Minor 2001
El nacimiento de una estrella Songs in 
A Minor, es un disco espectacular, de 
esos que te sorprenden y representan el 
nacimiento de una estrella, Alicia Keys.

Alicia Keys Norteamericana, nacida en 
un barrio de clase baja de Nueva York, 
sus padres decidieron apuntarla a clases 
de piano a la edad de 7 años para 
mantenerla alejada de las drogas y la 
prostitución que acechaban su barrio. 
Una sabia decisión siempre, que 
acompañada de su gran talento, han 
hecho de Alicia Keys la mayor promesa de 
la música de un nuevo siglo, el XXI.

Songs in A Minor, el debut Alicia debuta 
con Songs in A Minor en 2001. Con un R&B 
contemporáneo con toques de jazz y blues. 

Un disco de una calidad muy alta que 
tiene como momento estelar Fallin, el 
primer single que tiene unos fraseos de 
piano inolvidables y unos arreglos de 
cuerda sensacionales.

Alicia Keys no solo canta, no solo tiene 
una voz deliciosa, sino que sus clases de 
piano de pequeñita han valido la pena, es 
una buena compositora, y además tiene un 
gran atractivo físico. Una mezcla tan 
difícil de encontrar, que cuando aparece.

Alicia KeysLas canciones de Songs in A 
Minor Songs in A Minor es un disco 
cautivador desde el comienzo con la 
intro presentación de Piano & I, 
Girlfriend, How come you don't call me, 
y su gran éxito Fallin'. ¡Vaya comienzo! 
4 piezas de tanta calidad en un mismo 
disco, y seguidas... How come you don't 
call me es un tema de Prince. Una de 
esas canciones del genio de Minneapolis 
que pasan inadvertidas injustamente. Se 
trata de un tema que se incluyó en la 
banda sonora de Girl 6, la película de 
Spike Lee.

El disco continúa con el listón bien 
alto con Troubles, el gran comienzo 
instrumental de Rock wit U, que a más de 
uno le sonora a música de algún programa 
de televisión que se inspiró en este 
tema para su cabecera.

A woman's worth es el séptimo corte de 
Songs in A Minor, otro de los singles, 
al que sigue Jane Doe, el piano 
cautivador en Goodbye, The life y el más 
que interesante Mr. Man acompañada de 
Jimmy Cozier.

Alicia Keys Sigue con el interlude de 
piano y voz de Alicia en Never felt this 
way, y el sensible y sensacional piano 
en Butterflies.

El dulce final, Why do I feel so bad, 
Caged bird y la propina Lovin' U. A estas 
alturas solo pasa una cosa por mi cabeza, 
volver a escuchar el disco.

Los premios y reconocimientos
Songs in A Minor fue lanzado en USA en 
junio de 2001 e ingresó directamente en 
el primer puesto del 200 # Album Chart de 
la Revista Billboard, con más de 250 mil 
unidades vendidas en tan solo una semana. 
Desde entonces se mantiene entre los 10 
discos más vendidos de ese territorio. 
Fallin', el primer single, se mantuvo en 
el primer puesto del Hot 100 R&B and Hip 
Hop Airplay de la Revista Billboard 
durante varias semanas consecutivas; 
además de ubicarse cómodamente entre los 
diez primeros puestos de los charts más 
importantes de Europa.

La revista Rolling Stone le dedicó la 
portada de su última edición internacional 
y la bautizó como La Nueva Reina del Soul.

Después de conquistar dos American Music 
Awards por Mejor Artista Nueva de Pop y 
Mejor Artista Nueva de Soul R&B, es 
nominada a 6 Premios Grammys:

Grabación del año: Fallin
Canción del año: Fallin
Mejor artista nuevo
Mejor interpretación R&B vocal femenina: 
Fallin
Mejor canción R&B: Fallin
Mejor álbum R&B: Songs in A Minor

Solo falló en el primero; 5 Grammys para 
Alicia Keys.

Un álbum brillante, seguramente el mejor 
debut de un artista en mucho tiempo, y el 
disco con más calidad y más significativo 
de comienzos del siglo XXI.

Blur
Parklife 1994
Parklife es sin duda uno de esos discos 
que hizo del Brit Pop de mediados de los 
90, lo que fue. Blur formó parte junto a 
Oasis, Suede, Pulp, Elastica, Boo Radleys, 
Supergrass, Echobelly, Menswear... de la 
explosión del pop británico de los 90.

Blur Parklife, es entonces, uno de esos 
discos imprescindibles dentro del Brit 
Pop. Era ya el tercer disco de Blur; 16 
canciones con trazos de psicodelia y un 
sensacional pop sintético melódico. 
Lentas, medios tiempos, animadas, en 
fin.Damon Albarn, el líder y vocalista, 
pensó en estas canciones haciéndose un 
mapa mental de la vida británica de 
mediados de los 90, cuales eran sus 
costumbres, sus gustos.

El disco entró directo al nº 1 y 
catapultó a la banda al más alto 
estrellato de las islas británicas. 
El single de estilo new wave con algo 
de dance-pop Girls and Boys, entró
directo al 5. En USA se mantuvo durante 
15 semanas, alcanzando el número 52, 
pero el álbum nunca llegó al Top. En 
Inglaterra era una historia 
completamente diferente, Blur consiguió 
colocar toda esta serie de singles en 
las listas, inclusive el baladón To the 
End y el himno Parklife, que era una 
narración de Phil Daniels, la estrella 
de la versión para el cine de la opera 
rock Quadrophenia de The Who.

El disco tiene uno de los comienzos más 
fantásticos que recuerdo, cuatro temas 
que hacen ya del disco y de entrada, un 
álbum histórico. Girls and boys, con un 
sonido más disco que se te mete en los 
huesos y no te deja, la súper pop y 
melódica Tracy Jacks fantástica, el 
final del siglo con la más lenta To the 
end y el animado y popero Parklife que 
da nombre al disco. Sensacional.

Blur Pero el disco no se para ahí, 
continúa con la acelarada Bank holiday, 
Badhead una muy buena balada, pasando 
por The debt collector en plan orquestal 
y la lenta y psicodélica Far out. Y 
llega el gran baladón popero To the end, 
con parte de la letra en francés, genial.

Nos siguen regalando buenas canciones 
con el pop de London loves, el acelarado 
Trouble in the message centre, y más pop 
en Clover over Dover y Magic America, y 
más revoluciones en Jubilee. El disco 
acaba con un buen tema lento This is a 
low y un original fin de fiesta Lot 105 
que va a más, un tema instrumental.

Cream
Disraeli Gears 1967
Jack Bruce (bajo), Eric Clapton 
(guitarra) y Ginger Baker 
(batería) formaron Cream en 1966 
a raíz de ser elegidos por un 
semanario musical como los 
mejores instrumentistas del año.

Cream En su segundo disco, 
Disraeli Gears demostraron estar 
a la cabeza del panorama musical 
británico. A su lado y como 
complemento lírico, el poeta 
Peter Brown.

Disraeli Gears es una combinación 
de blues, rock y psicodelia, con 
peso también en las melodías. Es 
un gran trabajo instrumental, no 
podía ser de otra forma, con la 
gran calidad de sus componentes. 
Irrepetible!!!

Cream Con grandes canciones, 
Sunshine Of Your Love es el tema 
más representativo del disco y 
del trío, con uno de los riff de 
guitarra más recordados de la 
historia del rock, y con el que 
Clapton comenzó a ser leyenda. 
Otro de los grandes guitarristas 
de la historia, Jimi Hendrix la 
versionó en directo en alguna 
ocasión sin conocer la letra.

Elton John
Goodbye Yellow Brick 
Road 1973
Elton John y Bernie Taupin se salen en 
Goodbye Yellow Brick Road, grandes 
melodías dan forman al que es 
posiblemente el mejor disco de Sir 
Elton John.

Elton John Goodbye Yellow Brick Road 
salió como doble LP y hoy en día es un 
disco lleno de clásicos: Candle In The 
Wind, Saturday NightŽs Alright For 
Fighting, Bennie And The Jets.

El primer single de aquel excelente 
disco fue Saturday Night's Alright For 
Fighting, que expresaba el sentimiento 
que preocupaba en aquel momento a Bernie 
Taupin, según el cual quizá había 
dedicado demasiada atención a todo lo 
norteamericano. Taupin se propuso 
componer una canción de rock al más puro 
estilo británico, y el single se 
convirtió en un auténtico clásico en el 
mundo del rock.

El segundo single del disco es el que da 
título al disco Goodbye Yellow Brick Road, 
al que sigue como tercero la excepcional 
Bennie and the Jets, fue otro de los 
éxitos espectaculares del álbum Goodbye
Yellow Brick Road que triunfaron en el 
mercado estadounidense. A principios de 
1974 llegó al número 1 de la lista de 
Billboard, convirtiéndose en el tercer 
single de Elton John que superaba el 
millón de copias vendidas. Además, fue 
especialmente popular en la emisora de 
radio de Detroit WJLB, especializada en 
sonido R&B. En un momento dado, el 
ochenta por ciento de las peticiones de 
sus oyentes se centraban en la canción 
que aparentemente hablaba de una 
estrella femenina de rock que llevaba 
un traje de angora y botas altas.

Elton JohnCandle In The Wind, el cuarto 
single, está considerada desde 1997 como 
la canción más famosa de cuantas han 
compuesto Elton John y Bernie Taupin. 
La letra original de Taupin resultaba un 
homenaje a la fallecida Marilyn Monroe, 
una de las estrellas cinematográficas más 
famosas del siglo XX. Las palabras con las 
que se inicia aquel tema, Goodbye Norma 
Jean, hacían referencia al nombre 
auténtico de la actriz, Norma Jean Baker. 
Cuando se publicó en forma de single en 
Inglaterra en 1974, no llegó a entrar en 
el Top 10, pero en 1987, cuando Elton John 
la incluyó en su doble álbum Live In 
Australia with The Melbourne Symphony 
Orchestra, volvió a recuperar de nuevo el 
éxito. En 1997, Elton John ofreció una 
sentida y emotiva interpretación en la 
Abadía de Westminster en el funeral de 
Diana, Princesa de Gales, con el título 
Candle In The Wind 1997 y la letra adaptada 
rápidamente para la ocasión por Bernie 
Taupin. Pocos días después la canción se 
publicó como single, dedicado a la Princesa 
Diana, con la producción de George Martin, 
el famoso productor de los Beatles. 
Inmediatamente, el disco llegó al número 1 
de las listas inglesas, puesto en el que 
permaneció cinco semanas consecutivas, 
convirtiéndose en el single más vendido de 
la historia, con más de 33 millones de 
copias y una recaudación superior a los 
20 millones de libras esterlinas (más de 
5.000 millones de pesetas) que fue 
entregada a The Diana, Princess of Wales, 
Memorial Fund. Elton afirmó públicamente 
que a partir de ese día nunca volvería a 
cantar de nuevo Candle in The Wind con la 
letra de la versión '97.

Elton John Cuatro sencillos no fueron pocos 
y más para esa época. De todas formas el 
disco no se quedaba ahí, tenía mucho más 
contenido: Grey Seal, Harmony, I've seen 
that movie too, Sweet painted lady, Roy 
Rogers.

Goodbye Yellow Brick Road fue el disco en 
donde la personalidad de Elton John 
comenzó a captar más atención que su 
música, y es el álbum con el que 
conquista la cima de las listas 
americanas durante ocho semanas 
consecutivas, un logro sorprendente 
para un álbum doble. Desde muchos puntos 
de vista, el doble álbum doble era una 
recapitulación de todos los estilos y 
sonidos que convirtieron a Elton John 
en una estrella.

Eric Clapton
461 Ocean Boulevard 
1974
461 Ocean Boulevard fue el segundo 
disco que Eric Clapton hacía tras 
de su paso por Derek & The Dominos, 
y el primero ya desintoxicado de la 
droga. 
Aunque no abandonó su predilección 
por las atmósferas del blues, Eric 
Clapton se acercó el reggae, gracias 
a su versión de I Shot The Sheriff, 
de Bob Marley.

Eric Clapton Es con este disco, con 
el que Clapton comienza a cogerle el 
pulso a su carrera. 461 Ocena 
Bulevard es un álbum con buenos temas 
como Give Me Strength y Let It Grow. 
Clapton se mantiene en la senda del 
blues con versiones de Robert 
Johnson, Steady Rollin' Man y de 
Elmore James, I Can't Hold Out, toca 
el rock & roll con el clásico de 
Johnny Otis Willie and the Hand Jive, 
y se divierte con la guitarra en 
Motherless Children.

El disco llegó al número 1 de las 
listas americanas.

Fugees
The Score 1996
The Score, la obra maestra de los 
Fugees. El grupo había debutado 
unos años antes con Blunted on 
Reality, pero en 1996 le dieron 
otro color al hip-hop con este 
disco.

Fugees En el trío hay sobre todo 
dos fenómenos: Lauryn Hill y Wyclef 
Jean, tanto talento junto les llevó 
a una separación, aunque estos días 
comienzan a sonar más que rumores 
de vuelta. La sensacional voz y las 
composiciones de Lauryn Hill y la 
producción de Wyclef Jean (en la que 
también colabora bastante Lauryn) 
podrían valer un nuevo empujón en el 
estilo que parece que se ha quedado 
estancado en los últimos años.

The Score es un concentrado de 
hip-hop, soul, funk, reggae y R&B 
que consiguió ventas de más de 17 
millones de copias y convirtió a los 
Fugees en el grupo de hip-hop más 
vendedor de todos los tiempos. 
Se hicieron con dos premios Grammy, 
mejor álbum de rap y mejor 
interpretación de R&B por la versión 
del clásico de Roberta Flack Killing 
Me Softly, un single que se convirtió 
en el himno hip hop del 96.

El disco en general contiene elementos 
de otros temas, también por ejemplo en 
Zealots, pero también tiene 
"creaciones totales" muy buenas como 
The beast.

Sin duda un gran disco, que merece 
tener en todo discoteca que se precie. 

Garbage
Garbage 1995
1995, en medio de una ola de 
brit-pop se presenta por todo 
lo alto un nuevo grupo 
americano, Garbage. El grupo 
se forma en 1993, y debuta con 
uno de los mejores discos de 
los 90.

Garbage La banda es una idea 
original de los productores 
Butch Vig (productor entre otros 
del Nevermind de Nirvana),
Duke Erikson, y Steve Marker. 

En principio el grupo era una 
improvisación de rock informal 
entre los tres productores, 
pero eventualmente contrataron 
a la vocalista Shirley Manson. 
La unión no pudo resultar más 
explosiva...

Entre finales del 94 y principio 
del 95 se graba Garbage, 12 
canciones (en algunos países se 
editó con algún tema adicional) 
fantásticas, con unos arreglos 
peculiares, la gran producción de 
Butch Vig y una cantante con una 
voz y puesta en escena 
sensacionales.

Como toda gran ópera prima el 
disco estaba cargado de muchos 
singles potenciales. Abre 
Supervixen, te pone las pilas y 
muestra lo que viene, un nuevo 
sonido pop-rock, electrónico, 
alternativo, nuevos arreglos y 
con muchos cambios de ritmo. 
A eso se llama innovar...

GarbageQueer, quizá el primer 
gran éxito del grupo, batería, 
guitarras, loops... Only happy 
when it rains, pop alternativo 
es otro de los grandes del 
disco que comienza por todo lo 
alto.

Pasamos por la oscuridad heavy 
de Heaven is wide, la melodía 
egadiza de Not my idea, la más 
tranquila A stroke of Luck, y 
nos volvemos a animar con Vow. 

Y ahí está, posiblemente el mejor 
tema que hayan hecho, Stupid girl, 
con una producción fantástica, 
poco más se le puede pedir a una 
canción.

Todavía quedan más muestras del 
nuevo sonido Garbage: Dog New 
Tricks, My Lover's Box, Fix Me 
Now y sobre todo la brillante y 
pausada Milk, que pone un 
espectacular fin de fiesta

George Harrison
All Things Must Pass 
1970
All Things Must Pass, fue uno de los 
comienzos en el final de los Beatles, el 
grupo con mayor número de seguidores a 
lo largo del mundo. Los Beatles no eran 
solo Lennon y McCartney, y con All 
Things Must Pass, George Harrison lo 
dejó muy claro. El título es toda una 
declaración de intenciones.

George Harrison Por varios motivos la 
segunda quincena de Noviembre, tiene 
mucha importancia en la vida de Harrison: 
All Things Must Pass salió el 27 de 
Noviembre de 1970 y fue su emancipación 
total de los Beatles; y el final de su 
vida llegó durante los últimos días de 
Noviembre de 2001. Por eso he querido 
rendirle este tributo, con éste, su 
disco más importante, en una quincena 
como esta.

El disco se grabó entre Mayo y Agosto 
de 1970 bajo la producción del propio 
Harrison y de Phil Spector, y contó con 
muchas y buenas colaboraciones. 
Originalmente publicado en 1970 como un 
triple vinilo, ahora lo podemos 
encontrar en las tiendas como doble 
disco al que se le han añadido 5 bonus 
tracks, los últimos del primer CD; 
además el disco contiene un extenso 
libreto y la portada es en color. Una 
auténtica maravilla.

All Things Must Pass ubicó a George 
Harrison en su justo lugar como 
compositor e intérprete, en la cima 
del pop mundial. Muchas de las 
canciones fueron compuestas años 
antes, pero no vieron la luz en su 
momento porque competían con la obra 
de Lennon y McCartney dentro del 
entorno de los Beatles.

George Harrison En la grabación del 
disco contó con la colaboración de 
sus amigos Derek And The Dominos (con 
Eric Clapton en cabeza) y del 
productor Phil Spector, lo que ayudó 
a crear un sonido potente y a la vez 
envolvente. El tema elegido como punto 
de partida del disco fue My sweet lord, 
una muy buena canción pero que le 
causó muchos dolores de cabeza. Fue 
acusado de plagiar el éxito de las 
Chiffons de 1963, He's so fine, y en 
el que el propio Harrison reconoció 
que se basó; en 1976 una sentencia 
determinó que se trataba de un plagio 
involuntario debiendo de renunciar a 
sus derechos de autor. Después le 
siguió What is life.

El disco también cuenta con la 
colaboración de otro fenómeno de la 
música, Bob Dylan, que participó junto 
a George en la composición del I'd 
have you anytime.

Asia
Asia 1982
Asia nació casi por casualidad, a 
finales de 1981, como resultado de un 
encuentro entre cuatro protagonistas 
del rock de los años setenta: Carl 
Palmer (antiguo batería de Atomic 
Rooster y del famoso trío Emerson, 
Lake & Palmer), John Wetton (cantante 
y bajista, ex miembro de King Crimson), 
Steve Howe (mítico guitarrista de Yes) 
y Geoffrey Downes (teclista muy 
conocido, en la escena musical inglesa). 
Quien los empujó a constituir esta 
sociedad fue David Geffen, hábil 
productor discográfico que en pocos 
meses había fundado una nueva compañía, 
llamada, precisamente, Geffen. 
Completaba esta operación el diseñador 
inglés Roger Dean, creador de las 
bellas portadas de los discos de Yes, 
además de algunas de Uriah Heep, 
Osibisa y Babe Ruth, entre otros. 
Dean realizó las portadas de todos 
los discos de Asia, con un estilo que 
oscilaba entre el sueño, el exotismo, 
la magia y la fantasía.

En otoño de 1982 se publicó 'Asia' 
(grabado en Londres), el primer álbum 
del grupo. Wetton y Downes compusieron 
la mayoría de los temas, la producción 
(a cargo de Mike Stone) era de primera 
calidad. Su éxito fue clamoroso, 
favorecido en parte por el single 
'Heat of the moment'. 

La crítica ironizaba un poco sobre 
este "retorno de los dinosaurios", 
pero el público acogió con entusiasmo 
a Asia y los resultados comerciales 
fueron positivos.

El disco funcionó bien y logró 
desbancar de las listas a 
competidores más jóvenes, como 
Duran Duran, The Clash y The Police.

En este disco se encuentra la canción 
«Heat of the Moment», la cual alcanzó 
el 4.° lugar en la lista del Billboard 
Hot 100

La portada del disco fue creada por 
Roger Dean, quién es reconocido por 
su trabajo con las bandas Yes y 
Uriah Heep.

Desde que Asia fue lanzado en el mes 
de marzo de 1982, el álbum recibió un 
considerable éxito comercial ya que se 
posicionó en el 1.º lugar y permaneció 
durante nueve semanas de la lista del 
Billboard 200.1 Asia obtuvo 4 discos 
de platino en los Estados Unidos por 
la Asociación de Industria 
Discográfica de Estados Unidos (RIAA 
por sus siglas en inglés) el 10 de 
febrero de 1995.2

En el Reino Unido, Asia no tuvo 
tanto éxito como en los EE.UU., aunque 
llegaron al 11.º lugar de las listas 
británicas y se mantuvo durante 
treinta y ocho semanas en las 
listas de los álbumes del RU.
Este disco recibió disco de oro el 
18 de octubre en 1982, mientras que 
el sencillo «Heat of the Moment» se 
posicionó en el lugar 48.

En Canadá, este álbum también obtuvo 
un gran reconocimiento y se ubicó en 
la 1.º posición del 22 de mayo a 7 de 
junio de 1982 en las listas de 
popularidad y permaneció en ellas 
durante 37 semanas seguidas.5 Además 
los sencillos «Heat of the Moment» y 
«Only Time Will Tell» se colocaron en 
las las posiciones 4.º y 7.º 
respectivamente.6 7 Asia fue 
certificado triple disco de platino 
por la Asociación Canadiense de la 
Industria Grabada (CRIA por sus 
siglas en inglés) el 1 de febrero de 
1983.

Chic
C'est Chic 1978
Y C'est Chic es uno de los mejores 
álbumes de los 70,fue uno de los 
últimos grandes discos de baile antes 
de que las máquinas se hicieran cargo. 

Los líderes Bernard Edwards (bajo) y 
Nile Rodgers (guitarra) habían tenido 
una doble vida en los últimos años, 
actuando como acompañantes de la 
sesión de discoteca mientras tocaban 
en los combos de nueva onda de blues 
por la noche con su baterista Tony 
Thompson.

Sabían cómo tocar y montar un 
espectáculo, que es lo que es C'est 
Chic. 

Empieza con su obertura - Chic Cheer 
y nos lleva hasta su jiving, comic 
closer, (Funny) Bone.

Para muchos, el álbum siempre será 
sobre Le Freak. 
Sigue siendo el single más vendido 
en la historia de Atlantic. 

C'est Chic es álbum un brillante y 
ejemplo de lo que debería ser la 
música de baile inteligente producida 
en masa. Treinta y dos años en el 
momento de escribir esto, sigue 
siendo irresistible.

Bee Gees
Horizontal 1968
Gran disco de los Bee Gees, uno de 
los mejores publicados por el grupo 
en la década de los 60, incluso s
uperior a “Odessa”, ya que aunque es 
mucho más ambicioso que su excelente 
debut, las canciones y el conjunto 
resulta menos pretencioso, sin 
altibajos, más compacto en el 
desarrollo conceptual de obra de pop 
psicodélico.

Lo más importante de este trabajo, 
además de su innata capacidad para 
escribir imperecederas melodías 
sublimadas por exuberantes arreglos 
orquestales, es la búsqueda de una 
experimentación sónica, roturando en 
su contexto lisérgico y penetrando 
emocionalmente con sus voces de 
tonalidad plañidera que otorgan al 
LP una ambientación sombría, 
nostálgica, melancólica, 
melodramática… fascinante, 
construida principalmente en base a 
sus piezas lentas, que son casi la 
mayoría del album.

back cover bee gees horizontal 
album contraportada discoTanto 
esas baladas, de enorme calado 
sentimental, como los temas de 
mayor infusión rítmica y 
psicodélica, conforman un álbum 
magistral que tanto se mueve por 
líricas amorosas como narra relatos 
de imaginería bordeando el 
surrealismo, con estructuras 
singulares, soberbias melodías y 
un sonido absorbente conseguido 
por los Bee Gees y el productor 
Robert Stigwood.

En un trabajo tan conseguido como 
este es muy difícil quedarse con 
una canción. En cada escucha se 
disfrutan las piezas de manera 
distinta, siempre en consonancia 
con nuestro estado de ánimo, 
definidor básico de las sensaciones 
en el disfrute de cualquier obra 
artística. Pero cortes como “World”, 
“Lemons Never Forget”, “Really And 
Sincerely”, “Day Time Girl”, “The 
Ernest of Being George”, “Harry 
Braff”, “The Change Is Made”, 
“Horizontal” o la conocida 
“Massachusetts” son algunas piezas 
maestras, a veces excesivas en su 
esencia sentimental, otras ingenuas, 
pero casi siempre sugestivas.

Bon Jovi
Keep The Faith 1992
Bon Jovi lanza “Keep The Faith”, 
un disco que supuso un punto de 
inflexión en su carrera y los 
llevo a otro nivel de éxito.

El sonido de la banda se abre  
en este disco un concepto más 
amplio de Rock, dejando a un lado 
el sonido ochentero de sus 
anteriores trabajos. “Keep The 
Faith” es un disco largo y muy 
variado. Giran hacía sonidos de 
clásicos como el de su paisano 
Bruce Springsteen, o los propios 
Rolling Stones, pero siempre 
teniendo muy en cuenta el cambio 
del gusto musical hacía sonidos 
más crudos propiciado por la 
llegada del Grunge.

Desde el propio “Keep The Faith” 
con esa linea de bajo tan 
característica al cachondo y 
bluesero “I’ll Sleep When I’m Dead” 
podemos encontrar de todo en este 
disco, pero siempre con un nivel de 
calidad muy alto. Comienzan con un 
rockero “I Believe” que coloca de 
golpe a la banda en los sonidos más 
alternativos de los 90. Además 
cuenta con un mega hit radiable 
como “In These Arms” con un 
estribillo marca de la casa y a mi 
entender uno de los temas más 
redondos de la banda.

La apertura de su sonido nos trajo a 
una banda renovada y que a pesar de 
los problemas internos se mostraba 
unida ante este nuevo reto (la 
portada es buena muestra de ello). 

El sonido se actualiza y se 
incorpora a los 90 gracias al 
productor Bob Rock. Jon amplia su 
rango vocal, Richie a la guitarra 
está monumental, con algunos de sus 
mejores solos y mayor protagonismo 
en los coros. El resto de la banda 
(David Bryan, Tico Torres y Alec 
Joh Such) se adaptan a la perfección 
al cambio y aportan todo su buen hacer. 
Incluso el grupo cambia su estética 
con cortes de pelo incluidos, algo 
que levantó mucha controversia. En 
definitiva, un disco que supuso un 
giro en la carrera de Bon Jovi y los 
llevo a un éxito aún más global. 

Chicago
Chicago II (1970)
Chicago (conocido también como 
Chicago II) es el segundo álbum 
de estudio de la agrupación 
estadounidense Chicago. Publicado 
en enero de 1970 por Columbia 
Records, Chicago fue un éxito 
comercial. Fue certificado como 
disco de oro en abril el mismo año 
de su lanzamiento y como disco de 
platino en 1991.

El segundo álbum de Chicago rebosa 
confianza e inspiración, ya que se 
basa en todo, desde música orquestal 
hasta rock pesado. Aunque nunca 
afectó la popularidad del disco, 
alcanzó el puesto número 4 en la 
lista de álbumes y generó un trío de 
éxitos de los Diez Mejores, muchos 
fanáticos han anhelado una mezcla 
más matizada. 
Ese deseo está a punto de hacerse 
realidad con una nueva versión 
estéreo creada por el músico y 
productor británico Steven Wilson.

Chicago II ha sido remezclado antes, 
pero nunca de esta manera. Por 
primera vez, un remix estéreo de las 
cintas multipistas de 16 pistas hizo 
posible que Steven Wilson sacara 
elementos que estaban amortiguados o 
sumergidos en la mezcla. 

El resultado es una nueva versión 
estéreo de Chicago II que cuenta con 
claridad, puñetazo y definición que 
no tenía antes.

Christopher Cross
Christopher Cross 1979
Christopher Cross (1979) fue una 
extraordinaria anomalía. El debut 
de un cantante-compositor tejano 
cuya música, atención, era la 
apoteosis del pop envasado al 
vacío en los estudios californianos 
con la marca de fábrica de los más 
caros músicos de Los Ángeles. 
El elepé vendió millones de copias 
y barrió en los Grammy de 1980: 
mejor disco, mejor canción (Sailing), 
mejor álbum y mejor nuevo artista. 

A finales de 1978, Cross y sus 
músicos tejanos se instalaban en Los 
Ángeles. Bajo la dirección del 
productor Michael Omartian, las 
canciones tomaron formas opulentas 
con el añadido de vocalistas de lujo 
(Nicolette Larson, Don Henley, 
J. D. Souther, Michael McDonald... y 
la primera división de los session 
men de la ciudad).

Más duro fue empaquetar aquella 
cremosa colección de melodías. 
Viendo que Cross no resultaba 
fotogénico, se optó por la táctica 
Dire Straits: no enseñarle en la 
portada. Que llevaba un flamenco, 
retomando la idea de un antiguo 
miembro de la banda; el ave zancuda 
se convertiría en su emblema, 
apareciendo en casi todos sus 
lanzamientos.

Christopher Cross despachó cinco 
millones de copias sólo en Estados
Unidos, potenciado por cuatro 
pelotazos: Sailing, Never be the 
same, Say you'll be mine y Ride 
like the wind. Esta última, dedicada 
a Lowell George, el desaparecido 
guitarrista de Little Feat, 
reaparecería regularmente en las 
listas en diferentes versiones, 
incluyendo lecturas chunda chunda 
(Cross atesora una interpretación en 
directo del mismísimo Frank Zappa). 

Tuvo otro momento de gloria en 1981, 
al cantar el tema principal de Arthur, 
el soltero de oro, composición firmada 
por él y tres veteranos (Burt 
Bacharach, Carole Bayer Sager y Peter 
Allen) que se llevó el Oscar a la mejor 
canción.

Deep Purple
Machine Head 1972
Este suena bastante mejor que muchos 
de los que hacen en estos días en el 
mundo del rock. Las válvulas, las 
válvulas como diría mi amigo Geoff 
Emerick.

Yo diría que las válvulas y el 
talento de un grupo que era como un 
supergrupo. Tomemos la voz de Ian 
Gillan. Hasta Andrew Lloyd Webber lo 
eligió para ser el primer Jesuscristo
en Superstar.

Hasta el menos conocido Ian Paice es
un batería sensacional. Cuando Paul 
Mc Cartney en “Run Devil Run” quiso 
hacer rock,  llamó a Dave Gilmour e
Ian Paice.

Que podría decir del bajista Roger 
Glover, un autentico innovador para 
encontrar “riffs” o dibujos en bajo.

Que decir de John Lord, que hasta con 
el Hammond hacía ritmo o se convertía 
en Bach en Lazy.

Para acabar con el inmenso de Ritchie 
Blackmore, que ya antes se había 
convertido en mi guitarra favorito 
hasta los tiempos de Rainbow, por 
encima de Jeff Beck que había sido mi 
guitarrista de cabecera.

Con esas perspectivas, incluso con la 
hepatitis de Gillan les daba igual 
hasta grabar en un autobús que fue 
donde grabaron este sensacional 
“Machine Head“, en marzo, del año 1972. 

Sí, en en el estudio movil de los
Rolling Stones, que no era más que un 
camión, con una mesa de 2o entradas 
como mucho y un magnetófono sólo de 
ocho pistas. Pero también él se grabó 
“Exile on main Street”.

Aquí está “Machine Head”. Aunque no te 
guste el rock esto es otra cosa. Esto 
es música en el más amplio sentido del 
uso de la razon. Maravilloso, único, 
álbum histórico. Un recuerdo para el 
gran John Lord, que murió en julio del 
año 2012

Dire Straits
Brothers In Arms 1985
Es un disco historico, típico. Lleva 
treinta millones de copias vendidas y 
está entre los diez más venidos en la 
historia del rock. Ahora, en su 30 
aniversario, recordamos el álbum que 
convirtió Dire Straits en la más grande 
banda de rock británica de los años  80.

En noviembre de 1984, Mark Knopfler se 
reunió  con Dire Straits en Air Studios 
en la isla caribeña de Monserrat, 
propiedad de George Martin y un estudio 
que ya no existe por el paso de un 
huracan hace más de veinte años.  Iban 
a grabar  su quinto álbum de estudio. 
Lanzado posteriormente , Brothers in 
Arms demostró ser un fenómeno social y 
fue cuando Philips, con la calidad 
sonora de ese dísco , empezó a vender 
los primeros reproductores de CD¨S. Fue 
uno de los primeros en presentarse 
digitalmente.

Hasta la fecha, ha vendido  más de 30 
millones de copias, no está mal para un 
álbum lanzado por un video de un tipo 
gordo de dibujos animados que gime sobre 
MTV y Money for Nothing.

En el período previo a Brothers in Arms,
Mark  estaba haciendo la banda sonora de 
la película Cal . Fue cuando empezó a 
llamar al grupo, porque tenía ya grabadas 
algunas canciones nuevas. Una de ella, 
precisamente “Money For Nothing”  .

Mark hizo una gira con ZZ Top y era una 
gran admirado de ese tipo de tono de 
guitarra difuso que usaba Billy Gibbons. 

Puedo  estar equivocado, pero tengo la 
sensación de que Mark podría haber 
estado escuchando un poco de ZZ Top. 

Electric Light Orchestra
Out Of The Blue 1977
1977, el ápice del fundamentalismo de 
vuelta al fundamentalismo del punk, no 
era el año para lanzar álbumes 
conceptuales pseudo sinfónicos y sacar 
una nave espacial de gira.

Treinta años después, sin embargo, 
este álbum doble barroco ha 
envejecido mejor que las maravillas 
de tres acordes que lo ridiculizaron. 

La gracia salvadora de ELO era su 
estilo con una melodía: incluso cuando 
el cantante y compositor Jeff Lynne 
mostraba una confusión heroica al tratar 
de organizar arreglos de cuerda y un 
galimatías de ciencia ficción en el 
rock'n'roll, era claramente un Beatles 
con los ojos abiertos fan de corazón

Out of the Blue podría haber logrado 
sin el "suite" de cuatro canciones, 
Concerto for a Rainy Day, pero debajo 
de las suntuosas pistas de 
superproducción como Sweet Talkin 
'Woman, Turn to Stone y Mr Blue Sky 
fueron simplemente grandes canciones 
pop.

Genesis
A Trick Of The Tail 1976
El primer álbum de Genesis sin Peter 
Gabriel (séptimo de su discografía), 
continúa siendo una gema dentro del 
progrock. Hoy, además de recordarlo 
quiero escucharlo y recomendarlo una 
vez más a quienes no lo conocen.

Este disco no tenía el prejuicio que 
generó la ausencia de Peter Gabriel 
pero aún así ya estaba claro en ese 
inicio que Genesis entraba en otra 
etapa con entusiasmo y una magia 
acrecentada que parecía superar el 
surrealismo planteado en The Lamb Lies 
Down on Broadway (1974). ¿Pero sin 
Gabriel?

Genesis fue de esas bandas tan 
completas que era difícil determinar 
un liderazgo único o binario.

Así que cuando Peter Gabriel decidió 
dejar la banda para continuar su 
carrera como solista, el grupo quedó 
ante la disyuntiva de continuar o 
dejarlo así. Gabriel parecía 
irremplazable y tras centenas de 
audiciones, la respuesta no llegaba. 
Incluso, la banda tenía intención de 
reinventarse pero sólo 
instrumentalmente hasta que el grupo 
convenció a Phil Collins.

En 1976 Genesis grabó Wind & Wuthering, 
el que también demostraron que podían 
recrear la magia de las caracterizaciones 
de Gabriel pero con menor dramatismo que 
el arcángel. La historia pronto cerraría 
un ciclo con la ida de Steve Hackett 
dejando al cuarteto hecho un trio.

En general un disco genial para tener en 
tu biblioteca.

Aerosmith
Aerosmith 1973
Corría el año 1970. Dos jóvenes 
llamados Steven Tyler y Joe Perry 
se conocen en New Hampshire, dando 
inicio a un humilde proyecto 
musical al que pronto se unirían 
Brad Whitford, Tom Hamilton y Joey 
Kramer. Este era el inicio de 
Aerosmith.

No tardaron en ofrecerles bolos en 
bares y clubes nocturnos y su fama 
comenzó a aumentar poco a poco 
despertando la curiosidad de la 
discográfica Columbia Records, 
quien decidió hacerse con sus 
servicios y permitir que grabaran 
su primer disco. Rápidamente la 
banda entró en los estudios 
Intermedia Sound (Boston), a 
finales de 1972, terminando su 
labor en dos semanas  y publicando 
su disco el 5 de enero de 1973.

El disco está compuesto por 8 
canciones, siendo 7 de estas 
originales más un cover. Steven 
Tyler, voz del conjunto, es el 
principal compositor de las 
canciones, siendo todas suyas 
(no cuento la versión).  

Las letras, en general, son de 
alto contenido sexual.

En un primer momento no vendieron 
gran cantidad de copias y, como 
adelantaba en la introducción, la 
crítica más clasista no aceptaba su 
actitud rebelde o sus similitudes 
con otras bandas, tratando de 
silenciar este disco. Fue gracias 
al single de "Dream On" como esta 
banda comenzó a darse a conocer en 
el mundo. Los siguientes discos, 
especialmente el "Toys in the Attic" 
y el "Rocks" tuvieron un éxito 
clamoroso, lo que Columbia 
aprovechó para relanzar este disco, 
dándole una segunda oportunidad, 
provocando que "Dream On" llegara 
al número 6 en las listas de éxito.

Cat Stevens
Tea for the Tillerman
(1970)
Sin lugar a dudas, el álbum que 
impulsó a Cat a la fama internacional, 
Tea for the Tillerman es ampliamente 
considerado como su trabajo seminal. 

El personal de juego se mantuvo 
prácticamente sin cambios respecto 
al álbum anterior, Mona Bone Jakon, 
y Paul Samwell-Smith continuó como 
productor. Con una gran cantidad de 
clásicos atemporales como "Mundo 
salvaje", "Mujer de cabeza dura" y 
"Padre e hijo", el álbum se introdujo 
en el top 10 de la lista de álbumes 
de EE. UU., Un territorio en el que 
previamente había tenido poco impacto.

Muchas de las canciones de Tea for 
the Tillerman se han convertido en 
éxitos para otros artistas de todo 
el mundo, consolidando la reputación 
de Cat como uno de los mejores 
compositores de su generación.


Con una gran cantidad de clásicos 
atemporales como  “WIld World”, 
“Hard Headed Woman”, and “Father 
& Son”, el álbum se introdujo en 
el top 10 de la lista de álbumes 
de EE. UU., Un territorio en el 
que previamente había tenido poco 
impacto.

Creedence 
Clearwater Revival
Cosmo´s Factory 1970
La fábrica a la que da nombre Doug 
“Cosmo” Clifford, batería de la 
Creedence Clearwater Revival, quizá 
sea la más famosa de la historia del 
rock, por ser el lugar de ensayo del 
grupo californiano —una nave en 
Berkeley— que pone título a su 
quinto elepé, Cosmo’s Factory (1970), 
probablemente el mejor de su carrera, 
aunque cualquiera de los seis primeros
tiren un dado y dejen que sea el azar 
quien elija— podría ser candidato a 
dicho galardón.

“Ramble Tamble” esconde en sus siete 
minutos una de esas progresiones 
instrumentales que la banda de John 
Fogerty gustaba de incluir en sus 
trabajos, extraordinaria e inesperada 
ésta como pocas, pues se aleja mucho 
en su discurrir del motivo principal 
del tema hasta que lo recupera en el 
último tramo. 

Con el “Before You Acusse Me” de Bo 
Diddley pasa lo de siempre: el 
original del maestro se convierte en 
propio de la Creedence, al no existir 
versión que tras pasar por su cedazo 
no salga nueva. “Travelin’ Band” es 
uno de los emblemas del cuarteto 
(¿quién no conoce Travelin’ Band?), 
rock and roll conciso donde los haya 
inspirado en los de Little Richard. 
“Ooby Dooby” es una canción escrita 
por Wade Moore y Dick Penner tan 
breve como la anterior y mero 
divertimento que, pese a ello, suena 
al grupo por los cuatro costados y 
contiene un trabajo muy estimable de 
las guitarras de los hermanos Fogerty. 

Siguen tres composiciones de John: 
“Lookin’ Out My Back Door”, una
 bellísima pieza de country rock; 
“Run Through The Jungle”, curioso 
punto de encuentro entre la psicodelia 
y el blues primitivo; y “Up Around The 
Bend”, ejemplo de rock clásico y 
pegadizo. “My Baby Left Me”, de Arthur 
Crudup, sufre el mismo proceso de 
“Before You Acusse Me” para pasar a ser 
una canción adoptada y criada por la 
Creedence durante su adaptación y 
grabación. 

La inolvidable melodía y las guitarras 
acústicas de “Who’ll Stop The Rain” nos 
llevan al lado folk de la banda antes 
de que el R&B orquestado de Marvin Gaye 
se transforme en un monstruo de once 
minutos también titulado “I Heard It 
Through The Grapevine”, swamp rock 
desmembrado en continuas jams que deja 
claro no, clarísimo, que la Creedence 
Clearwater Revival no se casa con nadie, 
porque nadie suena como ella, y que es 
uno de los grupos más excepcionales que 
haya existido. “Long As I Can See The 
Light”, pedazo emocionante de soul, da 
por finalizada semejante exhibición 
artística, debida a cuatro músicos 
precisos y creativos al mismo tiempo, 
pero, principalmente, a uno de ellos. 
Compositor, productor, arreglista, 
cantante, guitarrista y encargado de los 
saxos, pianos y armónicas que se oyen en 
el álbum, John Fogerty no es el factótum 
del combo, pero igual que si lo fuera. 

Como para quejarse, entonces, porque su 
perfeccionismo le llevase a preparar día 
sí, día también los temas que aparecerían 
en Cosmo’s Factory, aunque bien sabía 
Doug Clifford que poco se parecía esa 
fábrica a las que explotaban a la clase 
trabajadora. No indican lo contrario, al 
menos, la foto de la portada —¡también 
diseñada por John!— tomada en el interior 
de la nave y los cuatro hippies melenudos 
que desde ella nos miran: cuatro maestros, 
en realidad, en su momento culminante.

Europe
Prisoners in Paradise 
1991
Grupo de rock progresivo en sus 
orígenes, Europe alcanzó el éxito 
con una fórmula de pop-metal 
rimbombante pero melódica. Con 
Joey Tempest como vocalista, la 
banda sacó dos álbumes en Suecia 
antes de conseguir un contrato 
internacional con Epic Records y 
publicar The Final Countdown en 
1986. 

En el álbum, los extraordinarios 
teclados de Michael Michaeli se 
complementaron perfectamente con 
las suaves melodías de pop. El 
disco se convirtió en uno de los 
éxitos Top Ten en Estados Unidos 
y Reino Unido. Out of This World, 
publicado dos años más tarde, 
siguió la fórmula del éxito del 
disco anterior. 

En 1991, sacaron Prisoners of 
Paradise antes de separarse al año 
siguiente. 

Con la banda ya reagrupada, Europe 
publicó Start from the Dark, Secret 
Society y Last Look at Eden durante 
la primera década del s. XXI.

Jeff Buckley
Grace 1994
 “Grace” (1994 Columbia Records),
vale ya por miles y miles de 
discografías. Todo lo que encierra 
dicho álbum es una de las 
demostraciones más grandes y 
emocionantes que nos ha podido 
entregar un artista. Cuesta respirar 
y el corazón encoge cuando vas 
descubriendo tamaña joya, porque es 
algo tan especial que trasciende 
mucho más allá de lo musical, hasta 
alcanzar lo espiritual. 

Un disco transgresor e imaginativo, 
y que destaca entre la vorágine del 
rock alternativo de la época. Su 
éxito no fue instantáneo, pero su 
legado e influencia no tardó en 
dejarse notar en multitud de bandas 
y artistas de renombre, los cuales 
reivindicaron y reverenciaron su 
figura.

Jimi Hendrix
Electric Ladyland 1968
Electric Ladyland, es el tercer 
disco de la Jimi Hendrix 
Experience. En esta aventura 
acompañaban a Jimi Hendrix, Noel 
Redding al bajo y Mitch Mitchell 
a la batería. 
Aunque la relación entre Noel 
Redding y Hendrix se se empezaba 
a hacer inoportable, lo que 
después acabaría con la marcha 
del bajista del grupo.

Jimi HendrixElectric Ladyland, 
igual que los anteriores es un 
disco que destaca por las 
guitarras de Jimi, por sus riff, 
por el wah-wah, por la 
distorsión, por las jam sessions, 
y por ese sonido rock - blues - 
psicodélico tan espectacular. 

Contiene posiblemente la mejor 
cover de la historia de la música, 
el All along the watchtower, que 
escribiera original Bob Dylan. Pero 
Dylan era un genial letrista y 
compositor, pero no tan buen músico, 
o incluso cantante en mi opinión; la 
versión de Hendrix es estratosférica, 
lleva al tema a otra dimensión.

No solo el sello Dylan está patente 
en Electric Ladyland. Hendrix y los 
suyos cuentan también con 
colaboraciones de lujo como Steve
 Winwood al órgano, Chris Wood a la 
flauta, Al Kooper al piano, Jack 
Casady o Buddy Miles.

Electric Ladyland supuso la 
consagración definitiva de Jimi 
Hendrix, y cierra una de las 
trilogías más brillantes en la 
historia del rock (Are You 
Experienced?, Axis: Bols As Love, 
Electric Ladyland).

Talento, psicodelia y genialidad, 
ese era Jimi Hendrix.

Led Zeppelin
Led Zeppelin IV 1971
No hay duda. Es el más famoso álbum 
de Led Zeppelin. Lleva vendidas más 
de 40 millones de discos y es el 
tercer disco con mayores ventas  en 
toda la historia de la industria 
fonográfica norteamericana.

Y es que contiene ni más ni menos 
que “Stairway to heaven”, la 
canción que más ha sonado en las 
radios de todo el mundo y que genera 
todavía más cien millones de dólares 
cada año, sólo en derechos de autor. 

Jimmy Page y Robert Plan siempre 
están contentos.

La grabación de este cuarto álbum 
tuvo un largo proceso. Quizá por 
algunas dudas provocadas por el 
tercer disco.

Lynyrd Skynyrd
Pronounced Leh-Nerd 
Skin-Nerd 1973
En 1972 Al Kooper descubrió a 
Lynyrd Skynyrd en concierto y no 
dudo en ficharlos para su sello y 
producirles su primer disco, 
'Pronounced 'Leh 'nérd 'Skin 'nérd'. 

Fue este el culmen de lo que se 
conoció como 'rock sureño', los 
Allman Brothers habían llegado antes 
pero su música estaba en otro nivel, 
on el blues y el jazz siendo elementos 
tan importantes en la ecuación como 
el rock. Lynyrd Skynyrd era puro rock 
al 100%, en música y actitud. 

Ronnie Van Zant y sus chicos eran 
capaces de rivalizar con los Who en 
directo (Pete Townshend no dudó en 
llevárselos de teloneros al escuchar 
este disco) o de eclipsar a los 
mismísimos Stones. Pero esa misma 
energía de sus directos se puede ver 
reflejada en este disco, desde las 
sentidas baladas de Van Zant, 
'Tuesday's gone' o 'Simple man', 
hasta los temas más potentes como 
'I ain't the one' o 'Gimme three 
steps'. Y luego, en su propio lugar 
mágico, se encuentra 'Free bird' la 
CANCIÓN con mayúsculas de su carrera 
(sí, por encima de la mismísima 
'Sweet home Alabama' que aparecería 
en su siguiente disco), un hito 
absoluto para la guitarra rock en la 
que Allen Collins se ve poseído por 
el espíritu del mismísimo Duane 
Allman y entrega uno de los dos o 
tres mejores solos de la historia.

Siendo un sitio con especial interés 
por la guitarra eléctrica, tenemos 
que hacer un punto y aparte para esta 
canción, Collins había compuesto los 
acordes de la primera parte desde 
hacía dos años pero Van Zant creía 
que había demasiados cambios para 
hacer la melodía, hasta que un día 
Allen volvió a tocarlos y Ronnie dijo 
"eso es muy bonito, tócalo otra vez". 
En pocos minutos salió con la melodía 
y la letra, bueno, menos la icónica 
primera frase "if I leave here 
tomorrow, will you still remember me?" 
que era algo que la novia de Collins 
(posteriormente mujer) le había 
preguntado un día. Esta primera parte, 
sin el largo solo del final, se grabó 
en 1972 pero el cantante pidió a sus 
guitarristas que hicieran algo al final 
en los directos para darle tiempo a 
descansar, así que Gary Rossington 
salió con los acordes del final sobre 
los que Collins encontró el molde 
perfecto para dar lo mejor de sí mismo 
y de su icónica Firebird (la Explorer 
del 58 no llegaría hasta el 76). Para 
rematar la canción, uno de los roadies 
de la banda, Billy Powell, hizo una 
introducción para la canción al piano, 
lo que le convirtió en miembro fijo.

La canción se abre con Kooper tocando 
el órgano y Rossington ofreciendo un 
magnífico solo de slide con su SG, la 
mítica 'Bernice' Les Paul la utiliza 
como rítmica, mientras Collins toca 
una acústica, luego entra la voz de 
Van Zant y tenemos una increíble y 
sentida balada hasta que en el minuto 
4 y medio el tempo empieza a subir y 
Van Zant grita "Lord, help me I can 
chaaaaaange" entonces pasamos a otra 
canción de pura gloria rock que se 
desata cuando Collins decide que ha 
llegado el momento de pasar a la 
historia con un solo absolutamente 
espectacular. Era un 3 de abril de 
1973 y normalmente, en los directos, 
Rossington también participaba, pero 
aquel día podía ver que Collins estaba 
encendido, como si el mismísimo Duane 
Allman (al que siempre dedicaban la 
canción en directo) le hubiera 
poseído, así que le dejó hacer y la 
historia de la guitarra eléctrica se 
vio engrandecida con uno de sus 
grandes monumentos.

Michael Jackson
Bad 2012
Bad era un album que tenía el enorme 
hadicap de haberle precedido Thriller. 
Cualquier cosa que Michael Jackson 
hiciera después iba a ser puesto en 
la picota , pero si volvemos a oir el 
album a mí,francamente, me gusta más 
que Thriller, aunque le falte un Billie 
Jean. Pero, en fín, Smooth Criminal es 
brutal .

Los “listos”  que llevan los negocios 
de Michael Jackson dicen:“La época de BAD 
fue la más creativa de Michael Jackson 
como artista responsable de su carrera. 
Fue el primer álbum en el que casi todas 
las canciones estaban compuestas por él y 
el primer disco de la historia en 
conseguir cinco singles nº1 consecutivos. 
También impulsó la primera gira en la que 
tomó todas las decisiones sobre el show. 
Fue un momento clave en el crecimiento de 
Michael como autor, músico y productor, 
consolidando su status de Rey del Pop. 

El disco se movió en cifras multimillonarias, 
y hoy en día, seguramente será uno de los 
5 ó 10 más vendidos de la historia. La gira 
fue también increible. El mayor espectáculo 
del mundo, anunciaban por entonces, y desde 
luego, podía serlo.

Neil Young
After the Gold Rush 1970
El momento de la confirmación de Neil 
Young llega entre la década de los 60 
y la de los 70, con After the Gold Rush, 
su tercer álbum en solitario tras su 
salida de Buffalo Springfield; nos 
muestra su lado más melódico, sencillo 
y romántico, con apuntes reivindicativos.

Neil Young Un disco en el que predominan 
las canciones folk-country de amor, como 
la estupenda Only love can break your 
heart. A Neil le queda espacio para la 
protesta contra la América profunda en 
Southern man, atacando el racismo y la 
esclavitud sureña. Después los Lynyrd 
Skynyrd responderían con el Sweet Home 
Alabama. También hay momentos místicos 
en la canción que da título al álbum.

Con esa voz tan original va pasando 
rápidamente por las 11 canciones del 
álbum, que termina en un abrir y cerrar 
de ojos, en poco más de media hora.

Bruce Springsteen
Born in the U.S.A. 1984
Corrían los primeros 80, y Bruce 
estaba sumado en una tristeza 
compositiva, que remató con Nebraska. 
Pero llegó su séptimo disco Born in 
the U.S.A....

Bruce Springsteen Born in the U.S.A., 
es para muchos el mejor disco del jefe, 
además del más comercial, con temas 
como Dancing In The Dark, I'm On Fire, 
My Hometown o Glory Days.

Con este disco Springsteen muestra su 
otro carácter, el de la determinación, 
la casta; no se siente derrotado, y 
lucha por lo suyo, por lo nuestro...

Bruce Springsteen En pleno apogeo del 
tecnopop y los discos de 12 pulgadas, 
Dancing In The Dark, un rock de medios 
tiempos animado por líneas de 
sintetizador y que se bailó en todas 
las discotecas fue el primero de los 
éxitos del disco.

Se ganó una falsa imagen pro-americana, 
cuando sin embargo se trata de uno de 
los artistas más comprometidos 
socialmente y con una visión de 
izquierdas de la política de su país. 
La canción que da título al álbum y 
posiblemente la más conocida, y no por 
eso de las mejores del disco, trataba 
sobre la guerra de Vietnam, y fue 
interpretada erróneamente hasta por 
Ronald Reagan, presidente por aquel 
entonces de su país. Bruce Springsteen
El Boss critica de forma irónica las 
miserias, según él, de USA: "Me metí 
en un lío en mi pueblo así que me 
pusieron un rifle en las manos y me 
mandaron a un país extranjero para 
que matara amarillos".

Dicen que vendió más de un millon de 
Lp's en sólo cincuenta horas, 
permaneció siete semanas seguidas 
como número uno... En Estados Unidos, 
el álbum vendió más de 10 millones de 
copias.

Kraftwerk
The Man Machine 1978
1978, corren tiempos modernos para 
la música, el auge de los 
instrumentos electrónicos enpieza a 
sustituir a algunos de los ya 
tradicionales, y los alemanes 
Kraftwerk se destapan con su The 
Man-Machine, uno de los grandes 
discos de techno-pop electrónico de 
la historia.

Kraftwerk ya había hecho grandes 
discos como "Autobhan" o 
"Radio-Activity" por ejemplo, pero 
con The Man-Machine alcanzan el punto 
de inflexión; calidad y 
reconocimiento máximos.

Kraftwerk The Man-Machine contiene 
melodias electrónicas bien construidas, 
con ideas claras, y en momentos con un 
toque bailable; una receta sencilla y 
que les valió llegar a lo más alto de 
la música, en un país donde salían 
grupos de electro-pop por todos los 
sitios. 

El álbum está compuesto por pocos temas: 
6, pero largos, de entre 5 y 9 minutos. 
Kraftwerk compusó y produjó todos los 
temas.

El disco tiene una portada espectacular 
y una contraportada donde se aprecia el 
interés del grupo por el futurismo de 
los años 20 con unos dibujos inspirados 
en el constructivista ruso El Lissitzky.

Curioso fue que el primer single tuviera 
como cara A The Man-Machine, y como 
cara B, The Model, precisamente el mayor 
éxito de Kraftwerk. Una música muy 
pegadiza, con una buena instrumentación.

The robots, es el primer tema que se te 
viene a la cabeza cuando hablas de 
Kraftwerk. Es posiblemente el más 
representativo, por eso de los robots 
(Robot Pop), la tecnología y el futuro, y 
quizá el que bautizó al techno-pop.

Sin embargo la maravilla escondida dentro
del álbum son sus luces de neón, Neon 
lights, un tema tan largo como 
excepcional; posiblemente el más 
relajado del disco y que en la 
imaginación te lleva a nuevos mundos.

Kraftwerk The Man-Machine se vió 
reconocido en ventas tanto en Alemania 
como en muchos países de Europa, aunque 
en España no se supo entender ese nuevo 
sonido, quizá demasiado vanguardista 
para la España de finales de los 70. 
De todas formas algunos de los temas 
del disco fueron utilizados como 
cabeceras o sintonías de programas de 
algunos medios de comunicación.

El esfuerzo de estos idiosincráticos 
músicos fue muy importante para otros
grandes grupos que aparecieron 
posteriormente como Depeche Mode, 
New Order, OMD o la Human League; e 
incluso a músicos más contemporáneos 
suyos como el camaleón, David Bowie.

Sin duda un disco sensacional.

Lou Reed
Transformer 1972
Concluido el periodo con The 
Velvet Underground, grupo 
apadrinado por Andy Warhol, y 
del que Reed fue cantante y 
guitarrista, proyecto que fue 
un fracaso comercial para la 
calidad de un grupo de ese nivel, 
Lou Reed se ve rodeado y 
acompañado por David Bowie y 
Mick Ronson (su ayudante habitual) 
para hacer este Transformer, su 
primer disco en solitario.

Lou Reed Con David Bowie como 
productor Transformer le consagró 
como músico de culto, pues debido 
a sus fuertes letras el gran 
público le ha estado vetado durante 
casi toda su carrera, hasta que hace 
poco se le ha empezado a considerar 
un icono de los 60-70 y un precursor 
de la música underground actual.

Lou Reed tiene en sus trabajadas 
letras, su punto básico. En ellas 
retrata la cara más oscura de su 
país: habla de prostitutas, chaperos, 
drogadictos, en general de marginación 
y soledad.

Transformer comienza con un rock 
vicioso (Vicious), en la que habla 
de sexo explícitamente:

Eres un vicioso que quieres todo el 
día sexo
Quieres que te chupe la polla
Ve a la calle a darle por el culo 
a algún chapero

Lou Reed Está claro que no se corta. 
El segundo corte del disco trata 
sobre un transexual, el pecho de Andy: 
Andy's Chest, y da una pista sobre el 
título del disco. Una de las canciones 
claves de la obra de Reed, sin duda, 
es el Perfect Day, multiversionada y 
reconocida su calidad hoy en día más 
que nunca, en parte por incluirse en la 
banda sonora de películas como 
Trainspotting.

A Hangin' round, la preferida del 
disco de Reed, le sigue la otra gran 
canción del álbum y seguramente su tema 
más famoso Walk on the wild side. Reed 
cuenta varias historias con un 
transfondo común, sus protagonistas 
caminan como dice la canción por el lado 
más salvaje de la vida. Se dice que está 
dedicada a una de las drag queens que 
frecuentaban las fiestas de Andy Warhol 
y que aparece en algunas de sus 
películas, como Candy Darling.

Lou Reed Después de Make up llega 
Satellite Of Love, otra buena balada, 
una canción de amor en la que Bowie 
además de producir participa en unos 
coros de lujo, y que U2 versionó e 
incluyó como Cara B de uno de sus 
temas más recordados "One". La canción 
recuerda al Space Odity de Bowie.

New York Telephone Conversation, es 
otra de las favoritas de Lou Reed, una 
composición de tan sólo un minuto de 
duración, que utiliza una música casi 
infantil como contrapunto a una amenaza 
telefónica de suicidio.

El disco finaliza con el vodevil 
decadente de Goodnight Ladies, una 
canción propia de un cabaret de los 
decadentes años de entreguerras.

Pearl Jam
Ten 1991
El grunge conquistó el mundo con 
Nirvana, pero Pearl Jam demostraron 
desde su inicio que había que contar con 
ellos. Ten, su disco debut, puede ser el 
mejor de toda su carrera, con canciones 
vigorosas llenas de melodías de calidad. 
Eddie Vedder supo transmitir la gris 
realidad de su entorno en temas como 
Alive o Even flow.

Pearl Jam Aunque entraron en el saco de 
los grupos Grunge su música está más 
próxima al rock clásico. La mezcla de 
rabiosos riffs estilo 70' y la rabia del 
punk eran los estilos que conjugaban 
para crear la base sobre la que Eddie 
Vedder levantaba su carismática voz.

Eran los Pearl Jam, un grupo que tenía 
poco que ver con el de Kurt Cobain. A 
pesar de que ambos eran de Seattle, en 
Pearl Jam se notaba una influencia 
mucho más dispersa que iba desde el 
punk que desarrollarían los Nirvana al 
rock duro y pasando por un sinfín de 
géneros. Esta mezcla condujo a una 
música heterogénea.

Pearl Jam El disco estuvo producido por 
ellos mismos junto a Rick Parashar y 
mezclado por Tim Palmer. Grabado por 
Nick DiDia en London Bridge Studios 
(Seattle).

El nombre del disco se basa en el número 
de la camiseta del jugador de la NBA, 
Mookie Blaylock, a quién la banda 
admiraba enormemente, tanto que antes de 
llamarse Pearl Jam utilizaban su nombre 
como denominación en sus primeras 
apariciones públicas.

Ten comienza con el rock potente de Once, 
para dar paso a Even flow, el tema 
favorito de Pearl Jam para la mayoría de 
sus seguidores, con un fantástico riff 
de guitarra.

Alive es otro tema sensacinal; fue la 
primera canción que compusó y tocó la 
banda; el final es un solo de Mike 
McCready, con un riff muy pegadizo. 
Sigue con Why Go, la lenta y melódica 
Black, la historia de Jeremy, la 
surfera Oceans, Porch, Garden, el 
oscuro Deep y Release.

En algunas ediciones del disco aparece 
el Master / Slave como bonus track.

Pink Floyd
The Dark Side of the Moon 
1973
En 1973 uno de lo grandes grupos de 
la historia, Pink Floyd, publica una 
de sus obras maestras, The Dark Side 
Of The Moon (El Lado Oscuro De La 
Luna). Inauguraban la era de la 
tecnología, simbolizada por el prisma 
de portada y la detallista producción 
de Alan Parsons. Con canciones como 
Time y Money, convertidas en 
reconocibles hitos con una versatilidad 
que incluye solos de saxo y vocalistas 
de color. El grupo quería sonar 
comercial y competitivo en plena 
travesía de los 70, con David Gilmour 
en la guitarra principal y voz, Nick 
Mason en la batería y efectos de audio, 
Richard Wright en los teclados, vocales 
y el VCS3 y Roger Waters en el bajo, 
voz y el VCS3.

Pink Floyd El álbum demostró que Pink 
Floyd podían seguir haciendo buenos 
discos sin el alma creativa del grupo: 
Syd Barret, que ya no estaba hacía unos 
años por sus problemas con las drogas, 
y después de su sustitución por David 
Gilmour todos esperaban conocer a donde 
se dirigían.

El álbum está en el libro de los Record 
Guiness, por haber estado en las listas 
de popularidad durante mas tiempo que 
ningun otro disco: 591 semanas en la lista 
de billboard de los 200 discos mas vendidos, 
con un total aproximado de 14 años 
(741 semanas), y de vuelta a las listas 
de billboard ha permanecido durante más de 
26 años. Se han vendido de The Dark Side Of 
The Moon decenas de millones de copias, 
algo al alcance de muy pocos.

R.E.M.
Automatic for the people 
1992
No es fácil conseguir dos grandes 
discos seguidos para un grupo, y 
cuando se consigue es indiscutible 
que la calidad de la banda es muy 
alta. 

Así llegó Automatic for the people, 
precedido del éxito del Out of time, 
REM no se conformaron con hacer un 
disco comercial, sino todo lo 
contrario.

R.E.M. Dando un giro completo al 
sonido pop de "Out Of Time", R.E.M. 
crea una obra maestra inolvidable y 
melancólica con "Automatic For The
People". El álbum es una colección 
de canciones que tratan sobre la 
vejez, la muerte y la pérdida de los 
seres queridos, pero la música suena 
de auténtico lujo, un sonido 
proporcionado por capas de cuerdas 
exuberantes, interludios de piano e 
instrumentos acústicos.

Quizá Automatic for the people sea 
más completo que Out of time, donde 
destacaban 3 o 4 canciones como Losing 
my religion, Shinning happy people o 
Texarcana por ejemplo. Automatic for 
the people está repleto de canciones 
de ese nivel: Drive, The sidewinder 
sleeps tonight, Evereybody hurts, 
Nighswimming... y sobre todo 
"Man on the moon".

R.E.M. El disco comienza con Drive 
(el primer single), un tema que recuerda 
a David Essex. Le sigue Try not to 
Breathe, un tema pop que trata sobre la 
eutanasia. The Sidewinder Sleeps Tonite 
es otro tema pop bastante pegadizo, al 
que sigue Everybody Hurts, una gran 
balada en la que Stipe canta acompañado 
de un piano. En Monty Got a Raw Deal 
encontramos la parte más satírica de la 
banda, que a través de la figura del 
actor Clift Montgommery, nos ofrecen su 
particular visión del mundo de Hollywood. 

Bastantes dosis de sátira hay también en 
Ignoreland (el tema más rockero del disco), 
en el que se habla de la Guerra Fría. 
Star me Kitten es una bonita balada 
susurrada con aires de jazz. El décimo 
tema es Man on the Moon, uno de los 
clásicos del grupo; un tema 
impresionante dedicado al cómico Andy 
Kauffman, a quien Milos Forman y Jim 
Carrey inmortalizaron en la película 
homónima a la canción. Cierran el disco 
dos baladas en las que el piano es 
protagonista indiscutible: Nightswimming 
y Find the River.

R.E.M. La producción del disco corre a 
cargo de Scott Litt y del propio grupo. 
Fue grabado en los Bearsville Studios 
(Bearsville, Nueva York), Criteria 
Recording Studios (Miami, Florida), John 
Keane Studios (Athens, Georgia), Kingsway 
Studios (Nueva Orleans, Louisiana), 
Bosstown Recording Studios (Atlanta, 
Georgia).

El disco se convertió en superventas, 
con cantidades millonarias y con la 
publicación de 6 singles, algo que raras 
veces se ve.

Prince
Sign O' The Times 1987
Prince, pequeñito de estatura, pero 
el músico más grande de la historia 
contemporánea. PrinceEs sorprendente 
la cantidad de canciones que podía 
hacer en tan poco tiempo, para poder 
sacar un disco cada año en los 80; y 
que además fueran obras maestras. Ya 
lo dijo David Bowie: Los 80 son de 
Prince. El genio de Minneapolis todavía 
fue algo más allá, en 1991 por ejemplo 
hizo otro grandísimo álbum, Diamonds 
and Pearls, pero de ello hablaremos en 
otro momento.

Después del éxito de 1999 y Purple Rain, 
Prince siguió haciendo grandes trabajos, 
como Around the world in a day o Parade, 
pero con Sign O' The Times volvió a 
maravillar. Un álbum doble con 16 
canciones en total, con las que podría 
haber hecho igualmente dos discos 
independientes de lujo. Era su noveno 
álbum, el primero desde 1982 sin su banda, 
The revolution, colaborando de pleno; 
aunque con protagonistas como Wendy & Lisa.

Sign O' The Times es de lo más ecléctico, 
muy en la línea de Prince, que se atreve y 
puede con todo: pop, rock, funky, 
psicodelia, soul...

Imágenes apocalípticas de drogas, de naves 
espaciales que explotan, de sexo por el sexo, 
de bebés y madres abandonados, y del SIDA se 
muestran una y otra vez, pero Prince lo 
equilibra con amor, Dios, y la esperanza 
de futuros tiempos mejores. El reflejo es 
la canción que da título al álbum, la letra 
no puede ser más contundente, la música más 
atrevida; ese era Prince, un hombre 
adelantado a su tiempo.

Prince Play in the Sunshine es más pop, y 
contiene esos falsetes característicos del 
genio, Housequake es más funky cachondo. The
 Ballad of Dorothy Parker es una balada 
diferente, un poco psico. De esta primera 
parte también es destacable el sensacional 
Hot Thing, una canción que ha incluido en 
muchas de sus mezclas, y que con unas pocas 
más de revoluciones se sale.

La segunda parte del disco es la más brillante. 
Comienza con U got the look, uno de los grandes 
duetos de la historia, junto a una mujer con la 
que tuvo escenas y momentos muy tórridos: 
Sheena Easton: The dream we all dream of: Boy 
versus girl in the world series of love. If I 
was your girlfriend, que música!, qué forma de 
cantar!, y era 1987!, de lo mejor de Prince, 
como el súper I Could Never Take the Place of 
Your Man, uno de los grandes temas de pop que 
ha hecho Prince. Da paso a la esperanza de 
The cross, una canción espectacular en sus 
directos, comenzando despacito y terminando 
con todo, emocionante. Momento funky jam 
session, 9 minutos de canción en It's gonna 
be a beautiful night, grabada en directo en 
París con The Revolution. Y fin de fiesta con 
Adore, un baladón de los suyos: Until the 
end of the time, I'll be there 4 U.

Rare Earth
Get Ready 1969
Get Ready es el segundo álbum de 
estudio certificado por RIAA 
Platinum de la banda estadounidense 
de rock blues Rare Earth. Fue 
lanzado el 30 de septiembre de 1969 
por Motown Records. El álbum genero 
un disco exitoso, una versión 
editada de "Get Ready", que alcanzo 
el puesto # 4 en la lista Billboard 
Hot 100 en 1970

Rare Earth era una banda de Blues 
Soul Psicodelico experimental que 
quería marcar un estilo propio y su 
nombre quiere decir "sacado de la 
tierra, de la tierra rara" las raíces, 
unos prodigiosos jóvenes que ya 
tocaban desde los 40s-50s en su 
adolescencia, elegantes, bien 
vestidos como muñecos de escaparate 
llegan para poner en el verano del 
69 su sonido en todas las radios con 
su segundo y más imponente vitalicio 
album que solo marcaría una 
trayectoria de éxito que duraría 
hasta finales de los 70s. El tema 
más popular de la banda llegó a 
ser "I just want to celebrate" de 
1971 

Hay quien considera este album 
también pioneros del Funk aunque no 
se no llegaría a catalogarlo como 
funk, pero si que tienen ahí las 
raíces. Y bueno también Jazz Fusión 
yo si que llegaría a considerar 
porque a fin de cuentas el Soul t
iene muchísimo que ver con el Jazz.

Roxy Music
Avalon 1982
Este magnífico octavo disco de 
Roxy Music, lanzado el primero 
de junio de 1982 en Estados Unidos, 
representa la culminación de una 
exitosa carrera que comienza con la 
elegancia del art rock dentro del 
contexto glam británico hasta un 
sonido más adulto y calmado, que 
incluso muestra coqueteos a sonidos 
caribeños. 

Es el primer disco grabado fuera de 
Inglaterra, en estudios en Nassau y 
Manhattan, bajo la coproducción de 
Rhett Davies quien continuó 
trabajando con Phil Manzanera y 
Bryan Ferry posterior a la banda.

Es muy posible que si “Jealous Guy” 
no hubiera sido numero uno como 
Roxy Music, el mejor álbum de 
estudio, el mejor grabado, editado 
y estudiado y, también, el último
 del grupo, es decir, la gran obra 
maestra “Avalon“ jamás hubiera 
nacido.

Pero nadie sabe la razón por la 
que Bryan Ferry, con ese tema tan 
John, que era algo muy personal, 
su homenaje particular a  Lennon,
quiso firmarlo como Roxy Music.

Santana
Abraxas 1970
Un año después de darse a conocer 
a nivel mundial en el Festival de 
Woodstock de 1969, Carlos Santana 
consigue hacer su gran obra maestra 
Abraxas, junto a su banda; 
posiblemente el mejor disco de rock 
latino hecho jamás, asienta las 
bases de la música latina, que han 
seguido otros artistas como sus 
compatriotas Maná y Carlos Vargas 
entre otros.

Santana Abraxas aparece en una época 
de confraternización "hippie", y 
lleva un toque de misterio y 
psicodelia ya desde su título y 
portada, que tiene mucho que ver 
con su sonido, donde logra una 
brillante fusión de rock, blues y 
jazz, con temas impresionantes como 
"Oye Como Va" (Tito Puente) y "Black
 Magic Woman" (compuesto por Peter 
Green de Fleetwood Mac) y al que 
Santana hace más grande.

Santana y su banda, no solo tocan de 
lujo, ni mucho menos, también 
participan en la composición: Santana 
hace el genial "Samba pa ti"; y vaya 
forma de tocar la guitarra, alcanza 
los más alto, rozando la perfección. 
Un tema para enmarcar por todo 
guitarrista que se precie. Sus 
compañeros también participan: 
Carabello (Singing Winds, Crying Best), 
Rolie (Mother's Daughter) o Areas 
(El Nicoya).

Santana Abraxas, obtuvo el primer 
puesto en las listas americanas
durante seis semanas y más de un 
millón de copias vendidas por aquel 
entonces, algo poco habitual en un 
grupo básicamente instrumental, como 
el de Carlos Santana.

El grupo estaba formado por Carlos 
Santana (guitarra, voz), Gregg Rolie 
(teclados, voz), David Brown (bajo), 
Mike Shrieve (batería), Mike Carabello 
(congas), Jose "Chepito" Areas 
(timbales, conga).

En 1.998, Columbia publicó una edición 
especial limitada del disco con 3 temas 
extra, grabados en el Royal Albert Hall 
de Londres, el 18 de Abril de 1.970.

Este disco es una recopilacion de discos historicos.¡¡¡Genial!!!

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